El cine como estrategia didáctica

¿Por qué el cine?

2011-05-02T12:16:00.000-07:00

Para Edgar Morin, el cine constituye un medio para convocar y generar diálogos reflexivos:

En primer lugar, el cine tiene un uso didáctico en áreas o cursos temáticos. En este caso, se usa el cine en relación con temáticas (saberes) para avanzar en su comprensión. Es decir, es un medio didáctico para el logro de objetivos educativos: conceptuales, actitudinales o reflexivos siendo posible emplearlo para enseñar el arte (tendencias, movimientos), la formación ciudadana, los idiomas, las matemáticas entre otros. En segundo lugar, el cine presenta formas de ver, de concebir, de vivenciar el mundo en espacios y contextos particulares, ampliando la concepción que los espectadores tienen de sus vidas. En este sentido, una tercera razón, la posibilidad que ofrece la confrontación de la imagen con las experiencias vividas de las personas y la construcción, re-configuración o consolidación de sentidos y significados que influyen en sus prácticas cotidianas. En la medida en que se identifican las imágenes de la pantalla con la vida real, se ponen en movimiento nuestras proyecciones-identificaciones, propias de la vida real[1].

Aquí, se sugiere el manejo didáctico del cine como una estrategia que permite un acercamiento a las tendencias educativas de actualidad, relacionadas con la búsqueda de una escuela incluyente "una escuela para todos", con la educación para la paz, el desarrollo y la interculturalidad, así como con la construcción de una cultura de aceptación, de reconocimiento y de respeto hacia la diversidad humana.

Las películas que en este espacio se proponen para el trabajo áulico, constituyen un repertorio cultural de consulta necesaria para la comprensión del tratamiento de la diversidad desde una óptica que recupera los elementos sociales desde los cuales se comprende el devenir histórico de los procesos excluyentes que han permeado a la humanidad y que se han construido sobre la base de las nociones de "normalidad" vs "anormalidad".

Son obras que como expresión artística del cine social, recuperan diferentes aspectos de las sociedades y de las manifestaciones estéticas, los valores, de las características y situación de los grupos en riesgo de ser vulnerados, y de la presencia de actitudes discriminadoras; relacionadas con la dinámica de los contextos: personal, familiar, escolar, laboral y/o profesional, y comunitario.

Se trata de una selección que esperamos sea ampliada con tu participación.

[1] MORIN, Edgar. El Cine o el Hombre Imaginario. Ed. Seix Barral, S.A. Barcelona. 1972. Pág.108

LA CONSTRUCCIÓN DE LA ALTERIDAD

2009-05-12T12:47:00.000-07:00

Cine y educación: la construcción de la alteridad

Ramón Ignacio Correa García

María Dolores Guzmán Franco

Universidad de Huelva

correa@uhu.es
mdguzman@ono.com

Fuente: http://www.atei.es/recursos/doc/cineyeducacion.pdf

Identificamos nuestro «yo» porque reconocemos la existencia del «otro». Somos concientes de nuestra individualidad existencial y también de un yo colectivo de pertenencia, un «nosotros», con el que nos sentimos identificados. Todo lo que queda fuera de la red afectiva, ideológica, religiosa, profesional… del nosotros constituirían los otros.

La diversidad de la especie humana se puede vivenciar desde dos enfoques radicalmente opuestos:

a) Como un espacio de tolerancia entre iguales

b) Como un espacio de poder entre opresores y oprimidos.

La condición humana parece haber adoptado la segunda opción como norma en el devenir histórico. Occidente, en su discurso antropo - lógico tradicional sobre la diversidad, vio al otro como el salvaje o el

primitivo, un ser inferior sin lugar a dudas.

En los balbuceos del cine, aquellas llegadas del tren a la estación, las salidas de los obreros de la fábrica o alguna candorosa y divertida escena de un regador que es víctima de su propio oficio, alteraron para siempre la experiencia visual de nuestra civilización. En esta breve etapa del cinematógrafo como reproducción de la realidad y su exhibición en las barracas de feria como una atracción más está el germen de su nacimiento espurio como arte.

Y ese arte no ha sido ajeno a verter sobre el celuloide las miradas, canónicas y disidentes, sobre el extranjero, sobre el otro sobre lo diferente, configurando un bestiario icónico donde se amalgaman una pléyade de monstruos, de psicópatas, de naturalezas deformes, de enemigos de la patria (reales e imaginarios), de seres de ultratumba, de extraterrestres, de homosexuales... una diversidad escindida en dos bloques por una moral y una ética maniquea como una manifestación más del poder del nosotros sobre los o tros.

1. La herencia del pasado

El cine como paleolenguaje icónico estuvo estrechamente emparentado con la antropología. Los espectadores salían atónitos de aquellas experiencias visuales sin precedentes que representaban escenas de la vida cotidiana (salidas de los obreros de las fábricas, llegada del tren a la estación...).

Sin embargo, más allá de estas insólitas grabaciones, el cine contribuyó al acercamiento de realidades remotas que se sólo se conocían a través de los grabados o los libros de viajes.

A similitud de éstos, los primeros registros etnográficos de los operadores cinematográficos se enmarcaron dentro de un esquema caracterizado por la situación del reparto colonial en manos de las grandes potencias. Aquellas imágenes estaban impregnadas por la mirada exótica legitimada por los postulados evolucionistas de la sociedad occidental de finales del siglo XIX.

En aquel tiempo, la Antropología se disputaba un espacio científico propio y una autoridad social distinta de la autoridad de la religión, la filosofía o las artes. La oficialidad antropológica, basada en la «objetividad» y el método científico, sacralizó una cosmovisión donde el estadio más alto del desarrollo humano lo constituía la «civilización» y el extremo opuesto estaba ocupado por el «salvajismo» y la «barbarie». De la sociedad industrial del XIX, cúspide del progreso y del avance de la técnica y la ciencia, hasta los pueblos considerados «inferiores». Éste fue uno de los puntos de inflexión para distinguir entre el «nosotros» y los «otros».

No obstante, la construcción de la alteridad desde el punto de vista antropológico quizás haya que buscarla desde que la propia evolución originase un simio que caminaba a dos patas y comenzó a tener conciencia de ser un homo sapiens. La lucha por el territorio y con ella por los recursos naturales en el nivel de sociedades de bandas y aldeas suponen el primer descubrimiento de los otros (Harris, 1997). Cuando los cazadores-recolectores decidieron restringir su nomadismo y agruparse en asentamientos que excedían las antiguas bandas y aldeas para explotar la agricultura sedentaria y el pastoreo, se forjan los primeros Estados. En ellos germinaría, igualmente, la semilla de lo diferente al estratificarse la población y diferenciarse para el resto de la Historia venidera entre gobernantes y gobernados. Y desde entonces: amos y esclavos, blancos y negros, señores y siervos… ¿Podría haber existido nuestra civilización sin gobernantes y gobernados?

Los Estados modernos organizados en gobiernos democráticos prescinden de leviatanes hereditarios, pero no pueden hacer lo mismo con la panoplia de reyes y reinas, ministros, presidentes, parlamentarios, gobernadores, alguaciles, furgones celulares, policías, recaudadores de impuestos… (Harris, 1993: 6).

Ya los ciudadanos de las polis griegas reconocían a los «bárbaros» extranjeros; en Roma, se distinguía entre civitas (patricios y plebeyos, otra clasificación excluyente) habitantes de las ciudades y selvaticus, el que habitaba en los bosques; en los albores del cristianismo, el Otro era el no-cristiano, es decir el «pagano» o residente en los pagos de labranza.

El Salvaje Primitivo e Incivilizado y el Buen Salvaje serían los dos estereotipos más comunes en la época de los «grandes descubrimientos» (eufemismo que encubre el primer proceso colonialista e imperialista de Occidente). El relato de Hans Staden sobre su viaje a Brasil en 1557 en Alemania con el título Historia y descripción verdaderas de una tierra de los pueblos caníbales, salvajes, desnudos, feroces contrasta con la descripción que hacía Cristóbal Colón el 12 de octubre de 1492 cuando parecía haber encontrado el Paraíso en la isla entonces denominada San Salvador: «Estas gentes ni pertenecen a una secta ni son idólatras.

Son simplemente dulces e ignorantes del mal, incapaces de matarse los unos a los otros».

En definitiva, sociológica e históricamente, hay una concepción de la alteridad basada en una visión del mundo que es sustentada a su vez por una moral y ética maniquea. Hoy, el mundo global se enfrenta a la presencia cotidiana y ubicua del extranjero, del Otro y ahora vivenciamos esa diversidad en forma de sudacas, latinos, negros, moros, polacos, espaldas mojadas, sin papeles... rémoras lingüísticas y sociológicas de aquel otro proceso colonialista del siglo XIX y que demuestra que toda cuestión taxonómica está vinculada a relaciones de poder (Monnet, 2001): las clasificaciones han dado buenos resultados en las ciencias pero ha sido perjudicial cuando se aplica a personas para intentar explicar la diversidad humana. La ilusión de la Aldea.

Global dio paso muy pronto a la globalización económica y, con ella, a la exclusión social. El Otro es vivenciado siempre como un ser amenazante y potencialmente peligroso (Guzzetti, 2003).

2. La herencia del presente: negociación de la alteridad en el cine

En el cine es posible detectar los planteamientos etnocentristas presentes en la sociedad desde que se ha reconocido la presencia del Otro. La construcción de la propia identidad pasa por el reconocimiento del «diferente». El Otro no es semejante y, generalmente, es un ser inferior dentro de una jerarquía que elabora el yo y el nosotros. Traspasar ese límite supone caer en los rápidos de la alterofobia, patología social excluyente que tiende a utilizar métodos autoritarios para pretender su hegemonía. El fundamentalismo de la imagen (Aguaded, Correa y Tirado, 2002) construye miradas canónicas que tienden a convertirse en estereotipos. ¿Acaso quienes controlan los medios son ajenos a estos vientos de fanatismo y de integrismo fanático-religioso que proclaman sus imágenes? ¿No hay en el discurso de las imágenes una fuerte complicidad con las ideologías dominantes? ¿No existen imágenes «baratas» y esquemáticas de los negros, los indígenas, los moros, los subdesarrollados primitivos... donde se les excluye, se les niega la capacidad para interpelarnos y cuestionarnos?

Resulta paradójico comprobar que en este mundo global y de economía mundializada donde las grandes fortunas y capitales buscan rápidamente hospedaje, el Extranjero siempre es el Otro.

El cine como lenguaje y como arte no ha sido ajeno al hecho plasmar en imágenes la alteridad que se ha vivido y vive en la sociedad. El ojo que mira a través del objetivo de una cámara no es un ojo objetivo y neutral, sino que está cargado de ideología, actitudes, prejuicios y valores.

De todas formas, en los balbuceos expresivos del cine en su primera época aún no se había incorporado la experiencia de la mirada como síntesis superadora de la visión, a la que complementa con una carga semántica e ideológica. El fenómeno de la visión como mecanismo cerebral de carácter fisiológico lo compartimos con casi todas las especies animales. Cuando, además de ver, proyectamos nuestras creencias, actitudes, valores e ideología, convertimos esa visión en mirada, como hacían los antropólogos del XIX o los conquistadores del Nuevo Mundo en la epoca de los brandes descubrimientos.

Fue Méliès, director del teatro Houdini, quien proporciona por primera vez al lenguaje cinematográfico su dimensión de magia e ilusionismo. Su Viaje a la Luna (1902) se adentraba en el terreno de la ciencia ficción cómica, es considerada la primera superproducción de la historia del cine (unos diez mil francos de la época). Con Méliès, el cine trasciende de su dimensión de simple copia de la realidad como lo había sido la fotografía en sus comienzos.

Griffith en Estados Unidos, Eisenstein en Rusia y Lang o Murnau en Alemania, entre otros, fueron los directores de cine que apuntalaron las vigas maestras del cine como medios expresivo en su dimensión de arte.

En las miradas del cine de Hollywood o en las miradas disidentes del cine surrealista, las snuff-movies y los lenguajes heterodoxos de las producciones independientes y del experimentalismo de vanguardia, encontramos una pléyade de otros, los seres que hemos decretado socialmente como diferentes: psicópatas y asesinos; los enemigos de la patria; los monstruos (físicos o psicológicos, por cuanto pervierten la «normalidad»); los fantasmas y seres de ultratumba; los extraterrestres; los homosexuales; las minorías étnicas.

Sin embargo, una alteridad compleja llevada a las pantallas ha sido el esfuerzo del humano por hacer humano un ser extraño creándolo a su imagen y semejanza, usurpando una propiedad de los dioses. Se ha creado al Otro pero para que forme parte de nosotros. Es un ser diferente pero no excluido; marginal, pero no marginado... y que en la mayoría de los casos, imitando igualmente el pasaje bíblico, se rebela contra su hacedor buscando su poder o angustiado por su falta de identidad.

3. Estatuas de barro a imagen y semejanza

Pigmalión, además de ser rey y sacerdote de Chipre era un consumado escultor. Durante largo tiempo buscó esposa que fuera una mujer perfecta pero no la encontró. Entonces decidió que no se casaría y se volcaría en la creación artística ofreciendo sus obras a Afrodita. Con una gran fuerza creadora y un fuerte sentimiento, dio forma a una estatua de mujer perfecta a la que llamó Galatea, pero cuando fue a tocarla se dio cuenta que el mármol no estaba frío y que cobraba vida. Ante sus ojos estaba Afrodita.

El mito de Pigmalión ha sido llevado al cine desde sus comienzos.

Una de sus primeras recreaciones fue El Golem (Paul Wegener, 1914), basada en una antigua leyenda judía sobre una estatua de arcilla que el rabino Loew da forma con sus manos y vida con una esotérica fórmula lingüística. Ocurre en el ghetto de Praga. En esa fantasía sin fronteras, el Golem tendrá que defender a la comunidad judía, pero se vuelve contra su creador (y en este caso, también rememora el mito de Prometeo, castigado por los dioses por robar sus secretos).

Mary Shelley, la autora de la novela Frankenstein se basó en la leyenda del Golem. En el cine encontramos la primera versión en Frankenstein (James Whale, 1931), ser anómico creado con los órganos de personas muertas y que cobran vida en los experimentos del Dr. Frankenstein y, al igual que el Golem, se volverá en contra de qui en le ha dado la vida.

Cuando la criatura originada de la mano del hombre es mitad máquina y mitad robot se funden los planos biológicos y tecnológicos. Así ocurre en Metrópolis (Fritz Lang, 1927), visión futurista de una sociedad estratificada en la clase de los señores que gozan de la vida ociosa de la superficie y los esclavos infrahombres que viven trabajando en el subsuelo, una región subterránea de auténtica pesadilla.

A pesar de tener escenas magistrales, Metrópolis es un tratado sociológico pueril con una gran ingenuidad en el relato, donde el héroe capitalista redime a los obreros de la tiranía de María, la mujer-robot que arenga de forma revolucionara a los trabajadores. A pesar de toda su ingenuidad ideológica, Metrópolis es, visualmente, una obra maestra.

Desde la misma perspectiva antropológica tradicional que consideraba al otro como un ser incivilizado e inferior, la redención de lo primitivo a manos de la educación y la cultura la hallamos en El niño salvaje (François Truffaut, 1969). Privación de la socialización y poder regenerador de la educación. Estaba basada en un hecho real acaecido en 1800 cuando el doctor Jean Itard quiso educar a un niño salvaje encontrado en L’Aveiron. En Blade Runner (Ridley Scott, 1982), escenificada en una opresora y futurista ciudad de Los Ángeles, los replicantes se rebelan en contra de su creador y buscan su identidad. No tienen pasado. Son cyborgs (mitad máquinas, mitad humanos) casi perfectos, pero la indefinición de su yo les angustia y buscan desesperadamente respuestas que los seres humanos las consideramos elementales y que ellos nunca encontrarán.

El mito de Prometeo, rebautizado como el síndrome de Frankenstein, lo volvemos a encontrar en Matrix (Wacholski Metrópolis (Frit Lang, 1927) El niño salvaje (François Truffaut, 1969) Brothers, 1999) donde nosotros nacemos, vivimos y morimos experimentando las sensaciones y sentimientos de la existencia recluidos en la interfaz de una máquina gigantesca. La realidad que conocemos se ha convertido en una simulación interactiva neuronal. Vivimos en un mundo imaginario donde ya las personas no nacemos, se nos «cultiva» para ser la fuente de energía de las máquinas (los otros) que hemos creado desde las promesas miríficas de la Inteligencia Artificial. Las máquinas (los otros) se han vuelto más poderosas que la especie humana y han dominado el mundo. ¿No es inquietante sólo el hecho de admitir la posibilidad de que eso ocurra?

Del horizonte sin futuro que dibuja Matrix o desde los replicantes angustiados de Blade Runner hasta IA (Steven Spielberg, 2000) hay todo un giro copernicano en la concepción de los otros. Situada en un mañana cercano y en un mundo degradado por las continuas agresiones al medio ambiente, se nos dibuja un panorama desolador para la humanidad: en un clima caótico tras el deshielo de los cascos polares, millones de personas mueren de hambre mientras que una selecta minoría goza de un nivel de vida nunca conocido hasta entonces. Los robots, libres de las pasiones y necesidades fisiológicas de los seres humanos, serían un elemento esencial en la estructura económica de la sociedad y en la vida cotidiana ya que liberaban a las personas de toda tarea profesional o doméstica. Sin embargo, aquellos androides equipados con circuitos de conducta inteligente van a ser ahora más perfectos: tendrán capacidad de amar y serán, si cabe, parte de nosotros.

Referencias

AGUADED, J.I.; CORREA, R.I. y TIRADO, R. (2002): «El fundamentalismo de la imagen en la sociedad del espectáculo», en Anuario Ininco, 14.

GUZZETTI, C. (2003): «El lugar de lo extranjero: identidad del psicoanálisis», en Encontro Latino Americano de Estados Gerais da Psicanálise. (En www.estadosgerais.org, consultada en marzo de 2003).

HARRIS, M. (1993): Jefes, cabecillas y abusones. Madrid, Alianza.

HARRIS, M. (1997): Nuestra especie. Madrid, Alianza.

MONNET, N. (2001): «Moros, sudacas y guiris, una forma de contemplar la diversidad humana en Barcelona», en Scripta Nova, 94.
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RELACIÓN DE PELÍCULAS Y DOCUMENTALES SUGERIDOS PARA ABORDAR EL TEMA DE LA CONSTRUCCIÓN DE LA ALTERIDAD Y LA OTREDAD

Por: María Azucena Sánchez Aburto

En esta ocasión se sugieren obras que como expresión artística del cine social, recuperan diferentes aspectos de la sociedad y de las manifestaciones afines a la heterogeneidad humana, los valores y la necesidad de transitar hacia la consolidación de una cultura de la aceptación y el respeto por el otro; del reconocimiento de la diversidad humana como un valor y del derecho fundamental de los seres humanos a no ser discriminados.

Es así que sugerimos el manejo de las películas: "El pequeño salvaje" y " Festen (La celebración)".

"El pequeño salvaje", constituye una oportunidad de reflexión y análisis en torno a las críticas hacia la educación segregadora y excluyente. Tomando como punto de partida los textos de Miguel López Melero.

Representa también un espacio de discusión en torno a la figura del Otro, aquel que nos interpela con su singularidad, con sus ojos, con sus manos, con su rostro, con su mundo y sus habilidades. Quien habiendo atravesado el espectro de la diferencia ha sido despojado de su singularidad y ha vivido con el sufrimiento de ser asesinado de esa singularidad desde la pretensión y arrogancia de quien quiere hacer de él ¿qué? ¿una réplica de la mismidad de sus interlocutores?

La historia del niño salvaje de Aveyron, nos lleva a un cúmulo de reflexiones entre las que cabe señalar aquella planteada por Lacan y citada por Miguel Gutiérrez (2008: "n. d.") ¿quién cura el mal que el bien hace?. La bondad es sin duda, necesaria pero no podría curar el mal que ella misma engendra.

Por su parte "Festen (la celebración)". La segunda película propuesta para este bloque, es sin lugar a dudas, la obra cinematográfica que pone sobre el escenario la interpelación de la diversidad humana, la irrupción de la mismidad desde la presencia del otro y sus razones, del otro y sus diferencias, del otro y su singularidad.

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1. El Pequeño Salvaje. L’enfant sauvage

Francia. 1960. 85 min. B/N.
Director: François Truffaut.
Fotografía: Néstor Almendros
Intérpretes:Jean-Pierre Cargol (Víctor), François Truffaut (Jean Itard), Françoise Seigner (señota Guerin), Paul Villé (Remy), Jean Dasté (Professor Pinel)

Sinopsis:

Basada en un hecho real relata la historia de un niño salvaje capturado en los bosques franceses y recluido en un instituto de investigación. De vivir como un animal libre pasa a convertirse en un ser rechazado, maltratado y visto como un fenómeno inhumano. Sólo el doctor Itard hará todo lo posible para hacer de él un ser civilizado llevándolo a su propia casa. Transcurrido un tiempo, el niño se encontrará perdido entre su deseo por recuperar su vida salvaje y su nueva etapa junto a su protector.

DESCARGAR LA PELÍCULA EN LÍNEA: http://descargacineclasico.blogspot.com/2009/11/el-pequeno-salvaje.html

VER RESEÑAS Y PELÍCULA EN LÍNEA: http://inclusionintegracionescolar.blogspot.com/2011/03/el-pequeno-salvaje.html

Trailer de la película

2. Festen/ La celebración

Título original: (The celebration)
Año: 1998
País: Dinamarca
Duración: 105 min.
Director: Thomas Vinterberg
Guión: Thomas Vinterberg & Mogens Rukov
Música: No tiene
Fotografía: Anthony Dod Mantle
Género: Dogma (Drama, familia)
Reparto: Henning Moritzen, Ulrich Thomsen, Thomas Bo Larsen, Birthe Neumann, Trine Dyrholm, Paprika Steen, Helle Dolleris.

Sinopsis:

Los Klingenfeldt, una familia de la alta burguesía danesa, se disponen a celebrar el sesenta cumpleaños del patriarca, un hombre de trayectoria y reputación intachable. Sin embargo, sus tres hijos, aunque muy diferentes entre sí, están dispuestos a aprovechar la ocasión para sacar a relucir los trapos sucios de la familia.

Reseña* :

La película forma parte de un movimiento cultural cinematográfico que se creó en Dinamarca en 1995, denominado DOGMA 95. Su objetivo era crear películas simples y sencillas de elaborar en cuanto a medios y sin modificaciones en la post-producción, poniendo como objetivo principal: la descripción de la realidad lo más fielmente posible (...)

La celebración, de Thomas Vinterberg, 1998, es una obra dramática que trata de una familia de la alta burguesía danesa que se dispone a celebrar el sesenta cumpleaños del patriarca, durante la celebración uno de los hijos tomado bajo los efectos del alcohol relata ante todos, el abuso sexual e incesto que sometió el padre sobre sus hijos, cuando eran niños y el suicidio de una hermana presumiblemente por esa causa.

Las escenas poseen un gran dramatismo y despiertan de inmediato el interés: por la crudeza de de los hechos, la extremada violencia verbal y sobre todo por la extraordinaria interpretación de los actores, que se acrecienta por la abundancia de primeros primeros planos.

Todo ello consigue atrapar la atención del espectador en casi todos los momentos de la película, a pesar de las limitaciones de visualización que conlleva su elaboración, como son: los frecuentes desenfoques o salidas de los personajes del cuadro de la pantalla, cambios de luz que oscurecen o “queman” las caras u objetos y por ello impiden ver a veces toda su fuerza expresiva, así como la inestabilidad de la imagen por el movimiento de la cámara, etc.; ni que decir tiene asimismo la limitación en la percepción de la belleza de los paisajes (...)

Con esta película Vinterberg destapa toda la hipocresía de una familia y sus miserias humanas mas abyectas, haciendo con ello una crítica feroz de una clase social e indirectamente de toda la sociedad, pues también intervienen empleados como personajes ajenos a la misma.

Llama la atención, desde la perspectiva nuestra, la frialdad de los personajes en condiciones normales, no tomados, y su capacidad para mantener las formas, durante años, a pesar de los hechos tan graves y espeluznantes que viven, lo que describe también la idiosincrasia de estos pueblos sajones del norte de Europa, tan diferentes de los pueblos latinos nuestros, con caracteres mas expresivos y pasionales.

* Fuente:

http://cinearteyensayo.blogspot.com/2010/11/la-celebracion-festen-thomas-vinterberg.html

VER RESEÑA COMPLETA:
http://cinedidactica.blogspot.com/2011/05/festen.html

Escena de la película

3. Descubriendo la amistad/ El agente de la estación/ The station agent

Ficha técnica

SenArt Films, 2003

88 minutos
Dirigida y escrita por Thomas McCarthyEditada por Tom McArdle
Elenco:
Peter Dinklage .... Finbar McBrida
Patricia Clarkson .... Olivia Harris
Bobby Cannavale .... Joe Oramas
Michelle Williams .... Emily
Raven Goodwin .... Cleo
Paul Benjamin .... Henry Styles
Joe Lo Truglio .... Danny

Reseña*

"Descubriendo la Amistad" muestra las curiosas circunstancias por las que tres personas empiezan a crear lazos afectivos, a pesar de que diversas circunstancias los han relegado a la periferia de la sociedad. Así tenemos a Fin (Peter Dinklage), un acérrimo aficionado a los trenes, cuyas deficiencias físicas lo han convertido en una persona solitaria y taciturna. Pero cuando Fin hereda una derruida estación ferroviaria en un pequeño pueblo, entra en contacto casi accidental con Olivia (Patricia Clarkson), una mujer torturada por la reciente muerte de su hijo; y con Joe, un parlanchín vendedor de café, temeroso de la soledad y excesivamente gregario. Así el trío comienza una frágil amistad cuyo principal obstáculo se manifiesta en los conflictos e inseguridades internas de los personajes.

"Descubriendo la Amistad" es una de esas películas en las que no pasan muchas cosas. No hay revelaciones sorpresivas, ni escandalosas escenas dramáticas. La trama simplemente sigue la evolución interna de los personajes, y con eso basta para hacerla interesante, emotiva y graciosa.

La minimalista producción hace excelente uso de locaciones reales, y la engañosamente simple cinematografía logra dar vida a los escuálidos escenarios. La dirección de Thomas McCarthy es sutil y segura, confiando en que su elenco expresa todo lo que necesitamos saber sobre los personajes, y confiando en que el público sabrá apreciar el pausado tono de la cinta, y sus intensas pero reprimidas emociones.

El mencionado elenco es brillante. Peter Dinklage aprovecha al máximo sus características físicas para expresar el dolor que ha sufrido toda su vida, pero sin perder su dignidad; Bobby Cannavale como el extrovertido Joe resulta ser un descubrimiento. Su papel parece simple, pero tiene que mostrar gran profundidad por debajo de su superficial actitud. Y ¿qué puedo decir de Patricia Clarkson? Esta brillante actriz es siempre una sólida presencia, tanto en grandes películas de estudio (por ejemplo "Miracle", del 2004), como en obras independientes ("Pieces of April", 2003) y, sin importar la escala de la obra, su trabajo es siempre intenso, creíble e hipnótico.

Si quisiera buscarle fallas a esta película, diría que su final es un poco abrupto y conveniente. Sin embargo, acepto que es consistente con las actitudes de los personajes. No obstante, me hubiera gustado profundizar un poco más en sus motivos y en su posible redención.

"Descubriendo la Amistad" es una excelente película que no sólo es graciosa, conmovedora y entretenida, sino que muestra el potencial del cine independiente para contar historias inusuales de forma poco convencional. Y al ser también un poderoso estudio de personajes, podrá iluminar al público sobre la condición humana, y su precario equilibrio en la sociedad contemporánea, obsesionada por la imagen y demasiado impaciente, negándose a descubrir lo que puede ofrecer una persona más allá de su apariencia física. Sólo espero que más gente descubra esta película, pues su genérico título y su pobre distribución no hacen justicia a su valor artístico y fuerte mensaje.

*Fuente: http://www.cinencanto.com/critic/p_station.htm

Trailer de la película (En idioma inglés)

4. El circo de la mariposa

Ver cortometraje

5. El lobo de los cuentos

6. Metrópolis

Ficha técnica:

Titulo Original: Metropolis

GENERO: Ciencia Ficción

TEMÁTICA: Sectas, Culto, Expresionismo, Robots/Androides, Experimentos, Futurismo, Alteridad

PAIS: Alemania

DURACION: 115 Minutos

AÑO: 1927

Trailer de la película

Reseña

Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Metr%C3%B3polis_(pel%C3%ADcula)

Metrópolis es un filme alemán realizado por la productora UFA. Se trata de una película de ciencia ficción dirigida por Fritz Lang, cuya trama se desarrolla en una distopía urbana futurista. Este filme fue lanzado originalmente en el año de 1927, antes de la cinematografía sonorizada. Se lo considera uno de los máximos exponentes del expresionismo alemán en las artes cinematográficas.

El guion fue escrito por Fritz Lang y su esposa Thea von Harbou, inspirándose en una novela de 1926 de la misma Von Harbou.

Metrópolis es uno de lοs pocos filmes considerados Memoria del Mundo por la Unesco (Otros son los films documentales de los Hermanos Lumiere, Los olvidados [1950], film mexicano de Luis Buñuel y The Wizard of Oz de Victor Fleming de 1939). Fue el primero en poseer esta categoría, amparado en la vívida encarnación de la sociedad toda, y la profundidad de su contenido humano y social.

Argumento

En una megalópolis del siglo XXI los obreros viven en un gueto subterráneo donde se encuentra el corazón industrial con la prohibición de salir al mundo exterior. Incitados por un robot se rebelan contra la clase intelectual que tiene el poder, amenazando con destruir la ciudad que se encuentra en la superficie, pero Freder (Gustav Frölich), hijo del dirigente de Metrópolis, con la ayuda de la hermosa María (Brigitte Helm) de origen humilde, intentarán evitar la destrucción apelando a los sentimientos y al amor.

El filme se desarrolla en el año 2026, en una ciudad-estado de enormes proporciones llamada Metrópolis. La sociedad se ha dividido en dos grupos antagónicos y complementarios: una élite de propietarios y pensadores, que viven en la superficie, viendo el mundo desde los grandes rascacielos y paisajes urbanos, y una casta de trabajadores, que viven bajo la ciudad y que trabajan sin cesar para mantener el modo de vida de los de la superficie. El presidente-director de la ciudad es Johan 'Joh' Fredersen (interpretado por el actor Alfred Abel).

Una figura carismática y pacificadora llamada María defiende la causa de los trabajadores. Pero en lugar de incitar a una revuelta, insta a los trabajadores a buscar una salida pacífica y tener paciencia, esperando la llegada del "Mediador", que unirá ambas mitades de la sociedad. El hijo de Fredersen, Freder (Gustav Fröhlich) conoce a María y queda prendado de ella. Al seguirla sin que ésta se dé cuenta, penetra en el mundo subterráneo de los trabajadores y mira con sus propios ojos las pésimas condiciones en que éstos viven y trabajan, así como el desdén absoluto de los propietarios, que prefieren traer más trabajadores para que las máquinas no se detengan, que auxiliar a los que sufren accidentes en ellas. Asqueado por lo que ve, Freder decide unirse a la causa de María.

Sin embargo Fredersen se ha dado cuenta ya de las actividades de María, y temiendo una revuelta de los obreros, decide solicitar la ayuda del científico Rotwang (en el papel de Rudolf Klein-Rogge), quien a su vez le muestra un robot antropomorfo de su invención. El robot creado por Rotwang puede tomar tanto la conducta como la apariencia de una persona, así que deciden suplantar a María. El robot tiene como órdenes promover los disturbios y el descontento, para así permitir a Fredersen lanzar una represión violenta contra los trabajadores. Lo que desconoce Fredersen es que el robot contiene el espíritu de Hel - la ex mujer de Rotwang, que tuvo un amorío con el dueño de la ciudad, y falleció al dar a luz a su hijo Freder -, y que Rotwang utilizará al ser máquina como instrumento de venganza contra el presidente de Metrópolis, su hijo, y toda la ciudad.

La verdadera María es hecha prisionera en la mansión de Rotwang, en Metrópolis, mientras el robot la suplanta y lanza discursos incendiarios. Además, el robot comienza a seguir las iniciativas de Rotwang en su plan de venganza, y se transforma en bailarina exótica en el prestigioso cabaret Yoshiwara, excitando y nublando la razón de los asistentes, promoviendo la discordia y la decadencia entre los jóvenes adinerados. Siguiendo los malos consejos del Robot-María, los trabajadores inician una revuelta y destruyen la "Máquina Corazón", que proporciona la energía que hace funcionar toda la demás maquinaria de Metrópolis. La destrucción de dicha máquina también provoca que los tanques de agua de la ciudad se aneguen, e inunden el submundo de los trabajadores, quienes cegados por el discurso del robot, han descuidado la seguridad de sus hijos, quienes terminan siendo rescatados por Freder y la verdadera María. Al darse cuenta de su grave error, los trabajadores desesperados salen a la superficie en busca de su "enemiga en la ciudadela", la presunta María. La muchedumbre invade el distrito de diversiones de la ciudad y captura a la falsa María, a la cual atan a una estaca y prenden fuego, mientras Freder observa todo y desespera. Pero pronto se dan cuenta que esa María es una impostora, al arder sus carnes falsas y quedar al descubierto el robot, y al ver a María ser perseguida por el enloquecido Rowang en los tejados de la catedral de la ciudad. Freder persigue a Rotwang, y lo enfrenta hasta que éste último se precipita del tejado hacia su muerte. María y Freder retornan a la calle y van al encuentro de Joh y Grot (líderes de la ciudad y de los trabajadores) y dejan entrever el comienzo de una nueva sociedad.

Bajo el lema "Mittler zwischen Hirn und Hand muss das Herz sein" (mediador entre el cerebro y la mano ha de ser el corazón), que debe interpretarse como la necesidad de que la capacidad de amar del Ser Humano reúna a la razón y la fuerza, se reconcilian el magnate Joh Fredersen y los trabajadores de Metrópolis gracias a Freder, que encarnarían los tres términos de esa ecuación: razón, trabajo y corazón.

A Fritz Lang le gustaba recordar que la historia de Metrópolis nació en su viaje a América, en octubre de 1924, viendo desde su barco en la noche ante el puerto neoyorkino los rascacielos de la ciudad y las calles iluminadas. Al regresar, Thea von Harbou se pondría a trabajar en el guion. Esta inspiración se puede relacionar con el rodaje en la materialización de las ideas visuales más que con el guion, ya que la historia estaba probablemente muy perfilada en julio de 1924. Von Harbou escribió asimismo una novela que se basó en la trama de la película.

En la representación del orden social, Metrópolis se apoya por un lado en el marxismo: hay dos clases sociales claramente diferenciadas y separadas, en las que una explota a la otra sin que haya posibilidades de medrar. La “alienación del trabajo“ podría relacionarse con que haya algunas máquinas sin una utilidad reconocible. Por otro lado también se critica el ideal de revolución socialista. El personaje del robot María, representado claramente como malvada, lanza a los trabajadores a la lucha, y como resultado destrozan su medio y sustento, empeorando su situación en lugar de mejorarla. La colaboración entre clases sociales, en lugar de la lucha de clases, recuerda sin embargo al nacionalsocialismo y su ideología, pues era la estructura económica corporativista que defendía el programa del Partido Nacional-Socialista de los Trabajadores de Alemania (NSDAP); ideología con el cual Thea von Harbou simpatizaba, contrariamente a Fritz Lang.

La parábola de la Torre de Babel está cambiada: en la variante que se muestra los arquitectos y los trabajadores hablaban una misma lengua pero no se entendían; tampoco hay un Dios. Del cristianismo se toma la figura de María, que personifica el bien, así como el anuncio de la venida de un redentor.

Lang dio a entender más tarde que la idea del corazón como mediador entre la mano (la fuerza del trabajo) y el cerebro (la capacidad directora de la sociedad) era falsa y que por ello ya no le gustaba esta película. Tras esta opinión se escondía la situación social que se vivía y no un conflicto de orden moral. Aunque la tesis central del cerebro, la mano y el corazón pertenece a Thea von Harbou, él era responsable de la misma, al menos en parte, como director de la película que era. Lang, en realidad, estaba mucho más interesado en los aspectos técnicos y arquitectónicos del film que en el trasfondo político de la trama.

El discreto éxito de la película entre el público de aquellos años también puede explicarse por ello, ya que la imagen social desarrollada en la historia se opone a las apenas cuestionadas creencias en el progreso que se tenían entonces. El género de ciencia-ficción del cine mudo presenta la utopía, por lo general, en positivo, mientras que Lang recurre a la esclavización de los tiempos bíblicos para representar el futuro. Las monumentales máquinas de la ciudad subterránea proporcionan a las clases bajas una vida indigna, la masa humana es fácilmente manipulable y se practican ritos medievales como la quema de brujas.

Arquitectura en la película

Metrópolis es una ciudad de rascacielos cuya arquitectura art decó recuerda a la de las ciudades más modernas de entonces, principalmente Nueva York, aunque la arquitectura de rascacielos surge en la escuela de Chicago.

Entre los edificios se enmarañan las avenidas y las líneas del tren. Los edificios de la ciudad de superficie son de una estructura majestuosa, mientras que la ciudad de los trabajadores, subterránea, resulta más sencilla, lacónica y sombría.

Entre estos dos espacios básicos existen lugares con una arquitectura propia y característica. En la ciudad superficial está la catedral, de líneas góticas, y la casa de Rottwang, un edificio antiguo, también de aires medievales, que se asemeja más al taller de un alquimista que al laboratorio de un científico; Lang y Von Harbou acordaron reconducir la idea original de proporcionarle a Rottwang capacidades mágicas. Además en la ciudad de la superficie hay un jardín que simboliza lo idílico de la vida para los directores de la ciudad y un barrio del pecado retratado con arquitecturas orientales, tradicionalmente asociadas a lo exótico, lo sensual y, desde ahí, a lo pecaminoso. En la ciudad subterránea se distingue además una zona de lo clandestino asociada con los espacios cavernosos donde la alegoría de la salvación de los trabajadores se representa mediante la imagen de los cristianos escondidos en las catacumbas durante los tiempos de su persecución.

7. Blade Runner

Ficha técnica:
Titulo Original: Blader Runner
Titulo Hispano: El Cazador Implacable
GENERO: Ciencia Ficción
TEMÁTICA: Futurismo, Experimentos, Robots/Androides, Adaptación Libro
PAIS: Estados Unidos
DURACION: 117 Minutos
AÑO: 1982

Reseña

Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Blade_Runner

Es una película de ciencia ficción estadounidense, dirigida por Ridley Scott, estrenada en 1982 y basada lejanamente en la novela de Philip K. Dick: ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? (1968). Se ha convertido en un clásico de la ciencia ficción y precursora del género cyberpunk. Obtuvo dos nominaciones a los Óscar.

La película transcurre en una versión distópica de la ciudad de Los Ángeles, EE.UU., durante el mes de noviembre de 2019.

El guión, escrito por Hampton Fancher y David Peoples, se inspira libremente en la novela ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? de Philip K. Dick. El reparto se compone de Harrison Ford, Rutger Hauer, Sean Young, Edward James Olmos, M. Emmet Walsh, Daryl Hannah, William Sanderson, Brion James, Joe Turkel y Joanna Cassidy; el diseñador principal fue Syd Mead y la música original fue compuesta por Vangelis.

La película describe un futuro en el que seres fabricados a través de la ingeniería genética —a los que se denomina «replicantes»— son empleados en trabajos peligrosos y como esclavos en las «colonias exteriores» de la Tierra. Estos replicantes, fabricados por Tyrell Corporation para ser «más humanos que los humanos» —especialmente los modelos «Nexus-6»— se asemejan físicamente a los humanos (aunque tienen una mayor agilidad y fuerza física), pero carecen de la misma respuesta emocional y de empatía. Los replicantes fueron declarados ilegales en el planeta Tierra tras un sangriento motín. Un cuerpo especial de la policía —Blade Runners— se encarga de rastrear y matar (o «retirar» en términos de la propia película) a los replicantes fugitivos que se encuentran en la Tierra. Con un grupo de replicantes particularmente brutal y hábil suelto en Los Ángeles, un dubitativo Deckard es invocado desde su semirretiro para que use algo de «la vieja magia blade runner».

VER RESEÑA COMPLETA: http://cinedidactica.blogspot.com/2011/07/blade-runner.html

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Escena de la película "Blade Runner"

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8. El Golem

Ficha técnica:

Título original: Der Golem: Wie er in Die Welt Kam

Año: 1920
Compañía: Projektions A.G. Union
Director: Paul Wegener y Carl Boese
Guión: Paul Wegener y Henrik Galeen

Reparto: Paul Wegener (Golem), Albert Steinrück (Loew), Lyda Salmonova (Miriam), Lothar Müthel (Floriano), Otto Gebühr (Emperador)

Sinopsis*:

El conde Floriano decreta la expulsión de los judíos de Praga. Entonces, el rabino Loew crea un coloso de barro al que da vida mediante un conjuro. El rabino y el Golem visitan al emperador, para solicitar la anulación del decreto. Pero el gobernante se niega, tras lo que el palacio empieza a derrumbarse como castigo de los dioses. El Golem sujeta los muros, tras lo que el emperador se disculpa ante los judíos como agradecimiento. Pero antes de que el rabino destruya al coloso, su ayudante le ordena que mate a Floriano, quien como él, está enamorado de la hija del rabino.

Comentario*:

Basado en un relato de Gustav Meyrink, que a su vez se basa en una vieja leyenda judía. La película anda a caballo entre el expresionismo y el romanticismo, corrientes artísticas muy fuertes en la Alemania de la época. Por otra parte, el film es un remake del realizado en 1914 por los guionistas del largometraje, superando ampliamente al largometraje original en la realización y en la interpretación de los actores, entre los que destaca el propio Wegener, que no contento con escribir y dirigir el film, también lo interpreta.

*, ** Fuente: http://www.cinefantastico.com/film.php?id=48

Trailer de la película

DESCARGAR Y/O VER PELÍCULA EN LÍNEA:
http://www.divxonline.info/pelicula/9726/El-Golem-1920/

9. Frankenstein (1931, de James Whale)

Reparto:
Colin Clive .... Dr. Henry Frankenstein
Mae Clarke .... Elizabeth (novia de Henry)
John Boles .... Victor Moritz
Boris Karloff.... El Monstruo de Frankenstein (y otro personaje)
Edward Van Sloan....Dr. Waldman
Frederick Kerr .... Baron Frankenstein
Dwight Frye .... Fritz
Lionel Belmore .... Herr Vogel (el burgomaestre)
Marilyn Harris .... La Pequeña María

Frankenstein (1931) es una película, dirigida por James Whale, basada en la novela Frankenstein o el moderno Prometeo de Mary Shelley. Está protagonizada, entre otros, por Boris Karloff y Colin Clive. La secuela está dirigida por el propio Whale.

Poco antes de su boda con Elizabeth (Mae Clarke), el joven doctor Henry Frankenstein (Colin Clive) y su asistente jorobado Fritz (Dwight Frye) deciden crear vida humana a través de la unión de diversos restos humanos. El problema está en que el cerebro escogido pertenecía, en vida, a un criminal y por ello el monstruo de Frankenstein (Boris Karloff) sólo conoce el odio, el horror y el asesinato. Ahora, sus vidas corren peligro.

Trailer de la película:

VER RESEÑA COMPLETA:
http://cinedidactica.blogspot.com/2011/07/frankenstein-1931.html

DESCARGAR Y/O VER PELÍCULA EN LÍNEA:
http://www.divxonline.info/pelicula/11228/El-Doctor-Frankenstein-1931/

10. Inteligencia artificial

Director: Steven Spielberg

Intérpretes: Haley Joel Osment, Jude Law, Frances O'Connor, William Hurt.

David (Haley Joel Osment) es un niño-robot ideado por el profesor Hobby (William Hurt) adoptado por la pareja Henry (Sam Robards) y Monica (Frances O’Connor), cuyo hijo se encuentra crionizado con la esperanza de que supere su enfermedad. Cuando éste finalmente se recupere, David es abandonado en un bosque junto a Teddy, su oso de peluche. Pronto se topará con Gigoló Joe (Jude Law), un robot con el que entablará amistad y con el que evitará ser exterminado en la “Feria de la carne” al mismo tiempo que buscan un encuentro con el hada azul para convertirse en humano.

Cuento de hadas futurista de talante pesimista, narrado de una manera demasiado pretenciosa, en especial en la última parte de su excesivo metraje, con un Steven Spielberg remedando desde su propia óptica la dialéctica empapada de engreída entonación lírica del Kubrick más reflexivo.

El hábil cóctel de espectáculo y emoción para todos los públicos que suelen deparar las obras de Steven Spielberg vuelve a ponerse de manifiesto en esta búsqueda de afecto y cariño, de encuentro y necesidad afectiva en una relación materno-filial, de pérdida de la inocencia, de desasosiego de una raza humana extremada en sus métodos para perpetuar su propia supervivencia, de aislamiento hacia el diferente y de la expresión mágica e ilusoria de hacer realidad nuestros deseos más inalcanzables.

El primer acto de "Inteligencia Artificial (A. I.: Artificial Intelligence) muestra al robot-niño tomando conciencia de su propia identidad e interactuando con sus "padres adoptivos" y con las diferentes circunstancias que van desarrolando su existencia en su nuevo hogar.

Aquí, el manejo de las situaciones y personajes, a veces demasiado iterativas, reflejan la validez de la sintaxis emocional de Spielberg, alcanzando su punto más álgido con la conmovedora escena (el abandono en el bosque) que provoca un punto de giro en el que además de presentarnos a unos nuevos personajes (como un Jude Law en un papel divertido pero de escaso desarrollo) nos penetra en el típico mundo spielbergiano, repleto de grandilocuencia en sus efectos especiales, la adopción de punto de vista cercano a lo infantiloide y la acentuación en los mensajes de carga más sentimental.

El último acto resulta demasiado excesivo en sus ínfulas filosóficas y artísticas, aunque su naturaleza de cuento de hadas (es obvia la referencia a Carlo Collodi y "Pinocho", presente constantemente en la propia película) redime un poco estas desproporciones alabadas por gente proclive a asociar de antemano nombres con calidades.

La vaguedad en la culminación de la película con idas y venidas de una narración en off, siempre con la tendencia al ablandamiento terminante de sus historias, pone punto final a este sombrío y taciturno título, que cuenta con magníficos pasajes desbordantes de fantasía y lirismo y una excelente interpretación de Haley Joel Osment, lo mejor de esta película.

Fuente de la crítica:
http://www.alohacriticon.com/elcriticon/article792.html

VER RESEÑA, CRÍTICA DE CINE Y ANÁLISIS DE LA PELÍCULA:
http://cinedidactica.blogspot.com/2011/07/inteligencia-artificial.html

DESCARGAR Y/O VER PELÍCULA EN LÍNEA:
http://www.divxonline.info/pelicula/1438/Inteligencia-artificial-2001/
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11. Nadie sabe

Ficha técnica:

Título original: Dare mo shiranai (Nobody Knows)

Año:2004

Duración: 141 min.

País: Japón

Director:Hirokazu Koreeda (AKA Hirokazu Kore-eda)
Guión: Hirokazu Koreeda (AKA Hirokazu Kore-eda)
Música: Gontiti
Fotografía: Yamazaki Yutaka
Reparto: Yûya Yagira, Ayu Kitaura, Hiei Kimura, Momoko Shimizu, Hanae Kan, Susumu Terajima
Productora: Bandai Visual Co. Ltd. / Cine Qua Non Films / Engine Film Inc.

Sinópsis:

Cuatro niños viven tranquilamente con su madre en un pisito de Tokio. Ninguno tiene el mismo padre y tampoco han ido nunca al colegio. El propietario del piso ni siquiera conoce a tres de ellos. Un buen día, la madre desaparece dejando un poco de dinero y una nota para que el mayor se ocupe de sus hermanitos. Así empieza una nueva vida para los cuatro niños que sólo se tienen a sí mismos, una vida que nadie sabe. Cruelmente abandonados, los cuatro se arreglan para sobrevivir en su pequeño mundo en el que fijan sus propias reglas. Pero al enfrentarse al mundo exterior, se derrumba el frágil equilibrio que habían conseguido mantener. (FILMAFFINITY)

Críticas:

El paredón de la infancia

Por: Barón Badeaux

Fuente: http://www.filmaffinity.com/es/reviews/4/801562.html

No hay nada que falte ni nada que sobre en esta obra maestra de Kore-Eda Hirokazu. Inexplicitablemente dura, completamente sobrecogedora, "Nadie sabe" es un lírico viaje a las profundidades de Tokyo y al desarrollo de cuatro niños abandonados por su madre en un apartamento de veinticinco metros cuadrados. "Nadie sabe" se aleja del cine social y de la moralina fácil, no existe ninguna obvia crítica social como debería esperarse de una película de este estilo, sino que esta vez la sociedad es un fantasma, todo existe solamente en veinticinco metros cuadrados, y lo demás, lo que acontece fuera, es puramente anecdótico. Sin embargo, no hay que equivocarse, el hecho de que la crítica no sea explícita no implica que no haya reflexión social, pero la dureza de la película se encuentra sobretodo en un profundo sentimiento existencial acerca del sentido de despertar del sueño de la niñez para encontrarse desamparado. El director y los actores- cuyas interpretaciones no son buenas, son perfectas- conseguirán sumergirnos en el mundo como algo más que un expectador pasivo, nos harán sentir con los protagonistas la incertidumbre, la pena, la alegría y el desamparo, y a través de los excelentes planos de largo silencio y la cuidada música logrará tensarse el hilo del ambiente, haciéndonos un nudo en la garganta en los momentos en los que es inevitable temblar ante la enorme carga dramática. Se trata de un desarrollo pausado, pero narración tal no es baladí en una película de estas características, donde lejos de la bronquita de tres al cuarto, el director entra en el tema de la infancia con la excelencia del mismo Francois Tuffaut, lejos de la superficial comercialidad en la que tiene riesgo de caer una película de estas características, Hirozaku rechaza todo el melodrama barato para darnos el producto en crudo, en duro, pero sin rechazar nunca la naturalidad de la puesta en escena, siendo capaz de presentar momentos felices dentro de la desgarradora dureza del film. No es solamente niños abandonados, es también dulzura, es también la hermosura de la infancia y libertad, es también picaresca y amor, es el eterno claroscuro de la vida. Aquí no hay pantomima que valga, aquí no hay espectáculo de vodevil, sino la capacidad de sobrecoger al espectador con poesía, delicada y fascinante lírica del dolor y la alegría. Esto es cine.
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Ver ensayo de Elina Aguirre y Miguel Burkart
Nadie sabe… sobre el otro. Notas para pensar la familia en el mundo actual

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CONTINUAR CON:

EL CINE Y LOS DERECHOS HUMANOS

EL ABORDAJE DE LA DISCRIMINACIÓN EN EL CINE

CINE Y DISCAPACIDAD

2009-05-10T12:15:00.000-07:00

En esta ocasión, hemos recuperado las sugerencias que en diferentes espacios de la Web se proporcionan a quienes desean abordar el tema de la discapacidad a través del cine.

Algunas son producciones clásicas y de amplio reconocimiento, otras, a pesar de ser verdaderas joyas cinematográficas, no han contado con la difusión suficiente y son poco conocidas, sin embargo en todas ellas encontramos las múltiples facetas que la discapacidad adquiere como construcción social y cultural ¿o acaso como una producción social y cultural?

¿Construcción o producción? Un cuestionamiento sin lugar dudas, para reflexionar sobre el tema y sus aristas.

Visibles o invisibles

Fuente: http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/temasdiscapacidad.htm#Piedras

Las personas discapacitadas siempre han estado representadas en el cine, y cada vez más, con mayor fuerza.. No obstante, este lenguaje global ha tratado al discapacitado de forma desigual presentándolo, en una gran parte de la filmografía, tanto como ser marginal, deforme y malvado, como el bonachón incapaz de hacer daño a nadie. En el correr de los años, el cine ha avanzado en sus lenguajes promoviendo una figura del discapacitado, cada vez más acorde con el sentido que tienen y aportan a la sociedad, tomando de la sociedad los modelos que esta provee. Sin embargo, el peor maltrato que sufren los discapacitados en el cine es que no se les ve, salvo excepciones, como a cualquier persona.

El cine y otros medios de comunicación no representan fielmente la realidad. En el tema de la discapacidad, con demasiada frecuencia se cometen omisiones y se fomentan prejuicios, se mantienen y se alientan actitudes negativas e injustas. Bien es verdad que el cine, también, ha presentado, con mejor o peor fortuna, con lenguajes mejor o peor empleados, al discapacitado como protagonista, presentando a la sociedad problemas que de otra forma no se hubiera conocido y tal vez ni siquiera atisbado, con personas discapacitadas que por lo general son ocultadas.

No se puede dudar del poder de los medios. Las asociaciones de discapacitados luchan constantemente porque los medios reconozcan su derecho a ser vistos como el resto de los integrantes de la sociedad. En algunos programas de televisión se les coloca en la última fila del plató, o se les coloca de comparsas o como objetos de observación.

La batalla de los colectivos de discapacitados está por hacerse presentes en los medios, dejar de ser «invisibles» en ellos de la misma manera que van haciéndose visibles en la sociedad, ya que ello significa existir en el pensamiento de los demás. «lo que no aparece en televisión no existe para la mayoría de los ciudadanos». El aparecer en los medios con «objetividad informativa» y tener la posibilidad de hablar en ellos con voz propia y haciendo llegar a la sociedad mensajes normalizadores sobre la discapacidad.
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Los discapacitados en el cine
http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/temasdiscapacidad.htm#Piedras

Desde siempre el cine trató el tema de los discapacitados. Recordemos El jorobado de Notre Dame, en 1923 de Worsley, Luces de la Ciudad (City lights), en 1931, de Charles Chaplin o Freaks/La parada de los monstruos, de Tod Browning, en 1932.

Sin embargo, el discapacitado entra de lleno en el cine con el fin de elogiar a los héroes de guerra y levantar la moral el pueblo norteamericano durante la segunda guerra mundial. Muchos soldados regresaban mutilados y era necesario hacer ver que se podían vencer todos los obstáculos sin ayuda, sólo con sus propios recursos.

Se hizo así un cine con personajes que habían perdido alguno de sus miembros, pero no la ilusión. En 1947, la Academia de Hollywood concedió varios Oscar a la película Los mejores años de nuestra vida, de William Wyler. Dos de ellos (el Oscar al mejor actor secundario y otro especial por su ejemplo a todos los veteranos de guerra), fueron para Harold Russell, que representó el papel de Homer Parrish, un veterano de guerra que volvía con las dos manos ortopédicas. Russell, que había perdido las dos manos en 1944, en un accidente con TNT, mientras entrenaba a paracaidistas, se convirtió en símbolo de valor y coraje para los norteamericanos y fue durante muchos años presidente del Comité Presidencial de Empleo para los Discapacitados.

Otras películas fueron más duras, como Hombres, en 1950, de Fred Zinneman, con Marlon Brando como parapléjico protagonista, Johnny cogió su fusil, en 1971, de Dalton Trumbo, que tuvo un importante éxito de crítica y público. En este caso la discapacidad se utiliza fundamentalmente como una metáfora de los horrores de la guerra.

Sin embargo la mayoría de las películas de aquella época han contribuido a aislar a los personajes discapacitados de sus semejantes, al presentar a las personas con discapacidad como individuos extraordinarios que luchan contra lo imposible, como personajes violentos y autodestructivos o como personajes extraordinariamente bondadosos y llenos de inocencia, silenciando los verdaderos problemas sociales y haciendo al discapacitado «invisible» para el gran público.

Recordemos un film como El milagro de Ana Sullivan (The miracle worker), en 1962, dirigida por Arthur Penn, con un guión de Helen Kéller, en el que cuenta parte de verdadera historia de la niña (Helen Keller), sorda y ciega que aprende a comunicarse y hablar, gracias al apoyo de su institutriz Ana Sullivan. La película fue un éxito y recibió el oscar a la mejor actriz para Anne Bancroft.

También marcó un hito la producción de El Regreso (Coming Home), en 1978, de Hal Sabih, una película protagonizada por Jon Voight en el papel de un veterano de la Guerra del Vietnam con paraplejia, y Jane Fonda, que abandona a su marido para irse con él. La discapacidad en este caso no es ignorada ni constituye el eje central o motivador de la trama. Las principales diferencias entre el protagonista y el marido de Jane Fonda son su actitud ante la guerra y ante las mujeres, y no la discapacidad. La relación de Voight y Fonda en El Regreso no es la del paciente y la enfermera, sino la de un hombre y una mujer en una situación nueva para ambos. El mensaje que la película transmite es que las personas con discapacidad pueden ser adultas, ingeniosas, interesantes, divertidas y sensuales como cualquiera. Voight y Fonda obtuvieron, respectivamente, los Oscar al mejor actor y a la mejor actriz en 1978.

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El interés por lo humano

Fuente: http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/temasdiscapacidad.htm#Piedras

El hombre elefante (Elephant man), en 1980, de David Lynch, sobre la verdadera historia de John Merrick, el «monstruo de la era victoriana», era exhibido en un circo ambulante, hasta que un joven médico extrajo de su deforme máscara una personalidad estrañamente dulce. Tuvo 9 nominaciones al oscar.

Una película representativa en los años 80 es Hijos de un dios menor (Children of a Lesser God), de John Seale, nominada para varios premios de la Academia en 1986 y por la cual Marlee Matleen obtuvo el Óscar a la mejor actriz. La acción transcurre en un colegio para sordomudos, en el que los problemas habituales en cualquier centro de enseñanza se ven agravados por la necesidad de mantener un difícil equilibrio en el trato con jóvenes acostumbrados al aislamiento. Cuando, además un profesor se siente fuertemente atraído por una de sus alumnas, la situación se complica por las reacciones de la muchacha, hostiles en un principio y, casi siempre, imprevisibles.

Recordemos también Mi pie izquierdo (My left food), película irlandesa de 1989, de Jim Sheridan, la historia de un pintor parapléjico que utiliza el pie para pintar.

No hay que olvidar tampoco Rain Man, en 1988, de Barry Levinson, con Dustin Hoffmanen el papel de un autista utilizado por su hermano, un vividor se alegra de la muerte de su padre porque espera heredar su fortuna.

Los modelos de tratamiento de la discapacidad

Fuente: http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/temasdiscapacidad.htm#Piedras

El modelo tradicional de la rehabilitación
El modelo de la autonomía personal o de la vida independiente

En el primero la persona con discapacidad se ve fundamentalmente como un sujeto de protección o tutela, un ciudadano mantenido perpetuamente en minoría de edad. El problema de la discapacidad se define como un problema del individuo, pues es en su deficiencia y en su falta de destreza donde se localiza el origen de sus dificultades. La solución hay que buscarla, según este planteamiento, a través la intervención profesional de todos los especialistas que constituyen el equipo rehabilitador.

En el segundo, que surge como reacción ante el modelo de la rehabilitación, frente al poder de los profesionales se demuestra que los pronósticos de vida dependiente e institucionalizada se les asignaban a las personas con graves deficiencias físicas podían ser rotos por ellas mismas.

Un tercer modelo, generado en los últimos años intenta conciliar los dos primeros, armonizando los mejores logros de ambos modelos, en torno a algunas ideas claves como el derecho a la diferencia, la autodeterminación, la accesibilidad, la calidad de vida, la no discriminación y la igualdad de oportunidades.

Se ha producido un importante cambio cualitativo en la concepción de la discapacidad. Los planteamientos tradicionales se van sustituyendo por otros que destacan la identificación y la eliminación de los diversos obstáculos a la igualdad de oportunidades y a la plena participación de las personas con discapacidad en todos los aspectos de la vida. En la actualidad se prima la integración, por encima del objetivo más limitado de la adaptación, como el factor fundamental para permitir la inserción de las personas con discapacidad en la sociedad activa, demandando la inclusión (frente a la exclusión), la independencia y la autodeterminación (frente a la dependencia) y el fortalecimiento (frente a las posturas paternalistas).

En la década de los 90, una serie de películas llevan al discapacitado a las cimas del cine: Forrest Gump, en 1994, De Robert Zemeckis. Sobre un chico, interpretado por Tom Hanks, con deficiencias mentales no muy profundas y con alguna incapacidad motora, que llegará a convertirse en héroe durante la Guerra del Vietnam. La película se vio galardonada por 4 oscar.

En 1988 se realizó la película Un mundo a su medida (The Mighty), de Peter Chelsom, en la que un niño dotado de una prodigiosa inteligencia, pero con graves problemas físicos. Se une a otro de escasas luces pero de gran fuerza. Por separado son débiles, pero juntos un auténtico cóctel de fuerza e imaginación capaz de hacer frente a todo. Ambos se ayudarán continuamente y vivirán múltiples aventuras.

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La búsqueda de la normalización

Fuente: http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/temasdiscapacidad.htm#Piedras

En 1987, una interesante película fue Gaby, una historia verdadera (Gaby, a True Store), de Luis Mandoki, adaptación de la biografía de Gabriela Brimmer, poetisa y escritora que nació con una parálisis cerebral que le impedía cualquier movimiento o expresión menos su pie izquierdo. En este film se tiene en cuenta el amor y las relaciones sexuales, al mismo tiempo que es un alegato contra la invisibilidad de lo discapacitados ya que aboga por una integración total en la sociedad.

En 1997, Pedro Almodóvar dirigió Carne trémula, una historia en la que un policía tetrapléjico interpretado por Miguel Bardem tiene un relevante papel.

Ya en el 2000 Jean-Pierre Sinapi realizó en Francia Nacional 7 (Nationale 7), sobre un joven que padece una enfermedad muscular vive en una residencia para discapacitados cerca de la Nacional 7. tener en cuenta los deseos sexuales del protagonista constituye el núcleo fundamental de la trama. Obtuvo premios en Berlín y San Sebastián.

Lars von Trier realizó en 2000 Bailando en la oscuridad (Dancer in the dark), una durísima película en la que una inmigrante checa y madre soltera que va quedando sin vista se decide a ahorrar todo el dinero necesario para asegurarle a su hijo una operación antes de que sufra el mismo mal.

Pedro Almodovar realizó en el año 2000 la película Hable con ella, un drama sobre la comunicación e incomunicación. Una mujer en coma es el símbolo de mayor relevancia para presentar la necesidad de comunicación, también hacia aquellos que aparentemente están incapacitados para ejercerla.

En 2001 Ramón Salazar realizó en España, Piedras, la historia de cinco mujeres, una con parálisis cerebral, y las relaciones que se establecen entre ellas.

Una interesante película de 2001 es Yo soy Sam (I am Sam), de Jessie Nelson, en la que Sean Penn interpreta a un discapacitado que defiende con fuerza quedarse con la custodia de su hija, un niña de siete años de edad, la misma que él tiene mental.

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Algunos términos
Fuente:
http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/temasdiscapacidad.htm#Piedras

Los términos deficiencia, discapacidad, minusvalía, no son sinónimos y es necesario diferenciarlos. La organización Mundial de la Salud y la Carta de Rehabilitación Internacional dicen de ellos:

Deficiencia: Pérdida o anormalidad de una estructura o función psicológica, fisiológica o anatómica.

Discapacidad: Restricción o ausencia (causada por una deficiencia) de la capacidad de realizar una actividad en la forma o dentro del margen que se considera normal para el ser humano.

Minusvalía: Situación de desventaja para un individuo determinado, consecuencia de una deficiencia o de una discapacidad, que le limita e impide desempeñar un rol que es normal en su caso (en función de la edad, sexo y factores sociales y culturales).

El término mujeres y hombres con diversidad funcional se propuso y empezó a utilizar en el Foro de Vida Independiente, en 2005. Una terminología no negativa sobre la diversidad funcional. He añadido este término a sugerencia de Estrella Nicolás Abad. Entre todos iremos avanzando en el lenguaje.

Películas sugeridas para abordar el tema de la discapacidad

1. Un milagro para Lorenzo/ El aceite de Lorenzo

Lorenzo es un niño de cinco o seis años al comienzo de la película como puede ser cualquier otro, al que repentinamente se le diagnostica una enfermedad incurable (Adrenoleucodistrofia), que ira destruyéndole en muy poco tiempo.

Es un niño fuerte aunque de aspecto débil, que consigue aguantar incluso cuando los médicos y sus propios padres piensan que no le queda demasiado tiempo.

Cuando sus padres consiguen normalizar sus niveles de grasas ya tiene al menos diez años, y habiendo perdido la mayoría de sus facultades, se esfuerza en comunicarse con sus padres a través de guiños y pequeños movimientos con los dedos, expresando de este modo sus ganas de vivir, de las que antes no había ninguna constancia.

Fuente: http://www.ladiscapacidad.com/cineydiscapacidad/despertares/despertares.php

VER RESEÑA DE PELÍCULA: http://cinedidactica.blogspot.com/2007/02/un-milagro-para-lorenzo.html
VER PELÍCULA EN LÍNEA: http://www.veocine.es/pelicula/el_aceite_de_la_vida_83720.html

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2. Yo soy Sam

Sinopsis:

Sam (Sean Penn) es un discapacitado mental -síndrome de Down, algo de autismo- con la inteligencia de un niño de siete años que vive feliz junto a su hija, Lucy (Dakota Fanning), ya que su mujer lo ha abandonado . Todo el tiempo que le deja libre su trabajo en una cafetería lo ocupa en educarla, tarea para la que cuenta con la ayuda de la madura Annie (Dianne Wiest), su vecina y amiga, que siempre tiene a su lado para darle muchos y buenos consejos. La vida transcurre con tranquilidad pero Lucy ya ha cumplido siete años y empieza a ser más lista que su padre. Las autoridades piensan que su padre puede frenar su crecimiento intelectual y deciden que estará mejor con unos padres adoptivos que la puedan educar en un ambiente tradicional. Pero Sam no se rendirá y buscará la ayuda de un abogado. La escogida al azar será Rita Harrison (Michelle Pfeiffer), una letrada de un prestigioso bufete con honorarios inalcanzables que decidirá ayudarlo de forma altruista. Volcada totalmente en su trabajo ha triunfado en el terreno profesional pero su vida personal va a la deriva. Su matrimonio hace aguas y su hijo para el que no tiene tiempo, se siente solo. Los dos lucharán y se ayudarán mutuamente para recuperar a los que más aman.
Fuente: http://www.ladiscapacidad.com/cineydiscapacidad/despertares/despertares.php

VER RESEÑA DE PELÍCULA: http://cinedidactica.blogspot.com/2007/02/yo-soy-sam.html

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3. León y Olvido

Sinopsis: Olvido es una mujer de veintiún años. León, su hermano, tiene el síndrome de Down. Hace cuatro o cinco años que quedaron huérfanos, y como única herencia les quedó el alquiler de la casa en la que viven y un viejo coche.

Entre ellos comienza a desarrollarse, de un modo cada vez más desesperado, un conflicto: Olvido quiere que León acepte ir a un internado o vaya y venga solo de la escuela y se ocupe de sus cosas y de algunas tareas de la casa como mal menor; León intenta que las ocupaciones, responsabilidades y tareas sean las menos posibles y que su hermana se ocupe en cuerpo y alma de él.

La desesperación de Olvido va en aumento y la tenacidad de León será continuamente puesta a prueba. A ambos les esperan situaciones muy extremas de las que será difícil que salgan indemnes.

Fuente: http://www.ladiscapacidad.com/cineydiscapacidad/despertares/despertares.php

VER RESEÑA DE PELÍCULA: http://cineforoinclusion.blogspot.com/2007/02/film-len-y-olvido.html

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4. Rain Man

Charles (Tom Cruise) es un joven despreocupado que se dedica a vivir bien. En su día su padre lo había echado de su casa y desde entonces lleva una vida independiente. Un día, sin embargo, recibe la noticia de que su padre ha muerto y que le ha dejado algo de lo que debe ocuparse. Charles acude con su coche descapotable para ver de lo que se trata y se lleva la sorpresa de que tiene un hermano mayor que es autista (Dustin Hoffman), lo que su padre le había ocultado. De él deberá ocuparse Charles. Éste decide coger a su hermano y viajar con él sin rumbo en su coche descapotable.
Fuente: http://www.ladiscapacidad.com/cineydiscapacidad/despertares/despertares.php

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5. Madres sobre ruedas

Mónica Chirife nació en Rosario el 27 de julio de 1950, pero vivió su infancia en la ciudad de Alcorta.

A la edad de siete años contrajo la poliomielitis, que le acarreó como secuela lo que técnicamente se llama cuadriparesia, es decir dificultad severa en el movimiento de sus cuatro miembros.

Mónica ha obtenido un título de maestra de Inglés y ejerció como tal. Se ha dedicado a la pintura y en 1981 produjo y protagonizó el documental "A bordo de un carrito", dirigido por Mario Piazza, con quien se casaría en 1986.

Después de dos traumáticos fracasos, el 26 de enero de 1990 Mónica obtuvo el que seguramente es su mayor logro: el nacimiento de su hija María Victoria.

Fue a partir del nacimiento de su hija María Victoria que Mónica tuvo la iniciativa de realizar un documental sobre las madres en condición física similar a la suya. Las imágenes de este documental integrarán un proyecto mayor que encara Mario Piazza, el largometraje documental “Madres con ruedas”, que incluirá además su perspectiva como esposo de una madre con ruedas y padre de su hija.

A despecho de las dificultades que la discapacidad presenta, a las que se suman las de un país que no termina de encontrar el rumbo de su destino, Mónica y Mario encaran estas producciones, que servirán para contar la historia y la pasión de las mujeres que han tenido el atrevimiento y el coraje de afrontar una grave adversidad en pos de la maternidad como acto de amor y de propia realización.

Fuente: http://www.ladiscapacidad.com/cineydiscapacidad/despertares/despertares.php

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6. El milagro de Anne Sullivan

País: EEUU Año: 1962 Duración: 103 min. B/N

Director: Arthur Penn.
Guión: William Gibson basado en su obra de teatro.
Fotografía: Ernest Caparros.
Música: Lawrence Rosenthal.
Dirección artística: George Jenkins.
Vestuario: Ruth Morley.
Montaje: Aram Avakian.
Intérpretes: Anne Bancroft, Patty Duke, Victor Jory, Inga Swenson, Andrew Prine, Kathleen Comegys, Beah Richards, Jack Hollander.

Sinopsis: Annie Sullivan llega a casa de los Keller para encargarse de una tarea casi imposible: enseñarle el mundo exterior a Helen Keller, una niña de siete años ciega y sordomuda desde los dieciocho meses, a causa de una enfermedad.
Fuente: http://www.ladiscapacidad.com/cineydiscapacidad/despertares/despertares.php

VER RESEÑA COMPLETA DE PELÍCULA:
http://cinedidactica.blogspot.com/2007/02/el-milagro-de-ana-sullivan.html

Trailer de la película

7. El hombre elefante

(Elephant man), en 1980, de David Lynch, sobre la verdadera historia de John Merrick, el «monstruo de la era victoriana», era exhibido en un circo ambulante, hasta que un joven médico extrajo de su deforme máscara una personalidad extrañamente dulce. Tuvo 9 nominaciones al oscar.
Fuente: http://www.ladiscapacidad.com/cineydiscapacidad/despertares/despertares.php

VER RESEÑA DE PELÍCULA Y FICHA TÉCNICA:
http://cineforoinclusion.blogspot.com/2008/02/film-el-hombre-elefante.html

Trailer de la película

8. Despertares

En 1969, un neurólogo atiende en un hospital del Bronx neoyorquino un pabellón repleto de pacientes catatónicos. Allí recibe autorización para experimentar en uno de los enfermos -que ha permanecido en coma por tres décadas- una droga para devolverle la conciencia.

Drama médico basado en las experiencias del popular neurólogo y escritor Oliver Sacks, reflexiona sobre los límites éticos de la investigación médica y se centra en el dúo actoral de Robin Williams y Robert DeNiro (nominado al Oscar por esta actuación, así como el guión y el propio film)

Fuente: http://www.ladiscapacidad.com/cineydiscapacidad/despertares/despertares.php

9. Forrest Gump

Forrest Gump es un chico con deficiencias mentales no muy profundas y con alguna incapacidad motora, que llegará a convertirse en héroe durante la Guerra del Vietnam. Su persistencia y bondad le llevarán a conseguir una gran fortuna, ser objeto del clamor popular y a codearse con las más altas esferas sociales y políticas del país.
Fuente: http://www.ladiscapacidad.com/cineydiscapacidad/forrestgump/forrestgump.php

10. El color del paraiso

Director: Majidi, Majid

País: Irán
Año: 1999
Sinopsis:
Mohammed es un niño ciego, de fina sensibilidad. Su padre viudo quiere casarse de nuevo y la presencia de su hijo ciego podría impedírselo. El padre duda y tiende a deshacerse del hijo con discapacidad visual porque le estorba.

VER RESEÑAS COMPLETAS DE ESTA PELÍCULA:

http://cinedidactica.blogspot.com/2011/06/el-color-del-paraiso.html

VER PELÍCULA EN LÍNEA: http://www.webislam.com/?idv=1032

11.Bailando en la oscuridad

Ficha técnica:

Dirección y guión: Lars von Trier.

Paises: Dinamarca/Suecia.

Año: 2000.
Duración: 139 min.
Interpretación: Björk (Selma), Catherine Deneuve (Kathy), David Morse (Bill), Peter Stormare (Jeff), Vincent Paterson (Samuel), Cara Seymour (Jean), Vladica Kostic (Gene), Joel Grey (Oldrïch Novy), Stellan Skarsgard (Óptico), Zeljko Ivanek (fiscal del distrito).
Fotografía: Robby Müller.
Música: Björk.
Montaje: Molly Malene Stensgaard y François Gedigier.
Diseño de producción: Karl Juliusson.
Coreografía: Vincent Paterson.
Sonido: per Streit.
Vestuario: Manon Rasmussen

Palma de Oro del Festival de Cine de Cannes de 2000, como Mejor Película

Palma de Plata a la Mejor Actriz para la cantante Björk

SINOPSIS*: Selma es una inmigrante checa y madre soltera que trabaja en una fábrica situada en un pueblo de los Estados Unidos. Su única salvación es su pasión por la música. Pero Selma esconde un triste secreto: está perdiendo la vista y su hijo padecerá el mismo mal si ella no consigue el dinero suficiente para asegurarle una operación. Cuando es acusada falsamente por un vecino, el drama de su vida se precipita hacia un trágico final.
* Fuente:http://www2.uca.es/orgobierno/extension/ccin201.htm

VER PELÍCULA EN LÍNEA: http://fullpeliculas.com/Pelicula-Online/bailar-en-la-oscuridad

12. Los mejores años de nuestra vida. The best years of our lives

EE.UU. 1946. 172 min. B/N
Dirección: William Wyler
Montaje: Gregg Toland
Guión: Robert E. Sherwood basado en Glory for me, de McKinlay Kantor.
Música: Hugo Friedhofer

Intérpretes: Fredric March (Al Stephenson), Dana Andrews (Derry), Harold Rusell (Homer Parrish), Myrna Loy (Milly Stephenson), Teresa Wright (Peggy Stephenson), Virginia Mayo (Marie Derry), Hoagy Carmichael (Butch Engle).

Sinopsis*:

Historias, reencuentros, desilusiones y alegrías que sufren algunos combatientes norteamericanos al regresar a casa después de la guerra. Al final de la Segunda Guerra Mundial, tres soldados americanos regresan a su ciudad natal. Un sargento de familia rica se instala como vicepresidente de un banco; un capitán de origen humilde abandona a su frívola esposa, que lo encuentra poco atractivo sin uniforme, y consigue trabajo como vendedor en un almacén, y un marinero, quien ha perdido ambas manos en batalla, encuentra enormes dificultades en readaptarse dentro de su medio pequeño-burgués. El ajuste de los tres a la nueva situación es traumático en todos los sentidos y sin ningún tipo de halo heroico.

Premios: Oscar. Mejor guión adaptado 1946, Oscar. Mejor actor de reparto 1946, Oscar. Mejor director 1946, Oscar. Mejor actor 1946

Oscar. Mejor película 1946

* Fuente: http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/temasdiscapacidad.htm#Piedras

13. El regreso. Coming home

EE.UU. 1978. 128 min. Color
Director: Hal Ashby
Montaje: Haskell Wexler
Guión: Waldo SALT, Nancy Dowd, Robert Jones
Intérpretes: Jane Fonda, Jon Voight, Bruce Dern, Penelope Milford, Robert Carradine, Robert Ginty

Sinopsis*:

El capitán Bob Hyde parte para la Guerra del Vietnam. Sally, su esposa, se apunta voluntaria para trabajar en un hospital de parapléjicos, donde conoce a Luke, un joven soldado paralítico, del que se enamora. Cuando Bob regresa del frente, Sally se ve forzada a elegir entre su esposo y su amante. Las consecuencia de su acción serán dramáticas.

Premios: Oscar. Mejor guión original 1978; Oscar. Mejor actriz 1978; Oscar. Mejor actor 1978

14. Un mundo a su medida

Sinopsis*:
La película nos narra las aventuras de dos jóvenes que comparten una gran amistad. Pero ninguno de los dos tiene una vida demasiado sencilla. Maxwell (Elden Henson) es un muchacho obeso para su edad, que vive con sus abuelos, aunque siempre tiene miedo de que su padre vuelva a buscarle. Está acusado de matar a su madre. Su vida es bastante monótona hasta que conoce a Kevin (Kieran Culkin), quien que también sufre un grave problema. Padece el síndrome de Morquio, una enfermedad que provoca enanismo. Juntos descubrirán lo que es la verdadera amistad, ayudándose a superar sus problemas personales.

Es una película que se centra en grandes valores de la sociedad, pero que poco a poco se van perdiendo. La amistad, el compañerismo, la superación personal, el
* Fuente:
http://www.nodo50.org/yolandajb/article.php3?id_article=48

15. Las llaves de casa /

Padre e hijo

Sinopsis*:

Gianni abandonó a Paolo al nacer. 15 años más tarde se reencuentran y viajan desde Italia a Alemania para continuar con el tratamiento de la discapacidad mental y física que tiene Paolo.

Ayudarle a orinar, ponerle la camisa, partirle el filete, encontrar las miradas de los demás niños, soportar sus travesuras sin sentido, perder a su hijo en una ciudad desconocida… Gianni irá topándose con una realidad que viven todos los familiares y cuidadores de personas con una alta dependencia de los demás.

A pesar de su buena voluntad, el protagonista interpretado por Kim Rossi Stuart se golpea continuamente con las circunstancias hasta el punto incluso de llegar a negar ser el padre de Paolo.

Andrea Rossi es Paolo, un muchacho ingenuo que no diferencia entre el peligro y la seguridad o la maldad y la bondad. Puede caminar, pero lo hace con dificultad ayudándose de un bastón.

Un tercer personaje entra en sus vidas. Se trata de Nicole, interpretada por Charlotte Rampling, una mujer fuerte pero atormentada que ha pasado 20 años velando por su hija Nadine, quien apenas puede hablar por su discapacidad.

El filme compagina momentos de simpatía y humor por las ocurrencias del chico y dosis de drama, impotencia y denuncia compartidos entre ambos padres.

Se trata de un repaso a las preocupaciones y condiciones que rodean la discapacidad: la fragilidad, los tratamientos y rehabilitación indignos, el enfrentamiento entre especialistas y padres, coexistir en los hospitales, el rechazo al propio hijo, los sentimientos de culpabilidad, el futuro de una persona dependiente…

Pero también se trata de un relato sobre la convivencia. De reconocer la diferencia, saber aceptarla y superarla día a día.

El filme, con nacionalidad compartida entre Francia, Alemania e Italia, está basado en la novela “Nacido dos veces” de Giuseppe Pontiggia y dirigido por Giani Amelio, director también de “Lamerica” y “Niños robados”.

*Fuente:
http://www.canalsolidario.org/noticia/las-llaves-de-casa-una-pelicula-para-descubrir-la-discapacidad/6965

16. El caballo de dos piernas

Hay momentos en la vida en los que el abuso que se hace de los otros, parece interminable, sin límites y sin fronteras.
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La crueldad infantil como una metáfora de la tiranía social.

Dirección: Samira Makhmalbaf.
País: Irán.
Año: 2008.
Duración: 101 min.
Género: Drama.
Interpretación: Ziya Mirza Mohamad, Haron Ahad, Gol Gotai Karimi, Khojeh Nader, Yasin Tavildar.
Guión: Mohsen Makhmalbaf.
Producción: Samira Makhmalbaf.
Música: Tolibkhon Shahidi.
Fotografía: Farzad Jodat.
Montaje: Mohsen Makhmalbaf.
Diseño de producción: Akbar Meshkini.
Estreno en España: 22 Mayo 2009.

Crítica a la película

Por: Gonzalo Restrepo Sánchez (Film critic. Barranquilla, Colombia)
Fuente: http://www.filmaffinity.com/es/reviews/1/995622.html

Los Makhmalbaf son una familia de cineastas. La hermana mayor de Hana, Samira, nos presenta ahora “El caballo de dos piernas” (“Asbe du-pa”), ayudada por el padre, Mohsen, un productor y director de gran prestigio en Irán. Los dos protagonistas del film son auténticos mendigos de las calles de Afganistán (donde Makhmalbaf se vio obligada a rodar porque en Irán se lo habían prohibido).

La historia (y sin querer introducir el elemento político), algo así como el más privilegiado en medio de la pobreza, resulta ser la metáfora (el tirano niño jinete y otro disminuido psíquico contratado como un caballo de dos patas) acerca de las desgracias de quienes no tienen nada, pero que, existen otros más infelices, entre quienes no se tienen piedad, pero que ambos, absurdamente constituyen el desamparo y la amargura, de quienes nunca tendrán nada y no habrá preguntas a uno mismo acerca del sentido de la vida.

Así de real resulta esta película más bien cargada de reflexiones de la niñez en la pobreza, que por momentos el relato resulta reiterativo. Si bien algunas veces se está a favor de historias que cuenten una realidad social, con una cámara bien incisiva, creo que en esta oportunidad, el espectador sale de la sala de cine con cierta congoja. Y es que si la vida tiene momentos difíciles, para otros (imagínese si es niño) resulta ser “la eternidad y un día”.
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VER RESEÑA DE LA PELÍCULA: http://cinedidactica.blogspot.com/2011/06/el-caballo-de-dos-piernas.html
VER PELÍCULA EN LÍNEA: http://www.megavideo.com/?v=HSMSMEQ8

17. Las tortugas pueden volar

Nos hemos diferenciado orgullosamente de otros primates cercanos autodenominándonos homo erectus, homo sapiens, homo socius, homo amans... pero ¿qué nombre merecemos como hacedores de guerras?

De sobra es conocido que cuando nos referimos al abuso que como especie hacemos del planeta y de otras especies, con cinismo aceptamos ser el peor depredador sobre la tierra.

Formamos parte de una sociedad que genera discapacidad. Condición que nos resulta ajena en la medida en la que no la vemos ni sentimos en la piel, que no se cura ni se lava con el redondeo en los centros comerciales y que apela a nuestra conciencia humana y social.

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Esta película es un retrato cruel y revelador de la situación de un pueblo invadido, un retrato que cristaliza las condiciones de vida de los niños víctimas de la guerra.

Prácticamente toda la película la sostienen niños actores que realmente han sufrido la guerra y sus macabras consecuencias: mutilaciones, quemaduras, ceguera, sordera, traumas, violaciones sexuales, entre tantas otras.
Se trata de un llamado a la conciencia social.

18. Planta 4ª

Ficha técnica:
España. 2003. 100 min. Color
Director: Antonio Mercero
Guión: Albert Espinosa, Antonio Mercero
Música: Manuel Villalta
Fotografía: Raúl Pérez Cubero
Montaje: José Maria Biurrun
Intérpretes: Juan José Ballesta (Miguel Angel), Gorka Moreno (Dani), Luis Ángel Priego (Izan), Alejandro Zafra (Jorge), Monti Castiñeiras (Dr. Marcos), Marco Martínez (Francis), Marcos Cedillo (Pepino), Maite Jáuregui (Gloria), Luis Barberia (Alfredo), Miguel Foronda (Dr. Gallego), Elvira Lindo (Enfermera Díaz), Diana Palazón (Enfermera Esther), Arturo Querejeta (Padre de Jorge), Marisol Membrillo (Madre de Jorge), José Ramón Argoitia (Abuelo de Jorge)

Sinopsis*:

Un grupo de jóvenes vive la adolescencia en la planta 4ª de un hospital. Son enefermos de cáncer, algunos de ellos con miembros amputados y una serie de operaciones en su joven historia. El hospital es su hogar -en el que se mueven con excesiva libertad para el gusto de algunos médicos, y los otros internos su familia. Miguel Ángel es el cabeza del grupo, Jorge acaba de llegar y espera con temor el resultado de las pruebas y Dani vivirá su primera historia de amor. Juntos reirán, sufrirán y vivirán la etapa más difícil de sus vidas.

* Fuente: http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/temasdiscapacidad.htm#Piedras

19. Me llaman Radio

EEUU. 2003. 109 min.
Dirección: Mike Tollin.
Guión: Mike Rich.
Interpretes: Ed Harris (Harold Jones), Cuba Gooding Jr. (Radio), Alfre Woodward (Directora Daniels), Debra Winger (Linda), S. Epatha Merkerson (Maggie), Chris Mulkey (Frank), Sarah Drew (Mary Helen), Riley Smith (Johnny), Patrick Breen (Tucker), Bill Roberson (Del).

Sinopsis*:

Es un cuento dramático inspirado en los sucesos reales basados en la relación entre un entrenador de fútbol de instituto y Radio (Cuba Gooding Jr.), a quien su madre describe como «igual a todo el mundo, sólo un poquito más lento que la mayoría», y como su relación cambia totalmente las clasistas actitudes de un pequeño pueblo de Carolina del Sur. Apodado ‘Radio’ por su famosa colección de radios y su amor por la música, empuja su carrito arriba y abajo de las calles. Él no habla con nadie y es raro que alguien se dirija a él, hasta que un día, el entrenador Harold Jones (Ed Harris), uno de los hombres más respetados del pueblo, y entrenador del popular equipo de fútbol del instituto, se hace amigo suyo. Poco a poco, el entrenador Jones se gana la confianza de Radio y abre un nuevo mundo ante él. Le invita a ayudar en los entrenamientos y durante los partidos, y a sentarse durante sus clases en la escuela, a pesar de las desavenencias iniciales con la directora Daniels (Alfre Woodward).

* Fuente: http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/temasdiscapacidad.htm#Piedras

20. A ciegas. Blindsight

Ficha técnica:
2006. RU. 104 min.
Dirección y guión: Lucy Walker.
Producción: Sybil Robson Orr.
Música: Nitin Sawhney.
Fotografía: Petr Cikhart.
Montaje: Sebastian Duthy.

Sinopsis*.

Un documental que con el sobrecogedor telón de fondo del Himalaya, narra la fascinante aventura de seis adolescentes tibetanos que se propusieron escalar el Lhakpa Ri de 7.045 metros de altura, situado en la cara norte del Monte Everest. Este peligroso viaje se convierte en un desafío aparentemente imposible. Más aún si tenemos en cuenta que estos jóvenes son ciegos. Considerados por muchos tibetanos como poseídos por demonios, los chicos son rechazados por sus padres, despreciados por sus aldeas y marginados por la sociedad. Pero la educadora y aventurera ciega Sabriye Tenberken, fundadora de la primera y única escuela para invidentes del Tíbet, junto con el famoso escalador también ciego Erik Weihenmayer, ayudará a estos jóvenes a superar sus enormes dificultades y les animará a llegar mucho más allá de lo que jamás hubieran imaginado.

* Fuente: http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/temasdiscapacidad.htm#Piedras

21. ¿Y tú quién eres?

España. 2007
Título Original: ¿Y tú quién eres?
Dirección y guión: Antonio Mercero
Fotografía: Gonzalo F Berridi .
Producción: Miguel Menéndez de Zubillaga .
Reparto: Cristina Brondo, José Luis López Vázquez, Manuel Alexandre, Álvaro de Luna, Amparo Moreno, Monti Castiñeiras, Verónica Redondo Moreno, Alejandro Zafra, Ángeles Macua, Luis Ángel Priego

Sinopsis*

La familia Rivero se va de vacaciones veraniegas, Luis (Álvaro de Luna) se traslada con su mujer y sus dos hijos a San Sebastián, quedándose en Madrid, su única hija, Ana (Cristina Brondo) y su padre (Manuel Alexandre).

Ana está opositando y decide permanecer en la capital para avanzar en sus estudios y estar cerca de su abuelo, Ricardo (Manuel Alexandre), que es acomodado en una residencia durante el periodo estival.

En la residencia, Ricardo, conocerá a Andrés (José Luis López Vázquez), su compañero de habitación y nuevo amigo. Juntos recordarán vivencias de la juventud, llegándose a producir episodios tiernos y divertidos. Durante el transcurso del verano el mal de Alzheimer acecha a Ricardo.

Comentario breve personal: Aunque adolece de graves defectos de guión, algunos de sus personajes son poco creíbles, y algún actor está francamente mal, la historia es suficientemente actual como para que genere un interesante debate y se puedan cuestionar muchas de las ideas que se tienen sobre el Alzheimer. Los personajes que interpretan Manuel Alexandre (Ricardo) y Cristina Brondo (su nieta Ana), y su relación, son para mí lo mejor de la película.

* Fuente: http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/temasdiscapacidad.htm#Piedras

22. La caja de Pandora. Pandoranin kutusu

2008. Turquía, Francia, Alemania y Bélgica. 112 min.
Dirección: Yeşim Ustaoğlu.
Guión: Yeşim Ustaoğlu y Selma Kaygusuz.
Producción: Yeşim Ustaoğlu, Muhammet Çakiral, Serkan Çakarer, Behrooz Hashemian, Setareh Farsi, Natacha Devillers, Catherine Burniaux, Michael Weber y Tobias Pausinger.
Música: Jea-Pierre Mas.
Fotografía: Jacques Besse.
Montaje: Franck Nakache.
Diseño de producción: H.F. Farsi, Elif Taşçioğlu y Serdar Yilmaz.
Interpretación: Tsilla Chelton, Derya Alabora, Onur Unsal, Övul Avkiran, Osamn Sonant.

Sinopsis*:

Cuenta la lacerante historia de una campesina enferma de Alzheimer, algo que provocará el reencuentro de su desunida familia para buscar la siempre problemática solución y que revelará sus miserias, fantasmas y traumas. Narrada sin efectismo, con dureza y con piedad, es una película que desprende verdad y que te implica en la tragedia de alguien que ya no sabe quién es ni dónde está.

Cuando sus hijos, tres hermanos de cuarenta y tantos años reciben una noche en Estambul una llamada diciendo que su madre, ya mayor, ha desaparecido de su casa de la costa del Mar Negro, los tres (dos mujeres y un hombre) parten en su búsqueda, aparcando momentáneamente sus problemas. Una vez juntos, se deja ver rápidamente la tensión existente entre ellos, como si, de repente, se hubiera abierto la Caja de Pandora. Se dan cuenta de que, en realidad, apenas se conocen y se ven obligados a reflexionar sobre sus propios defectos. Resulta conmovedora la interpretación tan natural como sugerente que hace de esa anciana a la intemperie física y mental la actriz Tsilla Chelton.

Concha de Oro en la 56ª edición del Festival de San Sebastián, en 2008.

*http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/temasdiscapacidad.htm#Piedras

23. El truco del manco

2008. España. 87 min.
Dirección: Santiago A. Zannou.
Guión: Santiago A. Zannou e Iván Morales.
Producción: Luis de Val y Aitana de Val.
Música: Woulfrank Zannou.
Fotografía: Albert Pascual.
Montaje: Jaume Martí.
Dirección artística: Llorenç Miquel.
Vestuario: Ana Herce.
Interpretación: Juan Manuel Montilla «Langui» (Cuajo), Ovono Candela (Adolfo), Javier Iglesias «Gordo» (Chacho), Elio Toffana (Galleta), Fanny Gatibelza (Cristina), Juan Navarro (Marquitos), Alicia Orozco (madre de Cuajo), Mala Rodríguez.

Sinopsis*:

Cuajo es el sobrenombre de Enrique Heredia, un rapero con una parálisis cerebral que le dificulta la movilidad y con un sueño: construir un estudio de grabación propio donde poder producir su música. Para esto contará con la ayuda de su amigo Adolfo, un mulato de 30 años que malvive con su padre alcohólico. “A mí no me digas que no se puede” es el principio que guía la vida de Cuajo, pero esta misión va a resultar muy complicada. Él y Adolfo deberán superar dificultades de todo tipo para conseguir su objetivo en un entorno hostil y difícil, donde la violencia aparece por todas partes. Una lucha entre el fatalismo y el optimismo en pos de un sueño.

* http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/temasdiscapacidad.htm#Piedras

24. El circo de la mariposa

Ver cortometraje

25. Pauline y Paulette

Ficha técnica:

Director: Debrauwer, Lieven

País: Bélgica

Año: 2001

Sinopsis:

Pauline, una señora de 66 años con discapacidad intelectual, vive el día a día y muestra que tiene sus propios recursos y cuenta con su propia fuerza de voluntad.

26. Dueling Banjos Deliverance

Escena de la película " Amarga pesadilla"

La discapacidad es relativa, ésta aparece cuando hay una contradicción entre las capacidades del sujeto, la tarea o actividad a realizar y los recursos del contexto, no es un "atributo biológico" es una relación social.

Luis Ruíz Álvarez
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¿Recuerdas la película "Amarga pesadilla"?

Fuente: http://guadalupeloaeza.typepad.com/abuelas_bien/2010/12/recuerdas-la-pel%C3%ADcula-amarga-pesadilla.html

Duelo de banjos...1972.

Cuando (...) el equipo paró en una gasolinera, surgió esta escena notable del film, que el director Boorman incluye en la historia, fíjate en la expresión del niño. Al principio, triste y pequeño. Pero, a medida que toca su banjo, crece con la música y se va dejando llevar por ella hasta transformar su expresión en alegría, rescatada gracias a un guitarrista forastero. El niño crece, brilla y exhibe su sonrisa apresada en los pliegues de su deficiencia - sonrisa maravillosa que la magia de la música trae a la superficie. Después, vuelve dentro de si, dejando su parte de belleza eternizada en este film. Ve el video hasta el final y asiste al excelente duelo de guitarra y banjo.

MÁS INFORMACIÓN Y COMENTARIOS SOBRE LA ESCENA:
http://cinedidactica.blogspot.com/2011/07/dueling-banjos-deliverance.html
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CONTINUAR CON:

SEXUALIDAD Y DISCAPACIDAD EN EL CINE

SEXUALIDAD Y DISCAPACIDAD EN EL CINE

2009-05-09T17:40:00.000-07:00

El cine representa un espacio abierto de abordaje y comprensión de las múltiples facetas de la vida.

En este sentido, el cine ha contribuido para que el tema de la discapacidad y la sexualidad, empiece a dejar de ser una asignatura pendiente. Aunque claro está, hay aún mucho por hacer desde nuestros respectivos espacios sociales. Empecemos por hacer un ejercicio reflexivo en torno a un tema que ha sido socialmente evadido, obviado y olvidado.

En esta ocasión te sugerimos 10 superproducciones en las se cristalizan varios aspectos sociales y culturales en torno a la sexualidad de las personas con discapacidad. Saliendo a relucir los prejuicios sociales, el estigma, la discriminación, el acoso social que desde la educación se ha implantado bajo el principio de normalización, entendido desde la óptica de hacer normal(es) a quien(es) desde el umbral egocentrico de la mismidad, es (son) considerado(s) como "el (los) diferente (s)".

1. Película: "Nacional 7"

Fuente: sexualidadespecial.blogspot.com

Director: Jean-Pierre Sinapi.
Actores: Lionel Abelanski, Nadia Kaci,
Olivier Gourmet,Chantal Neuwirth.
(2000)

Sinopsis.

A Julie, una enfermera inexperta, se le confía el cuidado de René, un hombre que sufre una complicada enfermedad degenerativa que le provoca un comportamiento irascible e insoportable. René confiesa a la joven que desearía hacer el amor con una mujer antes de que su enfermedad avance y le imposibilite tener relaciones sexuales. Propone a la enfermera que le busque una chica dispuesta a hacerlo. Julie accede y se pone a buscar la mujer idónea entre las prostitutas de la zona. Una vez consumado el acto, René se transforma en una persona encantadora ante la sorpresa de todos. A partir de ese momento, el resto de los enfermos intentan buscar una explicación lógica a tal metamorfosis psíquica.

VER RESEÑA: http://cinedidactica.blogspot.com/2007/02/la-terapia-del-placer.html

VER PELÍCULA EN LÍNEA: http://www.archive.org/details/1mcseducacion.blogspot.com1Nacional7

2. PELÍCULA: YO TAMBIÉN

Ficha Técnica:

Titulo original: Yo, también

Nacionalidad: España

Año: 2009

Duración: 105 min

Género: Drama

Color: Color

Fecha de estreno: 16/10/2009

Director: Antonio Naharro, Álvaro Pastor

Guión: Antonio Naharro y Álvaro Pastor

Fotografía: Alfonso Postigo

Montaje: Nino Martínez Sosa

Reparto: Pedro Álvarez-Ossorio, Pablo Pineda, Tania Román, Roma Calderón, Pepe Quero, Teresa Arbolí, Joaquín Perles y Lola Dueñas.

Daniel, un joven sevillano de 34 años, es el primer europeo con síndrome de Down que ha obtenido un título universitario. Comienza su vida laboral en la administración pública donde conoce a Laura, una compañera de trabajo sin discapacidad aparente. Y se enamora de ella.

VER PELÍCULA EN LÍNEA:
http://www.megavideo.com/?s=seriesyonkis&v=SQ715D5Y&confirmed=1

3. PELÍCULA: UN AMOR MUY ESPECIAL (EUGENE I LOVE YOU)

Ficha técnica

Título Original: Ti Voglio bene Eugenio
Director: Francisco José Fernandez
Actores: Giancarlo Giannini, Giuliana de Sio, Arnoldo Foá
Productor: Giovanni Schettini
País: Italia
Año: 2002
Género: Drama

Ganadora del premio del festival cinematográfico de Palm Springs 2002, UN AMOR MUY ESPECIAL es la historia de Eugenio, un hombre maduro con Síndrome de Down. Eugenio vive en una espaciosa casa en el campo con Federico, su hermano mayor.

Él pasa su tiempo trabajando como jardinero y de voluntario en el centro de traumatología de un hospital, en donde conoce a Laura, quien resultó gravemente herida en un accidente automovilístico. Eugenio hace el sorprendente descubrimiento de que Laura es hija de Elena, a quien Eugenio amó cuando era adolescente y que realmente nunca la pudo olvidar.

Cuando Elena reaparece en la vida de Eugenio, es forzado a enfrentar los rechazos que ha sufrido a lo largo de su vida.

4. PELÍCULA: SENTIMIENTOS /DIGGING TO CHINA

Dirigida por: Timothy Hutton
Intérpretes: Timothy Hutton, Kevin Bacon, Marian Seldes, J. C. Quinn, Cathy Moriarty
Nacionalidad: USA
Duración: 98 minutos
Género: Drama

Con una monotona vida junto a su madre alcoholica y una hermana mucho mayor, harriet sueña con con escapar de todo. La oportunidad de ser comprendida llega con el arrivo de un hombre con discapacidad mental. Los dos han sido rechazados por el mundo y se entienden de inmediato, una amistad que los llevara a conocerse mejor.

Juntos buscaban una felicidad difícil de encontrar.

SUGERENCIAS DIDÁCTICAS

Temas: Exclusión social, estigma y discriminación; amistad; solidaridad; discapacidad y sexualidad; otredad.

5. PELÍCULA: GABY BREMMER

Ficha Técnica

EE.UU. 1987. 105 min. Color

Dirección: Luis Mandoki

Guión: Luis Mandoki, Martin Salinas, Elena Poniatowska

Intérpretes: Rachel Levin, Liv Ullmann, Norma Aleandro, Robert Logia, Robert

Beltran, Lawrence Monoson, Tony Goldwyn

«Me gustaría poder decir al final de mi vida, que estuve agradecida de haber vivido y luchado por una causa noble como "la libertad del hombre".

Yo que estoy encadenada a esta silla yo que estoy presa dentro de un cuerpo que no responde.

Haber amado al hijo y al amigo y cantado canciones cuando se va la tarde».

Gabriela Brimmer

Adaptación de la biografía de Gabriela Brimmer, poetisa y escritora que nació con una parálisis cerebral que le impedía cualquier movimiento o expresión, salvo su pie izquierdo. Gracias a la ayuda de una empleada mexicana analfabeta, que aprendió a leer y escribir junto a la niña, Gabriela accedió a toda su educación, incluida la universitaria. La película, rodada en gran medida junto a discapacitados -los actores principales no lo son- de Cuernavaca (México), es un canto reivindicativo a la normalización educativa, sexual y social de los discapacitados. Norma Aleandro, la actriz argentina que interpreta el papel de empleada, fue nominada por su papel en esta película al oscar para mejor actriz de reparto en 1987.

VER RESEÑA DE LA PELÍCULA: http://cinedidactica.blogspot.com/2006/02/gaby-bremer-una-historia-veradera.html

6. PELÍCULA: MI PIE IZQUIERDO

TITULO ORIGINAL: My Left Foot

AÑO: 1989
DURACIÓN: 119 min
DIRECTOR Jim Sheridan
GUIÓN Jim Sheridan y Shane Connaughton (Autobiografía: Christy Brown)
MUSICA Elmer Bernstein
FOTOGRAFÍA Jack Conroy
REPARTO Daniel Day-Lewis, Brenda Fricker, Ray McAnally, Fiona Shaw, Ruth McCabe, Alison Whelan, Cyril Cusack, Adrian Dunbar, Hugh O´Connor

PRODUCTORA Granada Film

SINOPSIS Y CRÍTICA 1989: 2 Oscar: mejor actor (Daniel Day-Lewis), mejor actriz secundaria (Brenda Fricker). 5 Nominaciones (película, director, guión adaptado) / Biografica. Drama. Enfermedad

VER RESEÑA DE LA PELÍCULA: http://cinedidactica.blogspot.com/2007/02/mi-pie-izquierdo.html

7. PELÍCULA: SHINE, EL BRILLO DEL GENIO QUE PUDO SER (CLAROSCURO)

Ficha técnica

SHINE1996 (Australia)Director: Scott HicksArtistas: Armin Mueller-Stahl, Noah Taylor, Geoffrey Rush

Título Original: SHINE
Año de producción: 1996
País: Australia
Duración: 101 min.
Clasificación: Mayores de 13 años
Director: Scott Hicks
Artistas: Armin Mueller-Stahl, Noah Taylor, Geoffrey Rush, Justin Braine, Sonia Todd, Chris Haywood, Alex Rafalowicz, Gordon Poole

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http://www.megavideo.com/?s=seriesyonkis&v=D81UGHKK&confirmed=1
SINOPSIS
Fuente:http://www.starscafe.com/es/pelicula/shine.aspx

Aclamada por la crítica de todo el mundo y con innumerables premios, incluido el Oscar al Mejor Actor para Geoffrey Rush,"Shine" es uno de los espectáculos más grandiosos del año.

Basada en la vida de David Helfgott, un niño prodigio, "Shine" examina su tortuosa vida, desde su infancia, dominada por su estricto padre, hasta llegar a sus crisis nerviosas cuando es adulto.

Cuando es aceptado en una prestigiosa escuela de música de Londres, David se siente capaz de huir de su padre y arriesgarlo todo por su única pasión, la música.

Pero el rechazo de su padre y las presiones de su trabajo, acaban sumiéndole en una enfermedad mental.

Sólo el amor de una mujer (Lynn Redgrave) que le comprende de verdad, puede salvarle y devolverle a la sociedad para que ésta disfrute con su música.

8. PELÍCULA: EL OCTAVO DÍA

Director: Jaco Van Dormael

Actores: Isabelle Sadoyan, Daniel Auteuil, Pascal Duquenne, Sabrina Leurquin, Henry Garcin, Miou-Miou...
Título original: Le Huitième jour
Especial: Estrenos del 1996, Las mejores peliculas del 1996

VER RESEÑA:
http://cinedidactica.blogspot.com/2011/06/el-octavo-dia.html

9. PELÍCULA: HIJOS DE UN DÍOS MENOR /TE AMARÉ EN SILENCIO

Te Amaré en Silencio

Children of a Lesser God
Estados Unidos, 1986
119 minutos
Mayores de 18
Géneros: Drama ( Lagrimones – Romance ); Romance ( Drama )
Director: Randa Haines
Actores: Marlee Matlin Piper Laurie
William Hurt

Una película representativa en los años 80 (Children of a Lesser God), de John Seale, nominada para varios premios de la Academia en 1986 y por la cual Marlee Matleen obtuvo el Óscar a la mejor actriz. La acción transcurre en un colegio para sordomudos, en el que los problemas habituales en cualquier centro de enseñanza se ven agravados por la necesidad de mantener un difícil equilibrio en el trato con jóvenes acostumbrados al aislamiento. Cuando, además un profesor se siente fuertemente atraído por una de sus alumnas, la situación se complica por las reacciones de la muchacha, hostiles en un principio y, casi siempre, imprevisibles.

VER RESEÑA Y SUGERENCIAS DIDÁCTICAS DE ESTA PELÍCULA: http://cinedidactica.blogspot.com/2007/02/te-amare-en-silencio.html

10. PELÍCULA: PIEDRAS

España. 2001. Color

Director: Ramon Salazar
Montaje: Teresa Font
Fotografía: David Carretero
Guión: Ramon Salazar
Música: Lucio Godoy

Sinopsis: Historia de cinco mujeres y las relaciones que se establecen entre ellas a través de los pies y los zapatos. Todas ellas son dependientes de su entorno y en cierta forma se van liberando. Los diversos personajes se entremezclan, se agitan, se reúnen y se separan en una especie de coreografía sin fin. Anita –con parálisis cerebral- da varias vueltas a la manzana siguiendo a un avión, dibuja sin pausa y se enamora perdidamente de su cuidador, se pierde en la ciudad y al final tal vez encuentra algo de sí misma.

VER PELÍCULA EN LÍNEA: http://www.megavideo.com/?s=CINEVEO&v=FIFPJTYZ&confirmed=1

DERECHOS HUMANOS

2009-05-07T10:49:00.000-07:00

Espacio en construcción

1. Acteal estrategia de muerte (Documentales del genocidio en México)

2. Acción judicial

Temática: Valores: ética, ecología humana, crítica a la competición...

Ficha técnica:

Nacionalidad: Estados Unidos

Director: Michael Apted
Año: 1990
Duración: 109 minutos
Interpretes: Gene Hackman, Mary Elizabeth Mastrantonio
Calificación: Todos los públicos

Sinopsis:

Un brillante abogado que ha dedicado su vida a proteger a los desvalidos, tiene que enfrentarse en un cruento juicio a su hija, también abogado, que trabaja para uno de los bufetes más importantes de San Francisco. En el litigio, el padre defiende a un grupo de personas que acusan a una compañía de coches de fabricar sus productos de forma defectuosa, por lo que, a causa de un accidente, han estado a punto de morir. Su hija es el abogado defensor de la empresa, y este juicio sirve para entrar a formar parte como miembro asociado del despacho.

3. Boys don't cry

Tema: Derechos humanos
Valores: libertad sexual...

Ficha técnica:

Nacionalidad: Estados Unidos
Director: Kimberly Pierce
Año: 2000
Duración: 114 minutos
Interpretes: Brendan Sexton III, Hilary Swank, Peter Sarsgaard

Sinopsis:

Más de 20 premios internacionales lleva ya la película revelación del año. Basada en una historia real y calificada unánimemente por la crítica como "una de las mejores películas del año", Boys Don't Cry es la historia de Brandon Teena (a la que da vida magistralmente la oscarizada actriz Hilary Swank), una joven inadaptada que busca el amor como forma de redimirse de todo cuanto odia. Atrapada en un mundo que no la acepta, la vida de su Lincoln natal es demasiado dura. Tratanto de escapar de todo lo que su pueblo representa llega a Falls City, donde podrá dar rienda suelta a sus sueños. Pero éstos comienzan a tambalearse cuando conoce a Landa Tisdel, una alocada belleza rubia y la veinteañera más popular de la ciudad.

VER RESEÑA COMPLETA: http://cinedidactica.blogspot.com/2007/02/los-muchachos-no-lloran.html

4. Cadena Perpetua

Tema: Derechos Humanos

Valores: solidaridad, derechos sociales, amistad...

Ficha técnica:

Nacionalidad: Estados Unidos

Director: Frank Darabont

Año: 1994
Duración: 142 minutos
Interpretes: Tim Robbins, Morgan Freeman, Bob Gunton
Calificación: No recomendada a menores de 13 años

Sinopsis:

Una cárcel es el escenario en el que transcurre la trama de esta película. Andy Dufresne, un banquero muy reservado con un habla muy suave y tranquila. Es acusado del asesinato de su infiel esposa y su amante. Sentenciado a dos cadenas perpetuas es enviado a la más dura prisión del estado de Maine.

Allí se gana el respeto de los presos y de Red, el jefe de la mafia de sobornos y mercado negro de la cárcel.

VER RESEÑAS Y CRÍTICAS DE LA PELÍCULA: http://cinedidactica.blogspot.com/2011/06/cadena-perpetua.html

5. El bola

Tema: Derechos humanos

Valores: ética, solidaridad, compromiso, amistad, crítica a la competición...

Ficha técnica:
Nacionalidad: Española
Director: Achero Mañas
Año: 2000
Duración: 109 minutos

Interpretes: Nieve de Medina, Javier Lago, Ana Wagener, Juan José Ballesta, Pablo Galán, Manuel Morón, Gloria Muñoz, Alberto Jiménez

Calificación: Todos los públicos

Sinopsis:

Pablo es un chico de doce años apodado El Bola por su manía de darle vueltas a una canica entre sus dedos que vive con su familia en uno de los edificios antiguos de un barrio periférico de Madrid . Su padre, un hombre autoritario y violento, posee una ferretería en el barrio en la que Pablo debe trabajar, incluso en horarios de colegio. Su madre, una mujer de carácter débil, se dedica principalmente a las labores del hogar y es incapaz de enfrentarse a la situación familiar. Con ellos vive la abuela paterna, una mujer inválida que necesita ayuda hasta para hacer las cosas más elementales. Todos conforman un entorno familiar lleno de violencia que Pablo odia y del que se siente profundamente avergonzado. Al barrio llegan unos nuevos vecinos, un matrimonio con varios hijos. Uno de ellos es Alfredo, que asiste al mismo colegio público de Pablo. Pronto ambos se hacen amigos y Pablo irá descubriendo el ambiente de Alfredo: su casa, el taller de

tatuaje donde trabaja el padre y las amistades de la familia.

Este nuevo ambiente hará profunda mella en la visión del mundo de Pablo, que ya no verá su vida como algo natural y normal en los chicos de su edad.

VER RESEÑA:
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6. El gran dictador

Tema: Derechos humanos

Valores: crítica al nazismo, canto a la libertad y los derechos humanos...

Ficha técnica:
Nacionalidad: Estados Unidos
Director: Charles Chaplin
Año: 1940
Duración: 129 minutos
Interpretes: Charles Chaplin, Paulette Goddard, Jack Oakie,
Reginal Gardiner.
Calificación: Todos los públicos

Sinopsis:

Un barbero resulta ser el doble exacto del dictador de Tomania, Hynkel. Este fomenta el antisemitismo entre la población distrayendo su atención de las graves dificultades económicas del país. Hynkel toma la decisión de invadir Austerlich a pesar de los problemas que ello representa, uno de los cuales lleva por nombre Napoloni, y en una escaramuza disfrazada de cacería de patos, Hynkel es confundido con el barbero que toma la identidad del dictador.

VER RESEÑA COMPLETA Y SUGERENCIA DIDÁCTICA:
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7. En el nombre del padre

Tema: Derechos Humanos

Valores: justicia, relación padre-hijo...

Ficha técnica:
Nacionalidad: Irlanda
Director: Jim SheridanAño: 1993
Duración: 133 minutos
Interpretes: Dan Day-lewis, Pete Postlethwaite, Emma thompson
Calificación: No recomendada a menores de 13 años

Sinopsis:

En el Nombre del Padre cuenta la historia verídica de Gerry Conlon, un ladronzuelo en la conflictiva Belfast de los 70. Su padre lo envía a Inglaterra, donde termina en un lugar equivocado en el momento equivocado. Inocente, pero forzado a declararse culpable de un ataque terrorista, es sentenciado a cadena perpetua como uno de los "4 de Guildford". Su padre Giuseppe también es encarcelado, y mientras se encuentran en prisión, Gerry pronto se da cuenta que la aparente debilidad de su padre esconde fortaleza y sabiduría. Trabajando con una tenaz abogada, Gerry se decide a probar su inocencia, limpiar el nombre de su padre y sacar a la luz la verdad.

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8. Espartaco

Tema: Derechos humanos

Valores: libertad, solidaridad, compromiso...

Ficha técnica:

Nacionalidad: Estados Unidos

Director: Stanley Kubrick

Año: 1960

Duración: 196 minutos

Interpretes: Douglas, Kirk; Olivier, Laurence; Laughton, Charles; Curtis, Tony; Simmons, Jean; Ustinov, Peter; Gavin, John; Foch, Nina

Calificación: Todos los públicos

Sinopsis:

La rebelión de Espartaco de Tracia, convertido en esclavo y vendido como gladiador al entrenador

Léntulo Batiato. Después de semanas de entrenamiento para matar en la arena, lidera una rebelión de los gladiadores. Mientras se mueven de una ciudad a otra su número aumenta, pues se le van uniendo nuevos esclavos liberados. Bajo su mando intentarán llegar al sur de Italia en donde se embarcarán para volver a sus hogares.

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9. Full Monthy

Tema: Derechos humanos

Valores: superación personal, familia, problemas económicos, homosexualidad, derechos sociales,...

Ficha técnica:

Nacionalidad: Reino Unido
Director: Peter Cattaneo
Año: 1997
Duración: 88’
Interpretes: Robert Carlyle, Tom Wilkinson, Mark Addy
Calificación: No recomendada a menores de 13 años

Sinópsis:

Una ciudad de Inglaterra después del gobierno conservador de Thatcher. El paro es el amo de la situación, y en este escenario de desregulación y de falta de expectativas, un grupo de amigos desempleados buscan una solución imaginativa. Gaz trama un plan para que él y sus amigos, cinco trabajadores del acero en paro de Sheffield, ganen mucho dinero rápidamente. Les convence de que un striptease masculino levantará pasiones y les llenará los bolsillos, por lo que merece la pena ir a por todas!

El director Peter Cattaneo combina ironía, carcajadas y lo absurdo; las desilusiones y alegrías de seis hombres que intentan conservar su cuerpo, alma y dignidad juntos. ¡O casi!

10. Historia oficial

Tema: Derechos humanos

Valores: ética, capacidad crítica, derechos humanos
Ficha técnica: Nacionalidad: Argentina
Director: Luis Puenzo
Año: 1985
Duración: 112 minutos
Interpretes: Héctor Alterio, Norma Aleandro, ...
Calificación: No recomendada a menores de 13 años

Sinopsis:

Una mujer, profesora de instituto y de clase acomodada, sospecha que la historial real no es la misma que la oficial. Empieza a sospechar que su hija adoptada pertenece en realidad a una madre “desaparecida”.

11. La vendedora de rosas

Ver película en línea

La vendora de rosas

Fuente:

http://es.wikipedia.org/wiki/La_vendedora_de_rosas

La Vendedora de Rosas es una película colombiana dirigida por el cineasta antioqueño Víctor Gaviria y protagonizada por Lady Tabares. Se basa tanto en el cuento La Vendedora de Cerillas (o The little match girl en inglés) de Hans Christian Andersen como en la vida de Mónica Rodríguez. La película se estrenó en 1998.

Sinopsis:

La historia cuenta los acontecimientos vividos por Mónica, una niña de 13 años que vende rosas en la ciudad de Medellín un día antes y durante la noche de navidad. Después de la muerte de su abuela, Mónica huye a la calle y se encuentra con un mundo delictivo lleno de drogas, alcohol y prostitución, ganándose la vida como una vendedora de rosas junto con sus amigas. Durante la noche antes de navidad un borracho le obsequia un reloj; ella muy agradecida y pensando que se trata de un regalo divino lo usa todos los días. Un pandillero (El Zarco) nota el nuevo reloj e intimidantemente lo roba. Ahora, además de los problemas cotidianos de sobrevivir en la calle, Mónica debe huir de El Zarco, quien se siente estafado porque el reloj deja de funcionar.

Cine y realidad

El cineasta Víctor Gavíria se ha caracterizado por utilizar cierto tono documental para narrar los hechos en sus películas, razón por la cual sólo emplea en sus filmes "actores naturales" cuyas vivencias sean similares a las de sus personajes. En la película se usa un lenguaje callejero característico de los estratos más bajos de Medellín, y muestra la cruda realidad de los niños de la calle sin censura alguna. La vendedora de rosas generó sin lugar a dudas diversas críticas en Colombia.

Los actores y su destino

Gran parte del reparto actoral de la película ha fallecido o se encuentra privado de la libertad. El caso de Giovanni Quiroz ("El Zarco") es uno de los más notables por su protagonismo en la cinta, pues fue asesinado a balazos en Medellín de una forma muy similar a la ocurrida con su personaje, y aproximadamente un año y medio luego de su estreno. Su cuerpo acribillado fue encontrado cerca de un río, en circunstancias nunca esclarecidas por las autoridades. Se le había prometido un curso de actuación en España y oportunidades de trabajo para abandonar la delincuencia, sueños que no se pudieron realizar por una decisión propia de Quiroz.

La protagonista Lady Tabares fue detenida y condenada a 26 años de cárcel por delito de robo y homicidio de un conductor de taxi de 44 años de la ciudad de Medellín, en complicidad con su entonces pareja, Edison Castañeda. Hoy es madre de un hijo, se graduó como esteticista mientras cumple su condena, y se especula que sufre de cáncer de seno.

Otro caso es el de la propia Mónica Rodríguez (personaje real sobre el que también se basó la historia) quien murió asesinada de un balazo mientras se rodaba la pelicula. Otros actores fueron asesinados en casos aislados: "Milton", "El enano", "Anderson", "Don Héctor", y otros dos con papeles muy breves en la película "El Flaco" y "El Botas".

Finalmente Jennifer Arteaga, una hija adoptiva de Giovanni Patiño ("Papá Giovanni") quien participara en algunas escenas del piloto, fue encontrada muerta flotando en el río Medellín antes de empezar el rodaje de la película.

Un caso excepcional fue el de Marta Correa ("Judy") quien decidió salir de las calles y es apoyada por Gaviria, director y co-guionista de la cinta, como lo hiciera en su momento con el ahora reconocido actor de cine y televisión Ramiro Meneses, quien saldría de la violenta vida de las comunas de Medellín tras interpretar el rol principal en la cinta Rodrigo D: No futuro (1990), también dirigida por Gaviria.

La vida real de estos personajes, y el destino de muchos de ellos, incluyendo el sepelio de Mónica Rodriguez, fue grabado en un documental llamado " como poner a actuar pájaros"

12. La vida es bella

Tema: Derechos humanos

Valores: crítica al nazismo, canto a la libertad y los derechos humanos, creatividad,…

Ficha técnica:
Nacionalidad: Italia
Director: Roberto Benigni
Año: 1998
Duración: 122 minutos
Interpretes: Roberto Benigni, Nicoletta Braschi, Giorgio Cantarini, Giustino Durano.
Calificación: Todos los públicos

Sinopsis:

Unos años antes de que comience la Segunda Guerra Mundial, un joven llamado Guido llega a un pequeño

pueblo de la Toscana italiana con la intención de abrir una librería. Allí conocerá a Dora, la prometida del fascista Ferruccio, con la que conseguirá casarse y tener un hijo. Con la llegada de la guerra los tres serán internados en una campo de concentración donde Guido hará lo imposible para hacer creer a su hijo que la terrible situación que están padeciendo es tan sólo un juego.

13.Mi nombre es Joe

Tema: Derechos humanos

Valores: dignidad laboral y personal, influencia del entorno.

Ficha técnica:
Nacionalidad: Reino Unido – España - Alemania
Director: Ken Loach
Año: 1998
Duración: 105’
Interpretes: Louise Goodall, Peter Mullan.
Calificación: No recomendada a menores de 18 años

Sinopsis:

Joe está en el paro. Alcohólico durante años, ahora ha conseguido dejar de beber y dedica buena parte de su tiempo a entrenar al peor equipo de fútbol de Glasgow. Joe ayuda a una pareja de jóvenes drogadictos con un hijo, Liam y Sabine. En su casa conoce a Sarah, una asistenta social que se está ocupando de ellos. Joe y Sarah se enamoran apasionadamente, pero no les será nada fácil mantener esta relación en un mundo donde la vida cotidiana es realmente dura.

14. Nadie sabe

Ficha técnica:

Título original: Dare mo shiranai (Nobody Knows)

Año:2004
Duración: 141 min.
País: Japón
Director:Hirokazu Koreeda (AKA Hirokazu Kore-eda)
Guión: Hirokazu Koreeda (AKA Hirokazu Kore-eda)
Música: Gontiti
Fotografía: Yamazaki Yutaka
Reparto: Yûya Yagira, Ayu Kitaura, Hiei Kimura, Momoko Shimizu, Hanae Kan, Susumu Terajima
Productora: Bandai Visual Co. Ltd. / Cine Qua Non Films / Engine Film Inc.

Sinópsis:

Cuatro niños viven tranquilamente con su madre en un pisito de Tokio. Ninguno tiene el mismo padre y tampoco han ido nunca al colegio. El propietario del piso ni siquiera conoce a tres de ellos. Un buen día, la madre desaparece dejando un poco de dinero y una nota para que el mayor se ocupe de sus hermanitos. Así empieza una nueva vida para los cuatro niños que sólo se tienen a sí mismos, una vida que nadie sabe. Cruelmente abandonados, los cuatro se arreglan para sobrevivir en su pequeño mundo en el que fijan sus propias reglas. Pero al enfrentarse al mundo exterior, se derrumba el frágil equilibrio que habían conseguido mantener. (FILMAFFINITY)

Críticas:

El paredón de la infancia

Por: Barón Badeaux
Fuente: http://www.filmaffinity.com/es/reviews/4/801562.html
No hay nada que falte ni nada que sobre en esta obra maestra de Kore-Eda Hirokazu. Inexplicitablemente dura, completamente sobrecogedora, "Nadie sabe" es un lírico viaje a las profundidades de Tokyo y al desarrollo de cuatro niños abandonados por su madre en un apartamento de veinticinco metros cuadrados. "Nadie sabe" se aleja del cine social y de la moralina fácil, no existe ninguna obvia crítica social como debería esperarse de una película de este estilo, sino que esta vez la sociedad es un fantasma, todo existe solamente en veinticinco metros cuadrados, y lo demás, lo que acontece fuera, es puramente anecdótico. Sin embargo, no hay que equivocarse, el hecho de que la crítica no sea explícita no implica que no haya reflexión social, pero la dureza de la película se encuentra sobretodo en un profundo sentimiento existencial acerca del sentido de despertar del sueño de la niñez para encontrarse desamparado. El director y los actores- cuyas interpretaciones no son buenas, son perfectas- conseguirán sumergirnos en el mundo como algo más que un expectador pasivo, nos harán sentir con los protagonistas la incertidumbre, la pena, la alegría y el desamparo, y a través de los excelentes planos de largo silencio y la cuidada música logrará tensarse el hilo del ambiente, haciéndonos un nudo en la garganta en los momentos en los que es inevitable temblar ante la enorme carga dramática. Se trata de un desarrollo pausado, pero narración tal no es baladí en una película de estas características, donde lejos de la bronquita de tres al cuarto, el director entra en el tema de la infancia con la excelencia del mismo Francois Tuffaut, lejos de la superficial comercialidad en la que tiene riesgo de caer una película de estas características, Hirozaku rechaza todo el melodrama barato para darnos el producto en crudo, en duro, pero sin rechazar nunca la naturalidad de la puesta en escena, siendo capaz de presentar momentos felices dentro de la desgarradora dureza del film. No es solamente niños abandonados, es también dulzura, es también la hermosura de la infancia y libertad, es también picaresca y amor, es el eterno claroscuro de la vida. Aquí no hay pantomima que valga, aquí no hay espectáculo de vodevil, sino la capacidad de sobrecoger al espectador con poesía, delicada y fascinante lírica del dolor y la alegría. Esto es cine.

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Ver ensayo de Elina Aguirre y Miguel Burkart

Nadie sabe… sobre el otro. Notas para pensar la familia en el mundo actual

14. Pan y rosas

Tema: Derechos humanos

Valores: solidaridad, acción noviolenta, derechos humanos

Ficha técnica:
Nacionalidad: Reino Unido, Alemania, España
Director: Ken Loach
Año: 2000
Duración: 110 minutos
Interpretes: Pilar Padilla, Adrien Brody, ...
Calificación: Todos los públicos

Sinopsis:

Maya y Rosa, dos hermanas mexicanas, trabajan como limpiadoras en un edificio de oficinas de Los Angeles. Un encuentro con Sam, un apasionado activista norteamericano, es decisivo para que emprendan una campaña de lucha contra sus patrones. Pero ese combate las pone en peligro de perder su sustento, amenaza a su familia y supone para ellas el riesgo de ser expulsadas del país.

14. Recursos humanos

Tema: derechos humanos

Ficha técnica:

Nacionalidad: Francia

Director: Laurent Cantet

Año: 1999

Duración: 104’

Interpretes: Chantal Barré, Jalil Lespert, Jean - Claude Vallod

Calificación: No recomendada a menores de 7 años.

Sinopsis:

Frank, estudiante en París de Empresariales, vuelve a casa de sus padres para hacer unas prácticas en el departamento de Recursos Humanos de la fábrica en la que su padre lleva de obrero 30 años. Con sus conocimientos, lleva a cabo el estudio sobre la conflictiva implantación de la jornada de 35 horas con estusiasmo, hasta que descubre que la dirección le está utilizando como tapadera a un plan de reestructuración de plantilla que prevee el despido de varias personas, entre ellas su padre.

15. Tiempos modernos

Tema: Derechos humanos

Valores: derechos sociales y económicos, crítica a la mecanización de los seres humanos y a las injusticias sociales,…

Ficha técnica:

Nacionalidad: Estados Unidos
Director: Charles Chaplin
Año: 1936
Duración: 85 minutos
Interpretes: Charles Chaplin; Paulette Goddard; Henry Bergman.
Calificación: Todos los públicos

Sinopsis:

Las peripecias de un trabajador que primero enloquece debido al ritmo febril de la línea de montaje en la que trabaja, y luego es encarcelado al ser confundido con un agitador comunista. En medio de ello, el trabajador conoce a una joven con la que comparte su sueño por una vida mejor.

PELÍCULAS EN TORNO AL TEMA DE "EDUCACIÓN PARA TODOS"

2009-05-06T16:40:00.000-07:00

Educación para todos

Fuente:
http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/temaslapizarra.htm

El Informe de Seguimiento de la Educación para todos en el Mundo evalúa cada año los progresos realizados hacia la consecución de los seis objetivos que se fijaron los 164 países participantes en el «Foro Mundial sobre la Educación», celebrado el año 2000 en Dakar. Anualmente se valoran los cambios producidos desde 1998 y se formulan previsiones sobre los países que tienen posibilidades de lograr la Educación para todos, alcanzar la paridad entre los sexos en la enseñanza primaria y secundaria y mejorar en un 50% el nivel de alfabetización de los adultos de aquí a 2015, año fijado como límite. Aunque estas previsiones quizás no reflejen totalmente el impacto de los cambios más recientes en las políticas de educación, no por ello dejan de ser un instrumento de seguimiento útil. En general, los progresos de estos últimos año han sido regulares, pero insuficientes todavía para alcanzar los objetivos o acercarse a ellos mucho más de lo que se ha conseguido hasta ahora. Todos los elementos de información de que se dispone demuestran que sigue siendo necesario centrar la atención en las políticas de educación del África Subsahariana, Asia Meridional y Occidental y los Estados Árabes, así como en las de los países menos adelantados de otras regiones.

Las estrategias nacionales centradas en la igualdad entre los sexos, los docentes, la salud y los grupos más desfavorecidos son fundamentales para acelerar el ritmo del cambio.

En el Objetivo 4 del Marco de Acción de Dakar se hace un llamamiento a los países para «aumentar de aquí al año 2015 los niveles de alfabetización de los adultos en un 50%, en particular tratándose de mujeres, y facilitar a todos los adultos un acceso equitativo a la educación básica y la educación permanente». Aunque el Objetivo 3 no se refiera explícitamente a la alfabetización, el compromiso de satisfacer las necesidades de aprendizaje de todos los jóvenes y adultos, «velando por que sean atendidas las necesidades de aprendizaje de todos los jóvenes y adultos mediante un acceso equitativo a programas adecuados de aprendizaje para la vida diaria«, supone la necesidad de una alfabetización básica. En esta parte se expone cómo han evolucionado los conceptos de la alfabetización, se muestra cómo la alfabetización es un derecho que permite acceder a otros derechos, y se suministran datos empíricos sobre los múltiples beneficios personales, sociales y económicos que se derivan de la adquisición de competencias en materia de alfabetización. Sin embargo, la alfabetización no garantiza de por sí sola otros derechos ni sus beneficios, ya que éstos dependen de la aplicación de leyes y políticas pertinentes en cada uno de los países interesados.

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EL DERECHO A LA ALFABETIZACION
Fuente: http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/temaslapizarra.htm

El derecho a la alfabetización está implícito en el derecho a la educación reconocido por la Declaración Universal de Derechos Humanos de 1948. Otras convenciones y declaraciones internacionales han reiterado posteriormente ese derecho. La Convención relativa a la Lucha contra las Discriminaciones en la Esfera de la Enseñanza aborda específicamente el problema de los que no han cursado estudios primarios o no los han terminado. La Convención de 1979 sobre la eliminación de todas las formas de discriminación contra la mujer y la Convención sobre los Derechos del Niño de 1989 no sólo proclaman el derecho a la educación, sino también a la alfabetización. En estos dos instrumentos figuran referencias explícitas a la alfabetización. En la Declaración de Persépolis de 1975 se dice que la alfabetización es un «derecho fundamental de todo ser humano», y esto se reitera en la Declaración de Hamburgo de 1997.

También hay varios instrumentos jurídicos internacionales que se centran en la lengua de adquisición de la alfabetización. Así, el Pacto Internacional de Derechos Civiles y Políticos sanciona el derecho de las personas pertenecientes a minorías a utilizar su propio idioma. En el Convenio de la OIT sobre pueblos indígenas y tribales de 1989 se dispone que –siempre que sea posible– se debe impartir enseñanza a los niños de esos pueblos para que aprendan a leer y escribir en su propia lengua materna y se deben adoptar medidas para velar por que dominen una de las lenguas oficiales del país.

Por otra parte, cabe señalar que son numerosos los documentos que autorizan una interpretación amplia de la alfabetización, incluyendo en ésta no sólo la lectura y la escritura, sino también el acceso al conocimiento científico y tecnológico, la información jurídica, la cultura y los media. Por último –y esto es especialmente importante– se ha reconocido que la alfabetización es un instrumento para poder ejercer otros derechos humanos. En efecto, en la Declaración de Viena de 1993 se hace un llamamiento a los Estados para que se esfuercen por acabar con el analfabetismo, relacionando esos esfuerzos con una mejor protección de los derechos humanos y las libertades individuales.

En los decenios de 1960 y 1970, la noción de «alfabetización funcional» ha ido cobrando un mayor arraigo y ha puesto de relieve los nexos entre la alfabetización, la productividad y el desarrollo socioeconómico global. Recientemente, se ha centrado la atención en las modalidades de utilización y aplicación de la alfabetización en distintos contextos sociales y culturales. Muchos educadores han llegado a considerar la alfabetización como un proceso activo de aprendizaje que entraña una concienciación social y una reflexión crítica susceptibles de facilitar la emancipación de las personas y los grupos para promover cambios en la sociedad. Los trabajos del educador brasileño Paulo Freire han integrado la noción de aprendizaje activo en contextos socioculturales particulares.

Freire sostiene que «toda lectura de una palabra va precedida por una lectura del mundo». El término alfabetización ha ampliado su significado hasta llegar a convertirse en metáfora de muchos tipos de competencias. Algunos especialistas estiman que la noción más apropiada a la vida del siglo XXI es la de «alfabetizaciones múltiples», esto es, competencias elementales relacionadas con la tecnología, la salud, la información, los media, el ámbito de lo visual, el campo de la ciencia y otros contextos.

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PELÍCULAS SUGERIDAS EN TORNO AL TEMA DE "EDUCACION PARA TODOS"

En el marco de 3 de los objetivos de Desarrollo del Milenio para 2015: Erradicar la pobreza extrema; lograr la enseñanza primaria universal; y, promover la igualdad de género y la autonomía de la mujer. Se sugiere el manejo de seis películas que ponen en evidencia la necesidad de sumar acciones en torno al logro de una educación para todos.

Se trata de seis obras cinematográficas del cine iraní y chino: "Buda explotó por vergüenza", "las tortugas pueden volar", "ni uno menos", "a las cinco de la tarde", "la pizarra" y "la manzana".

Las seis películas abordan el derecho a la educación en contextos bélicos y de extrema pobreza, a través del cine asiático de tres jóvenes directores iraníes y uno chino.

1. BUDA EXPLOTÓ POR VERGÜENZA

Esta película aborda, entre otros temas, el derecho de las niñas a la educación.

Sinopsis: Bajo la estatua del Buda que destruyeron los talibanes, aún viven miles de familias. Baktay, una niña afgana de seis años, es incitada a ir a la escuela por el hijo de sus vecinos que lee los alfabetos frente a su cueva. De camino a la escuela, es acosada por unos niños que juegan de forma cruel reflejando la sociedad tan violenta que los envuelve. Los niños pretenden lapidar a Baktay o destruirla como el Buda, o dispararle como hicieron los americanos en el laberinto de cuevas. ¿Será capaz Baktay de superar estos obstáculos para poder aprender los alfabetos en su lengua materna?

2007. Irán, Francia. (81 min.) Para todos los públicos. Dirección: Hana Makhmalbaf. Guión: Marziyeh Meshkini. Intérpretes: Nikbakht Noruz (Baktay), Abdolali Hoseinali (chico talibán), Abbas Alijome (Abbas). Berlín 2007 : Premio del jurado infantil, Premio de la paz ; San Sebastián 2007 : Premio especial del jurado, premio Otra mirada TVE.
Fuente: http://biblioteca.ulpgc.es/noticia_cine_en_la_biblioteca

Trailer de la película

VER RESEÑA DE ESTA PELÍCULA: http://cinedidactica.blogspot.com/2011/06/buda-exploto-por-verguenza.html

VER PELÍCULA EN LÍNEA: http://www.megavideo.com/?s=seriesyonkis&v=ZJ430Z8M&confirmed=1

2. LAS TORTUGAS PUEDEN VOLAR

Esta película aborda, entre otros temas, el derecho de los niños y las niñas a la educación en situaciones de conflicto bélico.

Sinopsis: En un pueblo del Kurdistán iraquí, en la frontera entre Irán y Turquía, sus habitantes buscan desesperadamente una antena parabólica con el fin de poder estar informados del inminente ataque americano sobre Irak, para el que faltan un par de días... Un joven mutilado, que viene de otro pueblo con su hermana pequeña y el hijo de ésta, tiene un presentimiento: la guerra se acerca más y más.

2004. Irán, Irak. (95 min.) Dirección y guión: Bahman Ghobadi. Intérpretes: Avaz Latif (Agrin), Soran Ebrahim (Kak), Hiresh Feysal Rahman (Hangao), Saddam Hossein Feysal (Pasheo), Abdol Rahman Karim (Rega), Ajil Zibari (Shirko).
Fuente: http://biblioteca.ulpgc.es/noticia_cine_en_la_biblioteca

Trailer de la película

VER RESEÑA DE ESTA PELÍCULA: http://cinedidactica.blogspot.com/2007/02/las-tortugas-pueden-volar.html

VER PELÍCULA EN LÍNEA: http://vepeliculasonline.blogspot.com/2009/05/las-tortugas-pueden-volar-las-tortugas.html

3. NI UNO MENOS

Esta película aborda la deserción escolar en China.

Sinopsis: Aclamado melodrama que narra la historia de una niña de trece años, Wei Minzhi, que se ve obligada a sustituir durante un mes a su maestro, por orden del alcalde, en un pequeño y aislado pueblo de las montañas. El profesor le deja un trozo de tiza para cada día y la promesa de que le dará 10 yuan si ningún estudiante ha abandonado la escuela a su regreso. Sin embargo el revoltoso Zhang Huike abandona la clase para ir a la ciudad en busca de trabajo y la abnegada Minzhi se conjurará para traerlo de vuelta.

1999. China. (106 min.) Dirección: Zhang Yimou. Guión: Shi Xiangsheng. Intérpretes: Wei Minzhi, Zhang Huke. Festival de Venecia: León de Oro.
Fuente: http://biblioteca.ulpgc.es/noticia_cine_en_la_biblioteca

Trailer de la película

VER RESEÑA DE ESTA PELÍCULA: http://cinedidactica.blogspot.com/2010/03/blog-post.html
VER PELÍCULA EN LÍNEA:
http://www.megavideo.com/?s=seriesyonkis&v=K36FDDDY&confirmed=1

4. A LAS CINCO DE LA TARDE

Esta película aborda, entre otros temas, el derecho de la mujer a la educación. Sinopsis: Tras la caída del régimen talibán en Afganistán, se reabrieron las escuelas para las mujeres. Una de ellas pretende dedicarse a la política e incluso llegar a ser algún día presidenta de la República. Pero el burka, las tradiciones y el régimen machista siguen profundamente anclados en la vida social del país.

VER RESEÑA DE ESTA PELÍCULA: http://cinedidactica.blogspot.com/2011/06/las-cinco-de-la-tarde.html

VER PELÍCULA EN LÍNEA: http://www.cinetube.es/peliculas/drama/a-las-cinco-de-la-tarde_espanol-dvd-rip-megavideo-233979.html

5. LA PIZARRA

La Pizarra. Takhté siah/Blackboards
2000. Irán. 85 min.
Dirección: Samira Makhmalbaf.
Guión: Mohsen Makhmalbaf, Samira Makhmalbaf.
Fotografía: Ebrahim Ghafouri.
Música: Mohammad Reza Darvishi.
Montaje: Mohsen Makhmalbaf.
Producción: Makhmalbaf Productions, Fabrica, Rai Cinemafiction, T-Mark
Intérpretes: Saeid Mohammadi, Bahman Ghobadi, Behnaz Jaffari, Mohammad Karim Rahmati Rafat Morad, Mayas Rostami, Saman Akbari

Sinopsis:

Narra el periplo de un grupo de profesores que, tras un bombardeo en el Kurdistán iraní, vagan de una ciudad a otra por las montañas kurdas con una pizarra al hombro, buscando estudiantes a los que enseñar. En su camino encuentran gentes de edades y formas de vida variadas en un esfuerzo para ayudar y compartir sus conocimientos con cualquier persona que está dispuesta a aprender.

La película se desarrolla en el Kurdistan iraní, cerca de la frontera con Irak, donde vaga un grupo de profesores nómadas llevando sus pizarras atadas con correa a la espalda, para protegerse contra un enemigo militar invisible entre el terreno montañoso, a la búsqueda de pupilos con quienes intercambiar educación por sustento. Después de un ataque de un helicóptero del ejército los profesores se separan. Uno de ellos, Said (Saeed Mohamadi), cae entre un grupo de vagabundos de Irak que intentan hacer su peligrosa vuelta a casa. Consigue ganarse la confianza del grupo usando su tablero como transporte para uno de los mayores. Said entonces intenta conseguir la mano de Hahaleh (Behnaz Jafari), la hija del hombre viejo, ofreciendo su tablero como dote. Mientras tanto, su compañero el profesor Reeboir (Bahman Ghobadi) se encuentra entre un grupo de muchachos jóvenes para quienes la educación tiene poco valor. Endurecidos por la cruda realidad de la existencia en las montañas, los muchachos procuran sobrevivir pasando mercancías de contrabando a través de la frontera entre Irak e Irán.

La guerra se mantiene siempre en un segundo plano, pero está omnipresente en el constante ruido de las ametralladoras.

Rodada en Irán, en su gran mayoría con actores aficionados y con imágenes de un bellísimo paisaje agreste, se inscribe en ese estilo «documental de ficción» convertido en la seña de identidad de un amplio sector del cine iraní. Los dos únicos actores profesionales son Bahman Ghobadi y Said Mohamadi.

Premio del Jurado en el Festival de Cine de Cannes 2000.

Trailer de la película

VER RESEÑA COMPLETA SOBRE LA PELICULA:

http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/temaslapizarra.htm

6. La manzana, Sib/The Apple

Ficha técnica:

1998. Irán. 85 min.

Director: Samira Majmalbaf

Ficha técnica:

Guión: Mohsen Makhmalbaf, Samira Makhmalbaf
Fotografía: Mohamad Ahmadi, Ebrahim Ghafori
Música: Philippe Sarde
Montaje: Mohsen Makhmalbaf
Reparto: Massumeh Naderi, Zahra Naderi, Ghorbanali Naderi, Azizeh Muhamadi, Zahra Saghrisaz

Sinopsis*:

Basada en un hecho real. Los padres de Zahra y Massoumeh, dos hermanas gemelas de doce años, las mantienen encerradas en su casa de Teherán desde su nacimiento, alegando que sus hijas son como flores que pueden marchitarse con el sol. Los vecinos denuncian a la Dirección de Asuntos Sociales la dramática situación en la que se encuentran las niñas y el Estado interviene para que puedan salir de la casa. Las hermanas quedarán libres y se enfrentarán a un nuevo mundo totalmente desconocido para ellas.

* http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/temaslamanzana.htm

Trailer de la película

VER PELÍCULA EN LÍNEA: http://www.webislam.com/?idv=1640
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EL ABORDAJE DE LA DISCRIMINACIÓN EN EL CINE

2009-05-05T08:27:00.000-07:00

¿Qué es la discriminación?

La discriminación es un fenómeno que ocurre en las relaciones que se establecen entre diversos sectores sociales, cuyo origen y principal característica es la opinión negativa que un grupo tiene sobre otro. Consiste en actitudes y prácticas de desprecio hacia alguna persona o conjunto de personas a quienes se les valora negativamente y se les ha asignado un estigma social que desemboca en la megación de sus derechos fundamentales y sus oportunidades de desarrollo en condiciones de igualdad. Esas conductas manifiestasm prejuicios que han echado raíces en la colectividad a lo largo de los años, al grado de que la sociedad en su conunto ha reproducido en numerosas ocasiones la discriminación a través de distintas prácticas sociales e incluso por medio de sus normas e instituciones. La discriminación es, por tanto, un mecanismo de exclusión que alimenta y agrava la desigualdad, divide a la sociedad y fomenta el abuso de poder.

Nadie está excento de sufrir discriminación, pero hay grupos que la padecen de manera sistemática y constante. Son los de mujeres, personas con discapacidad, adultos mayores, niñas y niños, comunidades indígenas, m inorías religiosas, personas con preferencias sexuales diferentes a la heterosexual. Al referirse a ellos, es común que mucha gente lo haga con base en estereotipos y prejuicios, lo cual normalmente va acompañado de expresiones descalificadoras, así como de diversas acciones discriminatorias que violan sus derechos fundamentales.

Por todo lo anterior, resulta importante reflexionar acerca de qué es lo que da origen a las opiniones negativas y a las actitudes de desprecio que un grupo tiene sobre otro, sin olvidar tomar en cuenta la imagen que los diferentes colectivos tienen sobre sí mismos, pues quienes discriminan no sólo deterioran la convivencia, sino que muchas veces son también víctimas de la discriminación por parte de otros. De esta manera se forma un círculo vicioso que afecta directa o indirectamente la vida cotidiana de todas las personas.

Los grupos susceptibles de ser víctimas de la discriminación no se reducen a las minorías, como lo demuestra el maltrato y la violación de derechos que día con día sufren millones de mujeres y niños. La discriminación es tan marcada que incluso empleamos conceptos como machismo, homofobia, racismo o xanofobia, que definen la naturaleza del rechazo que algunos grupos sienten hacia otros. En suma, la discriminación es una forma de trato diferente y denigrante, que se expresa en el desprecio hacia personas o grupos y que, termina por disminuirt o negar derechos, libertades y oportunidades de desarrollo a los individuos que la padecen.

El artículo primero de la Constitución Política de los Estados Unidos Mexicanos, establece en su párrafo tercero que: "Queda prohibida toda discriminación ,ptovada por el origen étnico o nacional, el género, la edad, las capacidades diferentes, la condición social , las condiciones de salud, la religión, las opiniones, las preferencias, el estado civil o cualquier otra que atente contra la dignidad humana y tenga por objeto anular o menoscabar los derechos y libertades de las personas.

Sin embargo a pesar de que nuestra Carta Magna es muy clara al respecto, la discriminación es actualmente un problema que sigue afectando a millones de mexicanos...

Fuente del artículo:

CONAPRED (2005). La discriminación en la escuela.p. 1

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Relación de películas en las que se aborda el tema de la discriminación en sus múltiples manifestaciones

1. Algún lugar de Africa, En / Nowhere in Africa / Nirgendwo in Afrika

Director: Link, Caroline
País: Alemania
Año: 2001
Sinopsis:

Película brillante por los matices de psicología, cuidadoso uso de los idiomas de distintas comunidades, la alternancia y mezcla de culturas que se tocan en la diversidad, y por su manejo hábil del punto de vista femenino en la observación de personajes y riqueza visual.

VER RESEÑA COMPLETA:

http://cinedidactica.blogspot.com/2010/03/blog-post_30.html

Trailer de la película

2. Baño, El / Ducha, La / The Shower

Director: Yang, Zhang
País: China
Año: 1999

Sinopsis:

Película del realizador chino Zhang Yang, que se centra en un baño público de Pekín, con sus usos y costumbres, que terminan por convertirlo en un centro vivo de la comunidad donde se respeta a los adultos mayores y a las personas con discapacidad intelectual.

VER RESEÑA COMPLETA:

http://cinedidactica.blogspot.com/2006/02/el-bano-shower-xizao.html

3. Baran

Director: Majidi, Majid
País: Irán
Año: 2002

Sinopsis:

Presenta por una parte la modernidad corruptora e insatisfactoria (la Turquía laica); por el otro, la sociedad de raíces religiosas que vive en forma más natural y satisfactoria a pesar de sus carencias ya que hay solidaridad, familia, amor, sacrificio personal (Irán) sin llegar a los extremos fundamentalistas que niegan la dignidad esencial a la mujer (Afganistán).

VER RESEÑA COMPLETA:

http://cinedidactica.blogspot.com/2007/02/baran-lluvia.html

4. Buda explotó por vergüenza/ Buda explotó de vergúenza

Sonopsis:

http://diariolimonero.blogspot.com/2010/10/buda-exploto-por-verguenza.html

Ser mujer en medio oriente no es fácil, y menos si se trata de expresarse a través del cine. Ese fue el caso de Hana Makhmalbaf, quien arriesgó su vida para filmar y presentar su trabajo a los festivales de cine internacional. El resultado, dar voz a los niños que, víctimas de la guerra, viven en un mundo sin futuro.

Con sólo 19 años de edad, Hana Makhmalbaf se ha hecho de un nombre en el cine independiente gracias a su ópera prima Buda explotó por vergüenza (2007)...

Con tan sólo una cámara, escenarios naturales y niños no actores que desprenden naturalidad y ternura, es como logra Hana Makhmalbaf llevar a la pantalla grande Buda explotó por vergüenza. Una película que muestra la situación de violencia que vive el medio oriente a través de los ojos infantiles.

Lo que más resalta en la cinta es la joven protagonista Baktay, una niña afgana de seis años que de pronto se siente atraída por ir a la escuela. Su objetivo, conseguir un cuaderno y un lápiz, para ello tiene que vender sus pocas posesiones para dar pie a un sueño que le puede costar la vida.

Buda explotó por vergüenza es una historia que muestra, a través de la inocencia la cruel herencia que la sociedad del medio oriente está trasmitiendo a sus futuras generaciones. Y aunque no juzga ni propone, Hana Makhmalbak muestra, de forma muy fina y en tono semidocumental, que la inocencia existe, pero lamentablemente nunca es parte de la época más bella del ser humano, la infancia.

Trailer de la película

VER OTRAS RESEÑAS Y SINOPSIS DE ESTA PELÍCULA:

http://cinedidactica.blogspot.com/2011/06/buda-exploto-por-verguenza.html

VER PELÍCULA EN LÍNEA:
http://www.megavideo.com/?s=seriesyonkis&v=ZJ430Z8M&confirmed=1

5.Ciudad de Dios / Cidade de Deus / City of God

Director: Meirelles, Fernando y Lund, Katia

País: Brasil

Año: 2002

Sinopsis:

La película brasileña es testimonio descarnado y violento de la vida de las pandillas y la falta de oportunidades para los jóvenes en las favelas de Río de Janeiro.

VER RESEÑA COMPLETA:

http://cinedidactica.blogspot.com/2011/06/ciudad-de-dios.html

6. Ciudad, La / The City

Director: Riker, David
País: Estados Unidos
Año: 1998
Sinopsis:

Historias de los inmigrantes que llegan a la ciudad de Nueva York a ganarse la vida en empleos marcados por la explotación. Para ellos, latinos todos, la Urbe de Hierro no es la Gran Manzana sino el territorio agreste y hóstil de encuentros y desencuentros, de esperanza y muerte.

VER RESEÑA COMPLETA:

http://cinedidactica.blogspot.com/2011/06/ciudad.html

7. Color del paraíso, El / Rang-e khoda / The color of paradise

Director: Majidi, Majid

País: Irán

Año: 1999

Sinopsis:

Mohammed es un niño ciego, de fina sensibilidad. Su padre viudo quiere casarse de nuevo y la presencia de su hijo ciego podría impedírselo. El padre duda y tiende a deshacerse del hijo con discapacidad visual porque le estorba.

VER RESEÑAS COMPLETAS DE ESTA PELÍCULA:
http://cinedidactica.blogspot.com/2011/06/el-color-del-paraiso.html

VER PELÍCULA EN LÍNEA:
http://www.webislam.com/?idv=1032

8. Corazón de luz / Qaamarngup uummataa / Heart of Light

Director: Gronlykke, Jacob
País: Groenlandia
Año: 1998

Sinopsis:

El conflicto entre modernidad y Tradición en Corazón de Luz está planteado en forma clara y sencilla. La fuerza que tiene la cinta al mostrarlo es que el personaje central es imperfecto: no es una tipología de personajes los que enseña el director Gronlikke. Ambas posiciones están encontradas pero sus representantes sufren, tienen cambios, y comparten rasgos de modernidad y tradición dentro de si mismos y en sus acciones.

VER RESEÑA COMPLETA:

http://cinedidactica.blogspot.com/2011/06/corazon-de-luz.html

9. Descubriendo la amistad/The station agent

Ficha técnica:

SenArt Films, 2003

88 minutos

Dirigida y escrita por Thomas McCarthyEditada por Tom McArdle

Elenco: Peter Dinklage: Finbar McBrida; Patricia Clarkson: Olivia Harris: Bobby Cannavale; Joe Oramas; Michelle Williams: Emily; Raven Goodwin : Cleo; Paul Benjamin: Henry Styles y Joe Lo Truglio: Danny

Reseña:

"Descubriendo la Amistad" muestra las curiosas circunstancias por las que tres personas empiezan a crear lazos afectivos, a pesar de que diversas circunstancias los han relegado a la periferia de la sociedad. Así tenemos a Fin (Peter Dinklage), un acérrimo aficionado a los trenes, cuyas deficiencias físicas lo han convertido en una persona solitaria y taciturna. Pero cuando Fin hereda una derruida estación ferroviaria en un pequeño pueblo, entra en contacto casi accidental con Olivia (Patricia Clarkson), una mujer torturada por la reciente muerte de su hijo; y con Joe, un parlanchín vendedor de café, temeroso de la soledad y excesivamente gregario. Así el trío comienza una frágil amistad cuyo principal obstáculo se manifiesta en los conflictos e inseguridades internas de los personajes.

Fuente: http://www.cinencanto.com/critic/p_station.htm

VER RESEÑA COMPLETA DE LA PELÍCULA:
http://cineforoinclusion.blogspot.com/2009/01/descubriendo-la-amistad.html

10. El caballo de dos piernas

La crueldad infantil como una metáfora de la tiranía social.

Ficha técnica:

Dirección: Samira Makhmalbaf.
País: Irán.
Año: 2008.
Duración: 101 min.
Género: Drama.
Interpretación: Ziya Mirza Mohamad, Haron Ahad, Gol Gotai Karimi, Khojeh Nader, Yasin Tavildar.
Guión: Mohsen Makhmalbaf.
Producción: Samira Makhmalbaf.
Música: Tolibkhon Shahidi.
Fotografía: Farzad Jodat.
Montaje: Mohsen Makhmalbaf.
Diseño de producción: Akbar Meshkini.
Estreno en España: 22 Mayo 2009.

Crítica a la película

Por: Gonzalo Restrepo Sánchez (Film critic. Barranquilla, Colombia)

Fuente: http://www.filmaffinity.com/es/reviews/1/995622.html

Los Makhmalbaf son una familia de cineastas. La hermana mayor de Hana, Samira, nos presenta ahora “El caballo de dos piernas” (“Asbe du-pa”), ayudada por el padre, Mohsen, un productor y director de gran prestigio en Irán. Los dos protagonistas del film son auténticos mendigos de las calles de Afganistán (donde Makhmalbaf se vio obligada a rodar porque en Irán se lo habían prohibido).

La historia (y sin querer introducir el elemento político), algo así como el más privilegiado en medio de la pobreza, resulta ser la metáfora (el tirano niño jinete y otro disminuido psíquico contratado como un caballo de dos patas) acerca de las desgracias de quienes no tienen nada, pero que, existen otros más infelices, entre quienes no se tienen piedad, pero que ambos, absurdamente constituyen el desamparo y la amargura, de quienes nunca tendrán nada y no habrá preguntas a uno mismo acerca del sentido de la vida.

Así de real resulta esta película más bien cargada de reflexiones de la niñez en la pobreza, que por momentos el relato resulta reiterativo. Si bien algunas veces se está a favor de historias que cuenten una realidad social, con una cámara bien incisiva, creo que en esta oportunidad, el espectador sale de la sala de cine con cierta congoja. Y es que si la vida tiene momentos difíciles, para otros (imagínese si es niño) resulta ser “la eternidad y un día”.
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Trailer de la película

VER RESEÑA DE LA PELÍCULA: http://cinedidactica.blogspot.com/2011/06/el-caballo-de-dos-piernas.html

VER PELÍCULA EN LÍNEA: http://www.megavideo.com/?v=HSMSMEQ8

11. El circo de la mariposa

Ver cortometraje

12. El lobo de los cuentos (documental)

13. Enemigo, querido enemigo / Concorrenza sleale

Director: Scola, Ettore
País: Italia
Año: 2001

Sinopsis:

La visita de Hitler acelera en Italia la adopción de las leyes racistas contra los judíos, promulgadas en Nuremberg en 1935, que los marginó por completo de la vida política, económica y artística. Scola muestra EN los detalles cotidianos, las situaciones que pasan día a día, CÓMO estas leyes y su aplicación envenenan la vida diaria poco a poco hasta hacerla insoportable.

VER RESEÑA COMPLETA:

http://cinedidactica.blogspot.com/2011/06/enemigo-querido-enemigo-concorrenza.html

14. Gran Dictador, El / The Great Dictator

Director: Chaplin, Charles
País: Estados Unidos

Año: 1940

Sinopsis:

Es una crítica feroz del nazismo y del fascismo, por medio de la burla despiadada de Hitler y Mussolini. El Gran Dictador es un clásico por su contenido y por algunas secuencias donde el arte cómico de Chaplin sigue vivo.

VER RESEÑA COMPLETA: http://cinedidactica.blogspot.com/2011/06/el-gran-dictador.html

VER FICHA TÉCNICA E INDICACIONES PARA SU MANEJO DIDÁCTICO:
http://www.edualter.org/material/pau/dictadore.htm

15. Las hijas del camino

16. Lejos de casa / Bread and Roses

Director: Loach, Ken
País: Reino Unido
Año: 2000

Sinopsis:

Loach capta con precisión la cultura fronteriza, la que oscila entre el español y el inglés, la que sufre entre la corrupción a la mexicana de los polleros y la gandallez disfrazada de ciertos sectores anglosajones anglosajones.

VER RESEÑA COMPLETA:

http://cinedidactica.blogspot.com/2011/06/lejos-de-cas.html

17. Lugar en el corazón

Ficha técnica:

Lugar en el corazón, Un / A la place du coeur

Director: Guédiguian, Robert
País: Francia
Año: 1998

Sinopsis:

Presenta la cotidianeidad y el detalle fino del racismo. A partir de una anécdota sencilla y común, se muestra un retrato de los mecanismos sociales que diariamente se aplican para vivir el racismo de una manera sútil y, a veces, despiadada.

18. Malena

Ficha técnica:

Director: Tornatore, Giuseppe

País: Italia
Año: 2000

Sinopsis:

Deja en evidencia los crueles mecanismos sociales de la discriminación que afectan a una mujer por el simple pecado de ser bella. Se le niega trabajo, se les aísla y se le obliga a prostituirse por hambre.

19. Mi nombre es Joe / My name is Joe

Ficha técnica:

Director: Loach, Ken

País: Reino Unido

Año: 1998

Sinopsis:

Los personajes muestran los daños que la crisis económica y el desempleo causan en la vida de todos, incluida la del espectador, que se reconoce en varios momentos.

20. Muchachos no lloran. Los / Boys don´t cry

Ficha técnica:

Director: Peirce, Kimberly
País: Estados Unidos
Año: 1999

Sinopsis:

Extraordinario film que confronta y sacude al espectador al narrar un sincero amor entre mujeres. Se adentra también en las peores manifestaciones de la lesbofobia.

21. Ni uno menos / Yi ge dou bu neng shao / Not one less

Ficha técnica:

Director: Yimou, Zhang
País: China
Año: 1999

Sinopsis:

La cinta es fresca y eso permite que sus valores sociales encarnados a través de los niños y la maestra adolescente Wei sean aceptados por la mayoría de los espectadores, que salen con buen sabor de boca luego de la exhibición de la cinta de Yimou.

22.Niños de Kosovo / Deza Femujet Kosovo 2000 / Children Kosovo 2000

Ficha técnica:

Director: Moldoványi, Ferenc

País: Hungría

Año: 2001

Sinopsis:

El punto de partida de todas las narraciones de estos niños y adolescentes es la llegada de la milicia serbia a Kosovo en misión de "limpieza étnica". No se recrea ninguna acción, el terror y el miedo que causa el recuerdo está aún vivo en los rostros infantiles.

23. Osama

Ficha técnica:

Director: Barmak, Siddiq

País: Afganistán

Año: 2003

Sinopsis:

Marca el hecho de que se puede perdonar el genocidio fundamentalista islámico contra las mujeres en ese país, pero no olvidar los hechos acontecidos contra ellas -discriminación, crímenes de odio, ejecuciones, enclaustramiento- por el simple hecho de ser mujeres.

24. Pauline y Paulette

Ficha técnica:

Director: Debrauwer, Lieven

País: Bélgica

Año: 2001

Sinopsis:

Pauline, una señora de 66 años con discapacidad intelectual, vive el día a día y muestra que tiene sus propios recursos y cuenta con su propia fuerza de voluntad.

25. Pianista, El / The Pianist

Ficha técnica:

Director: Polanski, Roman

País: Francia

Año: 2002

Sinopsis:

Es el film que con más detalle ha recreado la creación del Ghetto de Varsovia. Desde la salida de la gente de sus casas hasta el hacinamiento en el ghetto bardeado, Polanski toma a la familia Szpilman y a Wladyslaw como los representantes y observadores de los sufrimientos de la comunidad judía polaca en dicho lugar

26. Promesas / Promises

Ficha técnica:

Director: Shapiro, Justine Shapiro, Goldberg, B. Z. y Bolado, Carlos

País: Estados Unidos

Año: 2001

Sinopsis:

Siete niños encarnan un espectro social de las sociedades israelita y palestina: reflejan distintas posturas y grupos al interior, junto con los mecanismos de discriminación por creencia religiosa y grupo nacional.

CONTINUAR CON:

DISCRIMINACIÓN POR GÉNERO Y VIOLENCIA CONTRA LAS MUJERES

LA DISCAPACIDAD EN EL CINE

DIVERSIDAD SEXUAL

DIVERSIDAD Y LIBERTAD SEXUAL

2009-05-05T06:02:00.000-07:00

Artículo:

Un rostro en la oscuridad del silencio

Por: Jorge Luis Lanza Caride

Fuente: http://www.momarandu.com/amanoticias.php?a=7&b=2&c=101191

(...) La representación de la homosexualidad en el cine latinoamericano en comparación con otras minorías ha sido un tema bastante abordado en la cinematografía de nuestra región, lo cual no significa que éste haya tenido el tratamiento adecuado desde sus múltiples expresiones: homosexualidad, bisexualidad, lesbianismo, entre otras posibles miradas.

Tampoco existen abundantes textos que se acerquen a esta temática con sus evidentes complejidades y heterogéneas aristas. No es mi intención realizar un análisis sobre la historia del cine gay en la Latinoamérica, sino más bien realizar un modesto acercamiento sobre tan sensible tema, y de esa manera intentar demoler los múltiples estereotipos existentes en torno a algunos filmes que han abordado esta expresión de la sexualidad humana. He seleccionado para iniciar mi análisis la cinta No sé lo digas a nadie (1998), del destacado realizador peruano Francisco Lombardi (La ciudad y los perros, Mariposa negra), basada en la obra homónima del escritor Jaime Bayly.

A diferencia de otras cintas que muestran la exclusión e intolerancia que son objeto continuamente los homosexuales, No sé lo digas a nadie devela cómo el sujeto gay en una sociedad homofóbica se obligado en muchas ocasiones a reprimir su identidad, lo cual lo conduce como es lógico a experimentar un conflicto existencial generado por la exclusión y presión de una sociedad homofóbica e intolerante. Salir del clozet es el término que se utiliza en la jerga del mundo gay para identificar a aquellas personas que deciden asumir públicamente su preferencia sexual, he ahí la principal virtud de esta cinta que dramatiza la naturaleza de este conflicto.

Para Rufo Caballero: “El discurso de la película desnuda la condición social acerca de la homosexualidad como desvío y la necesidad de corregir esa aberración identitaria. No dibuja la sublimación de un gran amor homosexual, sino que relata la historia de un personaje al que los ultrajes y las decepciones no le permiten amar desde su condición y decide entonces convenir en el juego de la doble moral.”

No sé lo digas a nadie cuenta la historia de Joaquín, joven perteneciente a una familia acaudalada en el Perú contemporáneo, quien se debate entre dos caminos: defender su identidad gay con todos los obstáculos que dicha postura implica en una sociedad excluyente y homofóbica como la descrita por Lombardi en esta cinta, o sumarse al juego de la dualidad moral para satisfacer de se modo no sólo las expectativas de dicha sociedad, sino también las exigencias de una familia que defiende el patrón heterosexual burgués, esquema que siempre han defendido muchas sociedades en todas las latitudes de este mundo.

En ese devaneo moral Joaquín tendrá que sentir el peso de la exclusión mientras intenta vivir libremente su pasión sexual, su existencia roza los límites de lo socialmente aceptado.

Conmovedora resulta la escena en que Joaquín le revela a sus padres su preferencia sexual con toda la valentía que tal acto implica.

Otra cinta donde el abordaje del tema gay posee un matiz peculiar aunque no exenta de lugares comunes es El beso de la mujer araña (1986), del brasileño Héctor Babenco (Carandirú, Pixote), basada en la novela homónima del escritor Manuel Puig y la cual aborda la amistad entre dos seres totalmente diferentes pero hermanados por su confinamiento en prisión, uno es homosexual y vive sujeto a ese mundo de fantasía que ha inundado Hollywood en su mente, y el otro es un militante comprometido con la izquierda en el Brasil contemporáneo. La contraposición de caracteres viene a ser el toque que le confiere la originalidad a la cinta, al mostrar con un enfoque humanista la relación entre dos individuos distintos pero similares no sólo por encontrarse privados de su libertad, sino por formar parte de la diferencia, el primero por su orientación sexual y el segundo por su posición política.

Entre los grandes valores que posee la esta cinta se encuentra su originalidad al abordar la diversidad sexual a través de dos personajes con preferencias sexuales distintas, el sujeto gay y el heterosexual, relación que se consolida en condiciones límites de la existencia humana, y pese a las diferencias entre ambos seres prevalece la aceptación de esas diferencias.

En ese sentido El beso de la mujer araña viene a ser un canto fílmico a la tolerancia desde una propuesta estética inédita en el cine de la región, es decir, el llamado cine dentro del cine, recuérdese que Molina, el protagonista de esta sublime historia, fascina a su compañero de celda con relatos emanados de clásicos de la historia del cine, a través de imágenes que identifican la fantasía cinéfila de este sujeto, recurso visto años después en los filmes Cinema Paradiso (1989), del italiano Giusepe Tornatore, y Los soñadores (2000), de Bernardo Bertolluci.

De cierta manera el filme se antecede a la cubana Fresa y chocolate (1993), de los realizadores Tomás Gutiérrez Alea y Juan Carlos Tabío, debido a que ambas cintas apuestan por el respeto a las diferencias en sus diferentes variantes, no sólo la sexual, sino también la importancia de reconocer las diferencias de pensamiento, tan cercenadas en nuestro continente por dictaduras militares y gobiernos populistas.

El beso de la mujer araña no sólo trascenderá por la profundidad del tema, sino por el excelente desempeño de William Hurt al encarnar a Molina, cuya interpretación logra impregnarle a su personaje una intensidad dramática sin precedentes en la historia del cine gay, sólo comparada por Tom Hanks en Filadelfia (1992), de Jonathan Denme, la citada Fresa y chocolate, y Antes que anochezca (2000); de Schnabel, donde el varonil Javier Barden interpreta majestuosamente al escritor cubano Reinaldo Arenas, quien murió en New York en 1990.

Los filmes mencionados corroboran lo expuesto por los críticos Joel del Rió y María Caridad Cumandá al afirmar que “ a partir de los años ochenta, hasta adentrado el siglo XXI, no pasa un año sin que se estrenen diez o veinte cortos o cortometrajes, documentales o ficciones de tema gay, en una suerte de avalancha que ha conseguido poner de moda el asunto, según existe en los diversos países y culturas. La crítica internacional reconoce que por primera vez en la historia existe una presencia sustantiva de gays y lesbianas en las pantallas.”

Lamentablemente lo que más ha lastrado el abordaje de esta temática en la gran pantalla es la excesiva representación derrotista del gay al mostrarlo como sujeto usualmente asociado a la marginalidad, la exclusión, el sufrimiento y hasta la misma muerte desde la irrupción del flagelo del SIDA, enfermedad que indiscutiblemente ha causado más estragos en este grupo social por ser el más vulnerable.

Con la entrada del nuevo milenio aparecen cintas que exponen un tratamiento diferente y renovador en el abordaje del tema, tales como la mexicana Y tú mamá también (2001), del realizador Alfonso Cuarón, la cual contó con las interpretaciones de Gael García Bernal, Diego Luna y la española Maribel Verdú.

Aunque esta cinta se ubica dentro del llamado género road movies, su contribución al tema estiba en abordar la iniciación sexual de unos jóvenes pertenecientes a la cúspide social de la sociedad mexicana que en su afán por descubrir los misterios del placer sexual se enfrentan a sus propias dudas y confusiones desde un prisma psicológico que tiene su culminación en ese brusco e inesperado beso que ambos se dan en un inesperado desenlace, último encuentro que se produce en la vidas de los protagonistas de esta singular historia con aires postmodernistas, al recurrir a recursos narrativos rupturitas.

La colombiana La virgen de los sicarios (2000), dirigida por el franco iraní Barbet Schroeder e inspirada en la novela homónima del escritor Fernando Vallejo ofrece una mirada distinta en el abordaje del tema gay. Aquí la homosexualidad convive con la violencia y la marginalidad de la Colombia contemporánea. El protagonista de esta singular historia, Fernando Vallejo, luego de varios años de exilio regresa a su Medellín natal y encuentra el amor en un inescrupuloso joven sicario que no vacila un segundo para entregarse al crimen con la misma frialdad que se entrega al sexo con su amante devenido escritor y protector.

Una virtud de esta cinta radica en la capacidad de su realizador para mostrar la contraposición de caracteres. Por un lado Alexis se muestra despiadado y vulgar, y por otro compasivo y hasta mantiene una cuota de ingenuidad y candidez aún no perdida pese a la crueldad del medio en que se desenvue día a día.

Hay una escena paradigmática en este sentido, es aquella en que Fernando y Alexis se encuentran a un perro que agoniza en una pestilente alcantarilla de la urbe colombiana y éste es incapaz de matarlo haciendo evidente su compasión. La virgen de los sicarios tiene como antecedentes las cintas Los olvidados (1950), de Luis Buñuel, La vendedora de Rosas (1997), del colombiano Víctor Gaviria, las venezolanas Sicario (1993), de José Novoa y Huelepega, la ley de la calle, de Elia Schneider, filmes pertenecientes a una estética que se tornó retórica y excesiva en la cinematografía de la región en la década del noventa, recibiendo el calificativo de cine de la pornomiseria.

Otras cintas que revelan otras realidades del mundo gay son las brasileñas Carandirú, del realizador Héctor Babenco, y Madam Satá, de Karin Ainouz. Precisamente la cinematografía brasileña es la que mejor ha abordado el tema en la región desde una mirada satírica pero no maniqueísta.

La historia de Carandirú está ambientada en el mundo carcelario revelándonos a la vez aristas no muy exploradas por los realizadores latinoamericanos, como la presencia de las relaciones gay en una superpoblación penal terriblemente masacrada en la década del noventa y demolida poco tiempo después como estrategia del mismo gobierno brasileño para evadir evidencias de su responsabilidad en ese trágico suceso ocurrido en una zona de la realidad convertida en reservorio de exclusiones.

Carandirú constituye el rostro oculto de la sociedad brasileña, imagen que eluden sus gustadas telenovelas, especie de postales para turistas. La representación de la homosexualidad en la cinta elude esos enfoques simplistas y caricaturescos que han caracterizado otros filmes realizados anteriormente en relación al tema, al mostrarnos los matices inherentes que posee el no menos complejo micromundo carcelario, desde la homosexualidad asumida en el personaje de Lady Di hasta la bisexualidad latente en Barba, quien por un lado acepta tener relaciones sexuales con otros compañeros de celda y lo vemos luego junto a su esposa e hija el día de la visita. El travestismo como parte de esa otredad también está abordada en el filme, con la materialización simbólica de un matrimonio gay, algo sin precedentes en el cine latinoamericano.

En el caso de Madamae Satá nos encontramos que el protagonista del filme es un homosexual que se mueve entre el submundo marginal, con toda la violencia que éste trae aparejado, el travestismo, y cierta dosis de dignidad reunidos en un personaje totalmente distinto a los interpretados por otros actores que han encarnado el sujeto gay, pues entre los disímiles valores estéticos que posee el filme, nadie puede cuestionar que resalta la excelente interpretación del actor Lázaro Ramos al encarnar a esta peculiar figura que vivió en la década del treinta del siglo pasado, época donde los homosexuales eran totalmente discriminados, siendo la homosexualidad reprimida la válvula de escape para algunos, expresión de la sexualidad que continúa hasta hoy con toda la supuesta liberación que la postmodernidad pregona. “Las figuras del negro, el preso, el homosexual, la prostituta y el emigrante, son algunos de los principales emblemas de la alteridad que marcan a diario el entorno latinoamericano. Si antes no era tema central, hoy en día no puede concebirse buena parte del cine brasileño, ni de casi ningún otro lugar del mundo, sin el sujeto de la alteridad como centro.

La aceptación de la otredad requiere de un pensamiento multicultural y plural. En la actual condición postmoderna la otredad ya no será más ese rostro oculto y silenciado, sino todo lo contrario, ese rostro que se ha revelado contra todas las formas de exclusión que ejercieron los totalitarismos hegemónicos del siglo XX, ya no son voces que sufren en silencio, sino voces que han adquirido identidad propia. No aludo sólo a los gay, travestís y lesbianas, sino un grupo más amplio conformado por negros, emigrantes, drogadictos, marginales, entre otros. Para un estudioso del tema como el crítico de cine cubano Frank Padrón: “La otredad erótica ha encontrado en el arte, la fuerza centrípeta que los destapes postmodernos y las legitimaciones científicas le han aportado, dentro de tales revisiones y revisitaciones, el cine ha sido como siempre, un prodigioso testigo de excepción.”

LAS RELACIONES LESBICAS

El tema de las relaciones lésbicas ha sido el menos tratado hasta la fecha en la cinematografía de la región, generalmente desde acercamientos tímidos que no abordan de manera explicita esta expresión de la diversidad sexual (...) tendencia que podemos apreciar en los filmes de corte biográfico Frida, naturaleza viva (1985), de Paúl Leduc, pero no sería hasta la versión de Frida, de Juli Taymor, que vemos profundizar en esta arista de la vida de la gran controvertida pintora mexicana.

Otra cinta donde se aprecia el tratamiento lésbico es en la argentina Yo, la peor de todas (1990), de la desaparecida María Luisa Bemberg, sobre la vida de la poetisa mexicana Sor Juana Inés de La Cruz, cuyas relaciones homoeróticas hasta la realización de este filme había sido un aspecto inédito en torno a su vida.

En los últimos ya se aprecia mayor visibilidad en el abordaje del tema, en cintas como la brasileña Nosotras que nos amamos tanto ( 2001), de Daniel Filho, las argentinas La ciénaga ( 2001), de Lucrecia Martel, Tan de repente (2002), de Diego Lerman, Leonera (2008), en la cual su realizador Pablo Trapero se sumerge en el universo carcelario femenino al mostrarnos la relación entre dos mujeres ávidas de afecto y unidas por la hermandad en un medio tan hostil como las cárceles para hombres, La reina de la noche (1993), del mexicano Arturo Ripstein y Mariposa negra, del peruano Francisco Lombardi, aunque ésta última la homosexualidad femenina no es su tema central, sino más bien se deriva de la historia de una muchacha que para lograr su objetivo de vengar la muerte de su novio en el corrupto Perú del gobierno de Alberto Fujimorí accede a tener una relación lésbica con tal de penetrar el reducido círculo de Vladimiro Montesinos, quien fuera el Ministro de Inteligencia de Fujimorí hasta la caída de éste luego del sonado caso de los vladivideos. Mariposa negra, al igual que otros filmes realizados por este gran cineasta peruano, devela una sociedad asfixiada por la corrupción política y la degradación moral, aspectos que han sido constantes en su obra.

Aún así el tema lésbico continúa siendo muy poco abordado por nuestros realizadores, los cuales muchas veces ya sea por tabú o falta de dominio del asunto no lo enfocan con la profundidad requerida. Quizás la explicación del exiguo tratamiento que éste ha tenido en el cine latinoamericano se deba a una cuestión de género, pues la gran mayoría de los cineastas en nuestra región son hombres, y sería necesario mayor presencia de mujeres realizadoras en la gran pantalla para que así la perspectiva en el abordaje del tema lésbico sea desde la propia óptica de la mujer, lo cual no excluye que los hombres puedan ofrecer una visión correcta e inteligente en sus propuestas fílmicas.

Indudablemente, “todavía la imaginería fílmica sobre la homosexualidad se mantiene sujeta en estos países al signo de lo escabroso y la mayoría de las obras resultantes continúa aferrada a la timidez, los circunloquios, las fobias más o menos solapadas de sus realizadores.”

Pese al avance manifestado en los últimos años en el abordaje de la temática gay en el cine latinoamericano, ésta aún continúa lastrada por estereotipos y clichés en su tratamiento. El tema demanda aún de un abordaje más serio y riguroso, desde la condición postmoderna con toda la alteridad que ésta implica.

Notas:

Caballero, Rufo. Un pez que huye. Editorial Arte y Literatura, La Habana, 2007 p. 74-75

El lector que desee profundizar más en relación a esta cinta lo remito a mi otro ensayo titulado En el lente del otro: la imagen de Cuba en el cine norteamericano, que forma parte de un libro inédito que lleva por título Cine Cubano: una radiografía crítica. sociedad.

Cumaná, María Caridad, del Río Joel. Latitudes del Margen. Ediciones ICAIC, La Habana, 2008 p. 112

Recomiendo al lector de este articulo el visionaje del documental El celuloide oculto (1995), de los realizadores norteamericanos, basado en el libro de Vito Russo, el cual muestra los estereotipos que han acompañado históricamente el tratamiento del tema gay en el cien norteamericano a lo largo de su historia.

Véase el libro Un pez que huye, del ensayista y crítico de cine Rufo Caballero, quien realiza un minucioso análisis de los citados filmes.

Recomiendo al lector-cinéfilo que desee profundizar en el tema del travestismo, dada la complejidad del asunto, la lectura del ensayo El cuerpo del otro: Sida, androginia, travestismo y homo-bi-transexualidad en el cine contemporáneo, que aparece en el libro Más allá de la linterna. Editorial Oriente, Santiago de Cuba, 2001, del crítico y ensayista Frank Padrón Nodarse.

Zarza, Zaira. De héroes y heroínas: los personajes del cine brasileño contemporáneo. En: Revista Cine Cubano, No. 172 / abril-junio 2009 pp. 95

Más allá de la linterna, Ob, Cit. pp. 39-40 // Latitudes del Margen, Ob, Cit, p. 113 Profesor y crítico de cine.

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Cine, homosexualidad y Hollywood

Por: Francisco Peña

Fuente: http://cinevisiones.blogspot.com/2008/12/cine-homosexualidad-y-hollywood.html

Un planteamiento de este tipo me hizo recordar de inmediato a Virginia Woolf, que en su excelente y divertido ensayo Una habitación propia, se hacía la misma pregunta con respecto a la combinación de mujeres y ficción. La respuesta en ambos casos es que el tema es muy amplio.

¿Cuál debe ser el camino para plantear algo coherente con respecto al cine y la homosexualidad? Las relaciones que se establecen entre los dos términos son muy variadas. Se podrían tocar muchos aspectos como:

La visión de la homosexualidad por parte de directores homosexuales o heterosexuales en su práctica sexual y si la diferencia se refleja en pantalla.
La visión que presenta el cine de la homosexualidad y las modalidades sociales en que se manifiesta.
Las particularidades que las cintas presentan de la homosexualidad femenina y masculina.
El trato que las industrias han dado a sus elementos homosexuales que trabajan dentro de ellas.
La imagen -oculta o abierta- de los actores y actrices homosexuales y cómo modifica su trabajo actoral, etc.
En forma muy generalizada, podemos decir que cuando se presentaba la homosexualidad en el cine había tres vías principales en su expresión hollywoodense (con honradas excepciones):

El homosexual atormentado y castigado directamente por su conducta sexual.
El homosexual como objeto directo de burla social, practicada en la comedia.
El artista homosexual a su pesar, cuando se tocaban biografías de personajes reconocidos como homosexuales.

Cine y homosexualidad tienen tantas posibles relaciones que sólo tocaré dos posibilidades, referidas a la Meca del Cine: Hollywood.

1. Las películas

Hollywood, entendido como el centro de producción cinematográfica más importante del mundo, siempre ha ido a la zaga en el tratamiento del tema de la homosexualidad y, además, se ha desecho de los artistas que han tenido esta elección de ida sexual, sea en silencio o en medio de escándalos.

Hollywood gira siempre alrededor de los grandes estudios de la producción, que por razones económicas, han evitado el tema, o han ocultado la conducta sexual de sus estrellas. Este texto abordará, en su primera parte, las películas, los productos de Hollywood que tocan el tema de la lesbiana y el homosexual.

Las grandes productoras de Hollywood han usado el sexo como un anzuelo para incrementar sus ganancias, pero siempre han manejado el tema desde una perspectiva heterosexual. En la década de los años 20 se había llegado a un alto grado de exposición de la sensualidad humana, por lo que las clásicas organizaciones civiles WASP (blancos, anglosajones y protestantes) ejercieron una gran presión social contra las cintas con imágenes eróticas.

El resultado fue que la industria cinematográfica adoptó por voluntad propia un código de conducta que incluía autocensura en temáticas sexuales. Se trató del famoso Código Hays. Si antes no habÌa presencia de temática homosexual en las pantallas, con el Código se tapó cualquier posibilidad de presenciarla en forma abierta en pantalla.

Sólo en contadas ocasiones se dejaban ver personajes o relaciones homosexuales, y se usaban formas muy indirectas de presentación. Un ejemplo clásico es la presencia en El Halcón Maltés (1941), de John Huston, del personaje de Mr. Cairo, actuado por Peter Lorre. En la cinta se observa un personaje que connota su homosexualidad por medio de tics de conducta, manejo alterado de la voz, vestuario y otra serie de índices que conducían al espectador a decodificar al personaje como homosexual.

Otro ejemplo es la cinta de cine negro Fuerza Bruta (1947), de Jules Dassin. Allí, un sádico con tendencias musicales, golpea a sus víctimas escuchando ópera.

Estos rasgos cinematográficos marcaban a los personajes homosexuales. Alguien oía ópera y esto era suficiente para connotarlo como homosexual.

Las productoras de Hollywood manejaron peyorativamente estos estereotipos visuales durante muchos años. Además, confinaron al personaje homosexual en papeles narrrativos débiles, en ambientes francamente negativos. En la mayoría de los casos el homosexual o la lesbiana eran personajes de cartón, sin ninguna dimensión humana y claro, su problemática como ser humano estaba ausente o era distorsionada sin ambajes.

Esta imagen siniestra se promovió hasta mediados de la década de los 50. En ese momento, las grandes compañías sufrieron un desmantelamiento por considerarseles monopólicas. De hecho, este cambio económico llevó aparejada la desaparición del Código Hays.

Pero Hollywood se escudó en su clásico razonamiento. Como sus productos van dirigidos a un amplio público, la temática homosexual tratada seriamente puede espantar a esa audiencia general, lo que repercutiría en pérdidas económicas. No había, pues, según este argumento, un mercado homosexual que atender, y se trata de conservar el mercado amplio que las producciones hollywoodenses buscan casi siempre.

Pero, enmedio de los cambios, la temática homosexual se presentó primero en la comedia. Se recuerdan personajes homosexuales u hombres vestidos de mujer que aparecían en pantalla en comedias. Pero el trato general era semejante al de las pocas cintas dramáticas que rozaban el tema: tics de conducta, manejo de voces chillonas, etc. Los mismos arquetipos con el agravante de que el homosexual era el centro de la burla del resto de los personajes. Era considerado el personaje ideal para lo que los productores hollywoodenses llaman "comic relief": pausa o momento cómico para destrabar un argumento y dar descanso al público.

Pero la misma dinámica social llevó a Hollywood a cambiar. En la década de los 60 comenzaron abiertamente varios movimientos sociales por derechos civiles, entre los cuales se encontraba el homosexual. Hollywood despertó un día para descubrir que el mercado, que su audiencia, se había segmentado. Ahora tenía que atender a negros, hispanos, hippies, lesbianas, homosexuales, chicanos y otras minorías que reclamaban su sitio social y un lugar serio y real en las pantallas de cine.

Sandy Dennis

El rompimiento inicial se dio en el ámbito de narraciones sobre lesbianismo. Se recuerdan al menos dos cintas que marcaron tímidamente la ruptura. La primera es The Fox (1968), de Mark Rydell, con Sandy Dennis y Ann Heywood, basada en la noela de D. H. Lawrence. El planteamiento de la relación lesbiana se rompe por la presencia del personaje masculino -Keir Dullea-. Pero ya hay un enfoque más serio aunque con la salida final hacia la heterosexualidad de uno de los personajes femeninos.

La otra cinta también es de 1968: The Killing of Sister George. La cinta, dirigida por Robert Aldrich, cuenta con las actuaciones de Beryl Reid y Suzannah York. La historia aun se mueve entre truculencias, pero ya se narra una relación abiertamente lesbiana.

Mientras Hollywood aceptaba películas más bien independientes para tocar el tema del lesbianismo, el cine europeo se hallaba a años luz de distancia en madurez y arte en el tratamiento del tema de la homosexualidad. Baste recordar la obra de Luchino Visconti y Muerte en Venecia para ver los parámetros y el abismo que diferenciaba ambos tipos de cinematografía. Muerte en Venecia es la historia de amor homosexual por excelencia, con todo el arte que Visconti era capaz de poner en pantalla.

Pero los grupos militantes de homosexuales y lesbianas, asÌ como los simpatizantes liberales, fueron creando masa crítica social dentro de la sociedad estadunidense como para abrir finalmente espacios de expresión amplios y sólidos de expresión propia.

Hollywood se resistió a aceptar este hecho por muchos años, y buscó darle la vuelta con películas de calidad pero que no enfrentaban la problemática homosexual en forma directa, y aun se resiste a hacerlo con su argumento económico sobre la gran audiencia. Pero también tenía ya un público real que reclamaba que la problemática de su elección de conducta sexual se reflejara en la pantalla.

Algunos productores, con valentía, decidieron abordar la homosexualidad con respeto, con verosimilitud, y crear personajes complejos, humanos y reales. El camino de reivindicación que comenzó en la década de los 70 culminó finalmente en la mismisima entrega del Oscar, el aparador donde Hollywood autorreconoce lo mejor de su producción.

La punta del iceberg fue Philadelphia / Filadelfia (1993), de Jonathan Demme, con Tom Hanks y Denzel Washington. El guión fue de Ron Nyswaner.

Haya o no acuerdo sobre la forma en que la pelìcula presenta la homosexualidad, Filadelfia resume 25 años de lucha dentro y fuera de la industria hollywoodense. El hecho de que barriera con los Oscares destacando el de Mejor Película y Mejor Actor, indicó que el clima social y el de la industria había sufrido un cambio. Los 90 no son los 30.

Tocaba un problema angustiante para la comunidad homosexual: el SIDA. Pero no era una condena moral del personaje. Al contrario, Tom Hanks encarnó a un hombre con luces y sombras, con virtudes y defectos pero, sobretodo, con un enorme deseo de vivir y gozar de la vida aun enmedio de una sentencia de muerte. Este personaje homosexual era inédito en el cine hasta la aparición de Filadelfia.

El cine hollywoodense continúa con sus homosexuales de comedia por cuestiones comerciales, pero las cosas ya no son las mismas. La corriente realista y respetuosa que coronó Filadelfia siguió adelante en cintas como Boys don't cry / Los muchachos no lloran, de Kimberly Peirce, que toca con fuerza y honestidad el tema del lesbianismo.

Los mensajes del cambio también llegan del exterior: el cine de Almodóvar dividió a la industria de Hollywood y a la crítica estadounidense. Con el paso del tiempo se reconoció su calidad por parte de la mayoría tanto en Europa (Cannes) como en Hollywood (el Oscar).

La única forma de que sobreviva y se exprese es que el público rechace el producto normal -que oculta su fascismo embozado o latente- y apoye económicamente tan sólo a las cintas autónomas que abordan la homosexualidad sin burlas o denigraciones ocultas. Se trata de tener un lugar bajo el sol, como todos los seres humanos; así de fácil, así de difícil.

Hollywood tardó mucho en entender y, sobretodo, aceptar personajes homosexuales en su universo fílmico, que mostraran complejidad, fuerza y humanismo en su trazo narrativo. No se puede perder el terreno conquistado. El arma, sencillamente, es comprar o dejar de comprar un boleto. El espectador tiene la palabra... y el dinero.

Hollywood, aparte de llegar tarde a la temática homosexual en el cine mundial, y estar retrasado en el tratamiento de los personajes comparado con el mundo del teatro y cine europeos, también ha tenido que ver directamente en la vida privada de algunas de sus estrellas -lesbianas y homosexuales- que han elegido su conducta sexual.

La ingerencia de los estudios cinematográficos en la vida de sus estrellas privadas ha sido de vigilancia primero, coerción después, destrucción al final.

Claro, este esquema no sólo se aplicó a las personas lesbianas y homosexuales dentro de la industria del cine estadunidense sino también a heterosexuales cuya conducta sexual era considerada socialmente impropia. El silencio y la simulación eran la regla común antes que enfrentar la ira de los estudios.

Esto creó un submundo oculto dentro de Hollywood, donde las comunidades lesbiana, homosexual y heterosexual vivÌan su vida sexual sin que el público se diera cuenta. Dicho ambiente está narrado en los libros Hollywood Babylon 1, 2 y 3, de Kenneth Anger. Por razones de espacio sólo se hablara de algunos de los casos más conocidos.

Rock Hudson es el ejemplo tìpico de la estrella de cine de Hollywood que tiene una "conducta impropia" para las compañías cinematográficas. Para cuando los ejecutivos se dieron cuenta de que su estrella era homosexual ya se había invertido mucho dinero, Èl era una estrella establecida y redituable con el público femenino, y su capacidad de comediante era indiscutible.

El mecanismo se puso en marcha: Hollywood quería proteger su inversión. Se vigiló al actor, se le "protegió" para evitar que cualquier reportero se diera cuenta de su preferencia sexual, se le obligó a un matrimonio publicitario para desmentir cualquier rumor y se le coaccionó para que ocultara la verdad.

Se debe aclarar que Rock Hudson vivió los años donde los estudios eran omnipotentes. El patrón que se le aplicó fue, en forma general, el que sufrieron todos aquellos actores y actrices que se desviaban de la norma establecida por los estudios, con una excepción.

Hudson era una estrella. No se le perjudicó directamente y continuó trabajando. Pero hubo actores que al ser "descubiertos" en relación a su preferencia sexual fueron simplemente colocados en una lista y jamás volvieron a trabajar para las grandes compañías; no eran tan famosos como para no prescindir de su presencia en pantalla. Las listas negras no sólo existieron en el campo político sino también en el sexual. Muchos recurrieron al teatro para continuar trabajando ya que el clima era más liberal.

Algunos de los que sufrieron en mayor o menor medida la medicina de los grandes estudios fueron Montgomery Clift y Sal Mineo.

En el campo del lesbianismo también se replicó el mecanismo de tres pasos, con la salvedad de que quienes lo sufrieron guardaron una discreción aun más profunda. El caso de la estrella Bárbara Stanwick es parecido al de Hudson. Sandy Dennis tiene el matiz de que fue sistematicamente ignorada en su trabajo. A pesar de ser una excelente actriz, como se ve en Who's afraid of Virginia Woolf (Mike Nichols) y That cold day in the park (Robert Altman), simplemente no se le dejó ser estrella.

Pero los tiempos cambian y las presiones sociales que luchan por liberalizar el trato de los medios de comunicación hacia sus trabajadores homosexuales, y que buscan un respeto y humanización de los personajes en pantalla, fue abriendo poco a poco la coraza de la industria.

Ahora existen, por ejemplo, directores que no ocultan su preferencia sexual: Gus van Sant, Lisa Cholodenko y la canadiense Patricia Rozema (Al caer de la noche) son ejemplos claros. En los tres casos, estos directores han abordado las temáticas del lesbianismo y de la homosexualidad sin tabús, con descripciones que nacen de su experiencia. Pueden plasmar en sus películas una poética que muestra la existencia real del amor entre personas del mismo sexo; tan conflictivo o romántico como el de cualquier ser humano.

Claro que las circunstancias difieren de los directores europeos, que han desarrollado su carrera fílmica en condiciones menos opresivas. Pero estos tres casos mencionados han permitido dar a conocer a un público más amplio cual es la problemática homosexual contada por una persona que tiene dicha preferencia sexual. El avance temático y artístico es notable.

Sin embargo la flexibilización de la industria cinematográfica, no sólo en Hollywood sino en todo el mundo, es un fenómeno reciente por el cual se tiene que luchar a diario.

Uno de los ejemplos más recientes de los vaívenes de la industria hollywoodense es el caso de Anne Heche y Ellen DeGeneres. Ambas son actrices exitosas. Heche fue protagonista de films comerciales de fuerte inversión y ahora retorna como actriz excelente en Birth / Reencarnación (Jonathan Glazer): DeGeneres era una estrella de la comedia televisiva. Luego de meditarlo, ambas decidieron hacer pública su relación amorosa.

La televisión, medio más conservador, despidió a Ellen DeGeneres con el pretexto de que el nivel de audiencia había bajado, y argumentó que no tenía relación con el hecho. Claro, en los pasillos se adjudicó la baja de auditorio precisamente a la revelación pública de su relación con Anne Heche. Sólo eran pretextos para lavar la imagen de la empresa.

En el caso de Anne Heche se le dejaron de hacer ofertas para filmar. Durante meses estuvo ausente de la pantalla. Pero el medio cinematográfico se ha liberalizado, y ambas actrices recibieron después ofertas de productores independientes o autónomos. Ahora Heche, luego de su regreso a la heterosexualidad, recupera lugar en pantalla y demuestra sus habilidades en una escena clímax de Birth / Reencarnación, de Jonathan Glazer.

Este caso es representativo porque mostró que, por primera vez, dos actrices declararon abiertamente su relación romántica, pero la industria no ha podido aplastarlas. Al contrario, ya hay segmentos en Hollywood que tienen posiciones de poder que apoyaron su acción.

Anne Heche y Ellen DeGeneres fueron las primeras y, a pesar de su separación posterior (Heche "retornó" a la heterosexualidad) detrás de ellas vinieron otras, como la cantante Melissa Etheridge. La comunidad lesbiana y homosexual debe apoyar su actitud y ayudar a ampliar su margen de libertad: la solución es muy fácil: ir a ver sus películas por solidaridad, y reconociendo su capacidad actoral. Es decir, hacer evidente el apoyo económico a su presencia en el cine.

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RELACIÓN DE PELÍCULAS Y DOCUMENTALES PARA ABORDAR EL TEMA DE LA DIVERSIDAD SEXUAL

1. Carandiru

Fuente:http://www.edualter.org/material/cinemad2/carandiru.htm

FICHA TÉCNICA

Dirección: Héctor Babenco

Guión: Héctor Babenco, Víctor Navas y Fernando Bonassi; basado en el libro "Estaçao Carandiru" (Estación Carandiru) de Drauzio Varella.

Producción: Hector Babenco

Duración: 146 min.

Países: Brasil

Año de producción: 2003

Reparto: Luiz Carlos Vasconcelos (Doctor), Milton Gonçalves (Seo Chico), Ivan de Almeida (Black Nígger), Ailton Graça (Highness), Milhem Cortaz (Dagger), Maria Luisa Mendonça (Dalva), Aída Leiner (Rosirene), Rodrigo Santero (Lady Di), Gero Camilo (No Way), Ricardo Blat (Claudiomiro).

Sinopsis:

En una celda de la Casa de Detenciones de Sao Paulo, mejor conocida por Carandiru, dos presos (Lula y Dagger) tienen una cuenta que saldar. La atmósfera es tensa. Otro preso, Black Nígger, "juez" autoproclamado por mediar en disputas entre prisioneros, resuelve el caso a tiempo de dar la bienvenida al nuevo doctor, encargado de comenzar un programa de prevención del VIH-SIDA en la penitenciaría. El doctor se enfrenta con los muchos serios problemas que tiene la cárcel más grande de Latinoamérica: celdas superpobladas, instalaciones decadentes y todo tipo de enfermedades. Los presos no tienen acceso ni a cuidados médicos ni a asistencia legal. Carandiru, que alberga más de siete mil prisioneros, es un gran desafío para el recién llegado. Pero tras trabajar allí durante unos meses descubre algo que le transformará: los reclusos, incluso en esta detestable situación, no son figuras demoníacas. En el contacto diario con los prisioneros en su improvisada oficina, el doctor es testigo de la solidaridad, organización y, sobre todo, las inmensas ganas de vivir. Su trabajo comienza a dar frutos y el doctor gradualmente se gana el respeto de los presos. Con el respeto vienen los secretos. Sus consultas comienzan a tratar de temas más allá de la enfermedad cuando los reclusos empiezan a contarle la historia de su vida. Sus reuniones con los pacientes en la consulta se convierten en "ventanas" al mundo del crimen. La narrativa de la película es similar a un puzzle. Una historia choca contra otra para confeccionar un retrato realista de la tragedia social que envuelve Brasil. Junto al doctor el público sigue la rutina diaria de los presos hasta la fatídica fecha del 2 de octubre de 1992, el día que se estremeció la Casa de Detenciones y todo Brasil: la masacre de Carandiru.

Ver trailer de la película

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2. Fresa y chocolate

FICHA TÉCNICA

Dirección: Tomás Gutiérrez Alea y Juan Carlos Tabío
Guión: Senel Paz y Tomás Gutiérrez Alea
Producción: ICAIC
Duración: 110 min.
Países: Cuba
Año de producción: 1993
Reparto: Jorge Perugorria, Vladimir Cruz, Marta Ibarra, Francisco Gattorno.

Sinopsis:

Tres personajes mantienen una intensa y conmovedora relación de amistad, en medio de prejuicios e incomprensiones sobre la homosexualidad en Cuba. La película se centra en el papel de David, un universitario miembro de la Juventud Comunista cuyos valores se ponen en cuestión al hacerse amigo de Diego, un artista homosexual, que entra en contradicción con el sistema establecido. En medio, se cruza la vecina de Diego, una mujer madura y agobiada por la soledad.

Ver trailer de la película

3. Los muchachos no lloran

Ficha técnica:

Nacionalidad: Estados Unidos
Director: Kimberly Pierce
Año: 2000
Duración: 114 minutos
Interpretes: Brendan Sexton III, Hilary Swank, Peter Sarsgaard

Sinopsis:

VER RESEÑA COMPLETA: http://cinedidactica.blogspot.com/2007/02/los-muchachos-no-lloran.html

4. Secreto en la montaña

La historia de Ennis Del Mar (Heath Ledger) y Jack Twist (Jake Gillenhaal), dos vaqueros que se conocen en el verano de 1963 trabajando en Brokeback Mountain, fue publicada por The New Yorker en 1997 firmado por la premio Pulitzer Annie Proulx.

Sus líneas conmovieron a miles de lectores entre los que se encontraba la guionista Diana Ossana, cuyo entusiasmo contagió a Larry McMurtry (también Pulitzer y escritor de novelas como La fuerza del cariño además de guionista), y con cuya colaboración se armaría de empeño para adaptarla a guión y llevarla a la gran pantalla.

Fuente: Fuente:
http://fotograma.com/notas/reviews/3888.shtml

VER RESEÑA COMPLETA:
http://cinedidactica.blogspot.com/2007/02/secreto-en-la-montana.html

Trailer de la película

Inteligencia artificial

2008-07-25T11:10:00.000-07:00

Inteligencia artificial*

*Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Inteligencia_artificial_(pel%C3%ADcula)

Inteligencia artificial es una película estadounidense de 2001 dirigida por Steven Spielberg. La película está basada en el relato de ciencia ficción Los superjuguetes duran todo el verano de Brian Aldiss, e incorpora elementos de la obra italiana Las aventuras de Pinocho.

ArgumentoUn nuevo modelo de robot con forma de niño se crea, buscando sustituir a los verdaderos niños, ya que en el futuro ficticio que plantea la película, por problemas como la superpoblación, se restringe el número de hijos. El robot protagonista de la película es el primer prototipo de esta nueva generación de máquinas, y debido a esta condición es continuamente dejado de lado, ya que no comprenden que un robot pueda tener sentimientos humanos. Al momento de buscar al hada, el androide es atrapado por los policías (quienes desean destruir los androides) pero luego dejan que él busque al hada azul junto a su oso Teddy, quien también era un robot, aunque más antiguo. En su búsqueda llega a Manhattan, que esta totalmente sumergida en el agua, tras intentar suicidarse. Reconoce al hada azul como el hada de Pinocho sumergida en Coney Island, se queda congelado durante dos mil años frente al hada pidiéndole que lo convierta en un niño de verdad. Un grupo de robot evolucionados los encuentran y le hacen creer que sí existe el hada azul. Entonces él les pide lo que más quería: ser un niño de verdad. Pero los robots le dicen que no pueden convertirlo, entonces David Swinton (el niño robot) le dice que reviva a "su madre". Pero para hacerlo ellos tenía que tener algo de ella (un cabello o una uña) y es en ese momento en que Teddy le dice que él guardaba un mechón de cabello que le cortaron una vez. Sin embargo uno de los robot se le presenta y le dice que no la podrán revivir por siempre, sólo por un día, y él entiende, pero no le importa porque no hay nada que quiera más. Es así como se realiza su sueño y pasa todo el día con "su madre" y al momento de dormir se queda junto a ella dormido, tomando su mano; aunque los robots en teoría no podían dormir, ratificando así que él si tenía sentimientos.

Producción

La película fue concebida por Stanley Kubrick, quien trabajó largo tiempo con un grupo de escritores; pero debido al fallecimiento de Kubrick, y a que estuvo durante sus últimos años de vida envuelto en el proyecto de Eyes Wide Shut - su última película -, no llegó a dirigirla.[1] En los créditos Kubrick figura como uno de los productores, y la película fue dedicada a él.

En la película aparecen las Torres Gemelas, pese a haber dejado de existir desde los atentados del 11 de septiembre de 2001, pero al contrario de lo que ocurrió con la película de Spiderman, en esta se decidió mantenerlas en el film que se proyectaría finalmente en los cines.
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Análisis de la película*

Fuente: http://dlpoma.wordpress.com/2010/03/30/analisis-de-la-pelicula-%E2%80%9Cinteligencia-artificial%E2%80%9D/

Podemos partir diciendo que la película abordan cuestiones que parecen sacadas de la ciencia-ficción, pero si analizamos hoy en día muchas situaciones pueden ser aplicadas con el desarrollo tecnológico como es el caso de la medicina, robótica, clonación, etc.

La película IA se basa en un futuro y la trama pone énfasis en la inteligencia artificial, lo primero que destaca es la creación de un niño-robot que aprende de los sentimientos humanos y por tanto posee la capacidad de amar.

La diferencia principal que hay entre los robot creados anteriormente y el niño-robot, es que puede absorber información, imágenes y ponerlas en orden, es decir de manera humana. Otro punto analizar es que el niño-robot, puede conectar esas ideas a sus emociones y por tanto él empieza a pensar que es real.

De lo que aprende diariamente con su nueva familia, el niño-robot paulatinamente se comienza a sentir como su hijo. Sin embargo, entre más humano se va haciendo, menos cómodos se empiezan a sentir sus padres con él.

Tenemos que destacar que los cuidados reconfortantes de la madre, la información y las sensaciones que permiten que el niño-robot considere que él puede llegar a ser un humano.

Como segunda parte de la trama podemos ver que en un mundo artificial existen varios tipos de robots para la satisfacción de las necesidades humanas, es aquí donde se incorpora un nuevo robot llamado Gigoló Joe el mismo que es creado para entretener y cumplir los deseos de sus clientes.

En cambio esté robot tiene una capacidad limitada de aprendizaje el mismo que canta, baila y se transforma físicamente con el caer de una pluma. Además tiene la capacidad de cambiar sus maneras de seducir, es un robot programado para atraer y satisfacer a sus “clientes” humanas. Diferencia muy marcadas entre él y el niño-robot.

En la trama podemos observar que el robot-Joe se convierte en el mejor amigo del niño, lanzándose a un extraño y nuevo mundo para tratar de hallar su verdadero lugar en la sociedad que los creó.

La capacidad de aprendizaje que tiene el niño robot va en busca de la Ada azul del cuento de Pinocho, en donde él recuerda que esta Ada es capaz de transformar a los juguetes en humanos. Por tanto su objetivo es convertirse en humano para poder volver a su casa con su familia.

Durante la película se observa que la inocencia del niño se pierde al comprobar que lo que el pensaba que era realidad, era tan solo fantasías. Provocando en el niño una reacción humana.

Otro punto que hay que destacar en la película es la intervención de seres de inteligencia superior que después de pasar muchos años y tras la destrucción de la tierra, reactivan al niño-robot.

Estos seres deciden cumplirle su último deseo y le dan la oportunidad de regresar a casa y volver a ver a su madre. Logrando producir un clon de la madre que vivirá sólo unas cuantas horas, el niño al reunirse con el clon de la madre se siente un ser humano y gran felicidad.
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Crítica a la película "Inteligencia artificial"

Fuente: http://www.arrakis.es/~maniacs/Int2.htm

Cuando en estás páginas se utiliza la ironía para criticar una película no se pretende en ningún momento provocar en el lector la impresión de que el crítico se coloca por encima del trabajo analizado. Sólo una lectura rápida puede mezclar la forma con el contenido y suponer que el estilo es, en sí mismo, una manera de analizar una película : siempre se dará una justificación Si la crítica se queda en un simple ejercicio literario, el que queda en evidencia, ridiculizado, es el propio crítico.

Con ser mala la suposición de que el crítico pretende colocarse por encima del director, peor es sugerir que el crítico utiliza esa ironía como cortina de humo con la que ocultar que, como espectador, no ha sido capaz de ver nada de lo que se ha expuesto en la película.

En el caso de la crítica de Inteligencia Artificial puede parecer que utilizando la ironía se ha caído en los dos graves errores ya mencionados : una supuesta superioridad y una incapacidad para leer la película. Como respuesta a algunos comentarios, me propongo , como ejercicio, realizar una crítica en un estilo neutral con el que, ya lo aviso, pretendo llegar a las mismas conclusiones ya alcanzadas en la crítica basada en la ironía. Si realizo esta segunda crítica no es por defenderme, que poca defensa necesita el que ofrece sus críticas sin pedir nada a cambio, sino por mantener intacto el pabellón de la ironía. Arma indispensable con la que seguir viviendo en momentos tan revueltos como estos.
Así que, sin malabarismos literarios, vuelvo a analizar Inteligencia Artificial para decir, ya desde el principio, que, sobre el papel, es una obra perfecta. Frase que no esconde ninguna ironía.

Spielberg crea un viaje para el personaje principal basado en tres escenarios : La casa, el bosque y la ciudad. Para cada uno de ellos, Spielberg le reserva al joven David un tipo de descubrimiento importante en su crecimiento. En la casa, David aprenderá que la necesidad de ser amado crea una auténtica lucha entre sus componentes. En el bosque, el entorno deja de ser el familiar para representar a la sociedad. Aquí el problema no es la relación con los semejantes, sino con aquellos que son totalmente contrarios a nosotros. El ambiente recreado por Spielberg es duro, la Naturaleza no supone para David un lugar en el que refugiarse. Detrás de los árboles se esconden los cazadores, los lobos con ruedas acechan en todas partes y hasta la posibilidad de buscar algún tipo de refugio en la luna desaparece porque su propia imagen puede ser el lugar del que vengan volando los enemigos. Poca ayuda cabe esperar, pues, en este escenario.

La ciudad, el tercer nivel, es el único lugar en el que David puede conseguir algo. Por lo pronto, consigue que su amistad con Jude adquiera cierta forma. David puede moverse y lograr una información que hasta ahora le ha sido ocultada. El encuentro con Jude resulta relevante porque sirve para marcar la diferencia que hay entre los dos. Jude es feliz porque, siendo un modelo inferior a David, no aspira a ser una cosa diferente a la que es : un mero semental relleno de fibra de vidrio. David, por el contrario, ya no puede compartir esa felicidad porque, sorprendentemente, quiere dejar de ser quien es. Por culpa del amor, se ve obligado a dejar de ser él mismo, alguien perfecto, que no necesita comer ni dormir, que no envejece, que no tiene enfermedades, para ser esa criatura mortal que desea el amor de su madre adoptiva. En cierto modo, David ha sido expulsado del Paraíso que le habían diseñado sus creadores por culpa de esa novedosa capacidad de amar. Ese deseo, como se ve, se vuelve contra él.

La ciudad le protege pero no le ofrece lo que él quiere : saber. David va evolucionando rápidamente. En su casa buscaba cariño, en el bosque protección y en la ciudad, sabiduría. En ningún escenario va David a encontrar lo que busca. Un camino un tanto absurdo porque, como se ha señalado, David ya nació con todos los deseos satisfechos. Si no hubiera tenido esa capacidad de amar, habría sido feliz con su familia y no habría sido expulsado del Paraíso. El precio de haberse mantenido en esa situación habría sido el de parecerse como una gota de agua a ese oso de última generación que parece conformarse con lo que es.

Mas no es el de la sabiduría el último camino. En la escena de la visita al Dr. Kows, Jude Law matiza su pregunta sobre el hada azul al mencionar que lo que quieren saber es una mezcla de hechos y de cuentos. En ese momento la búsqueda de David abandona el plano material para entrar en el simbólico de lo religioso. La ciencia, representada por Wiliam Hurt, tampoco le ofrece una respuesta. Spielberg fuerza un poco más la historia y convierte a David en un peregrino en busca de la Virgen a la que pedirle el milagro. Porque eso es lo que esconde la escena final : un momento religioso en el que un David, completamente humano, le ruega a la imagen que le conceda aquello que no tiene.

David comenzó siendo un robot y terminó suplicándole a una imagen religiosa. Justo el camino que, se supone, ya hecho el hombre. ¿Y todo por culpa de esa capacidad de amar?. Sí, parece decir Spielberg, por culpa de esa necesidad.

El punto final llega cuando una civilización superior encuentra a David para que vea cómo su imagen no es más que eso, algo frágil que se destruye en cuanto él lo toca. Ni la religión ni la ciencia, dice Spielberg, lograrán unir en el robot su deseo con su objeto.

No es, como se ve, una historia fácil. Y, sobre el papel, es un guión muy interesante que podría haber sido una gran película. Todo ese horizonte prometedor se viene abajo porque, a mi juicio, Spielberg se equivoca con dos elementos fundamentales : el tono de la película y la definición de sus personajes.

Del tono general sólo hay que decir que exagera los elementos y que así sólo consigue que la historia pierda la fuerza que tiene la relación con lo real. Hay muchas formas más eficaces, por ejemplo, de contar la escena de la Feria de la Carne. Mucho más eficaces y mejor resueltas. Algo semejante a lo que le ocurre con la visita al Dr. Knows en otra escena muy mal resuelta.

Con ser mala la elección del tono, peor es la definición de los personajes. Elemento planos incapaces de ofrecer más de dos caras. El resultado es parecido al que obtendríamos si, habiendo creado la base para Blade Runner, a los replicantes les hiciéramos aparecer con una pelota de payaso en la nariz. El guión exige que David cambie, que vibre, pero lo único que obtenemos es a un robot que no deja de poner cara de robot. Como escribir "El guardían entre el centeno" y colocar de protagonista a R2D2. O poner a C3PO haciendo el papel de Marlon Brando en "El Padrino"

Un gran proyecto sobre el papel que se queda en un homenaje al aburrimiento en la pantalla. Spileberg es muy, muy sabio, pero esta vez no ha sabido dar con esa tecla que consigue que la gente no deje de mirar la hora en el cine. Hasta los genios se equivocan y de éste ejercicio, por lo menos, queda la posibilidad de aprender de los errores.

Una derrota constructiva, que diría Valdano. Y que viva la ironía.

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Trailer de la película

Violencia contra las mujeres

2008-07-11T14:05:00.000-07:00

Discriminación por género*
Por: María Azucena Sánchez Aburto

Hemos sido testigos en diferentes momentos de la historia de un México cuyo proyecto de civilización, ha estado marcado por la exclusión, la discriminación, la expulsión social y la segregación de amplios sectores de la población sumergidos en lo que Gilberto Rincón Gallardo (2006: 5), denominó un decurso de inequidad e iniquidad. Un proceso que ha sido consentido, promovido, solapado, propiciado e institucionalizado hegemónicamente en nuestro país, en donde recientemente se ha generado una división de la población, sustentada en el conveniente supuesto de los encargados de garantizar la democracia, de que hay dos tipos de ciudadanos, aquellos que son necesarios e indispensables y los otros, que son un peligro para México. El México que conviene a intereses económicos y políticos neoliberales, el cual se parece mucho al México imaginario de Guillermo Bonfil Batalla (1994), aquél en el cual, uno de los primeros excluidos socialmente, fue el indígena "...el colonizado (el que) fue útil en la medida en la que se convirtió en objeto de explotación; fue hostil y enemigo cuando la intentó evadir o la puso en riesgo; fue indiferente o ignorado cuando permaneció al margen del México ocupado..." (138), y hacia él una serie de acciones para despojarle de recursos y elementos culturales de su patrimonio histórico.

Los registros de injustificia, opresión y exclusión que han vulnerado a las mujeres; las prácticas criminales, consentidas por el silencio y el ocultamiento social; humillaciones y discriminación de manera sistémica dirigidas hacia personas y grupos de personas, dan cuenta de un México afectado por la desigualdad, la pobreza y la falta de ciudadanía plena, en donde podemos apreciar, con base en la investigación realizada en 2001 por la Comisión Ciudadana de Estudios contra la Discriminación (CONAPRED, 2005: 2) que, las principales formas de discriminación reproducidas en nuestro país, son: por género, por pertenencia étnica, por edad, por discapacidad, religiosa, por preferencia sexual, y a migrantes (...)

En esta ocasión, habremos de referirnos a la discriminación por género, teniendo en cuenta que históricamente, la discriminación hacia las mujeres ha sido uno de los mayores obstáculos para el ejercicio de los derechos fundamentales de manera universal. Dado que el trato injusto y arbitrario de que han sido y siguen siendo objeto, así como el arraigo del prejucio cultural que les asigna un papel de inferioridad y de subordinación en prácticamente todas las esferas de la vida cotidiana, atenta contra los principios y valores de la convivencia democrática, minando las bases de la igualdad, la libertad y la justicia CONAPRED, 2005: 2).

Las películas que aquí sugerimos para el ejercicio crítico y reflexivo en torno a la discriminación por género y la violencia contra la mujer, constituyen un repertorio fundamental en la comprensión de este fenómeno social y cultural promovido en muchos aspectos por una filosofía religiosa desde la cual tradicionalmente se ha considerado a la mujer como "el vaso más frágil", en palabras atribuidas a San Pedro.

Recordemos que ya en el siglo II, San Clemente de Alejandría escribió que toda mujer debería estar llena de vergüenza por la sola idea de ser mujer"; que Tertuliano, explicaba el por qué las mujeres merecen su condición de seres humanos despreciados e inferiores con estas palabras:

¿ Y acaso no sabes que eres una Eva? La sentencia de Dios para este sexo tuyo existe en esta era: la culpa debe por necesidad existir también. Tú eres la entrada del diablo: tú eres quien rompe el sello de esa cruz: tú eres la primera desertora de la ley divina: tú eres aquella que lo persuadió a él a quien el diablo no tuvo el suficiente valor de atacar. Tú destruiste tan fácilmente la imagen de Dios, el hombre. Por causa de tu merecido -es decir, la muerte- hasta el Hijo de Dios tuvo que morir (Ellerbe, 1995: 135).

Hay sin lugar a duda sentencias más contundentes como la del filósofo cristiano, Boeto, quien dijo que la mujer es un templo construido sobre una cloaca, o el Concilio de Mácon en el siglo VI, en el que los obispos votaron con respecto a si las mujeres tenían almas, o la declaración de Odo de Cluny que se atrevió a declarar que abrazar a una mujer es abrazar un costal de estiercol. (Ellerbe, 1995: 135)

A estas premisas inherentes a la iglesia cristiana en el mundo occidental, hay que sumar las tradiciones y prácticas ancladas en la vida social de otras culturas como las de los pueblos árabes, con lo que estaríamos hablando de un problema que aqueja a la humanidad en general.

* Extracto editado del prólogo al libro " Educando en y para la diversidad".

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PELÍCULAS Y DOCUMENTALES PARA ABORDAR EL TEMA DE LA DISCRIMINACIÓN DE GÉNERO Y LA VIOLENCIA HACIA LAS MUJERES

1. A las cinco de la tarde

2003. Irán, Francia. (105 min.) No recomendada para menores de 13 años. Dirección: Samira Makhmalbaf. Guión: Samira Makhmalbaf, Mohsen Makhmalbaf. Intérpretes: Agheleh Rezaie, Abdolgani Yousefrazi, Razi Mohebi. Festival de Cannes: Premio del jurado, nominada a la Palma de Oro.Esta película aborda, entre otros temas, el derecho de la mujer a la educación. Sinopsis: Tras la caída del régimen talibán en Afganistán, se reabrieron las escuelas para las mujeres. Una de ellas pretende dedicarse a la política e incluso llegar a ser algún día presidenta de la República. Pero el burka, las tradiciones y el régimen machista siguen profundamente anclados en la vida social del país.

Sinopsis

VER RESEÑA COMPLETA:

http://cinedidactica.blogspot.com/2011/06/las-cinco-de-la-tarde.html

2. Ave María

Ficha técnica:

DIRECTOR,PRODUCTOR: Eduardo Rossoff
PRODUCTORA: Andrea Kreuzhage
PRODUCTOR, EJECUTIVO: Luis Bekris
COPRODUCTORES: Luis De Val, Xavier Catafal
GUION: Camille Thomasson
FOTOGRAFIA: Henner Hofmann
EDITOR: Luis Manuel Del Valle
ESCENOGRAFIA: Theresa Wachter
VESTUARIO: Sandra Ramos
SONIDO: Carlos Aguilar
MUSICA ORIGINAL: Carles Cases

ACTUACIONES DE: MARIA: Tere López Tarín; CUÑA: Damian Alcazar; DANIEL: Demian Bichir; ADELINA: Ana Torrent; MIGUEL: Juan Diego Botto; SERRA: Alfredo Sevilla; JOSE: Luis de Icaza; URSULA: Ana Ofelia Murguía; CLARA: Gabriela Canudas; DIEGO: Octavio Castro; SERENA: Maira Serbulo; GUERRA: Fermí Reixach

SINOPSIS*

*Fuente: http://pweb.netcom.com/~lesto/avemaria2000esp.html#TEC

En una misión de la Nueva España, MARÍA INÉS, hija del Duque Juan Inés y una madre indígena, goza de una libertad especial, gracias a que su padre Español es el principal benefactor de la misión. Su belleza, sus estudios, y su nivel de conocimiento inusual para una mujer en esa época, molestan profundamente al Padre CUÑA y a las monjas.

VER SINOPSIS COMPLETA:
http://cinedidactica.blogspot.com/2007/02/ave-maria.html

3. Baran (Lluvia)

Ficha técnica

Año 2001
Nacionalidad Irán
Estreno 11-06-2004
Género Drama
Duración 94 m.
Dirección Majid Majidi
Intérpretes Hossein Abedini (Latif)
Zahra Bahrami (Baran)
Mohammad Amir Naji (Memar)
Hossein Mahjoub (Bric à brac trader)
Abbas Rahimi (Soltan)
Guión Majid Majidi
Fotografía Mohammad Davudi
Música Ahmad Pezham
Montaje Hassan Hassandoost

Sinopsis*:

Lateef es un adolescente iraní con un gran corazón pero un pícaro, trabaja como portero en una construcción, proporcionando té y comida a los trabajadores afganos que trabajan ilegalmente por un salario escaso. El jefe, un hombre amable pero frugal llamado Memar, le paga a Lateef una pequeña parte de sueldo semanal y retiene el resto de su sueldo alegando que es por su propio bien. Cuando un trabajador afgano, Najaf, sufre una caída en la construcción, no puede decir a las autoridades donde o como se ha herido debido a su estado de trabajador ilegal. Este incidente amenaza los puestos de trabajo de todo el mundo. Al día siguiente un trabajador afgano y un amigo de la familia de Najaf, Soltman llega a trabajar con el hijo del hombre herido, Rhamat. Soltman convence a Memar de que Rhamat puede sustituir a su padre. Memar acepta de mala gana. Al principio Lateef intenta ayudar al recién llegado pero Rhamat no esta hecho para ese trabajo físico. Después Rhamat deja caer una pesada carga, Memar da el trabajo duro de la construcción a Lateef y da las labores de recadero a Rhamat. Resentido de su nueva misión, Lateef sabotea a Rhamat - destroza el cuarto del chico de los recados e incluso le echa agua. Pero de momento la actitud de Lateef cambia de repente. Lateef escucha cantar y pone su atención en el cuarto del recadero, detrás de la cortina Lateef ve a una chica guapa, y observa como se peina su largo pelo. Lateef se enamora instantáneamente de ella. Él se propone impresionarla y su cariño es devuelto cuando ella silenciosamente deja té para él en una improvisada mesa. Inspectores del gobierno visitan la obra, que supone un alto precio - a todos los trabajadores afganos les dejan marchar incluida la chica. Sintiéndose solo, Lateef encuentra un mechón de pelo negro que conserva como recuerdo de ella.

* Fuente: http://www.zinema.com/pelicula/2004/baran.htm

VER RESEÑA COMPLETA:http://cinedidactica.blogspot.com/2007/02/baran-lluvia.html

4. La teta asustada

Ficha técnica:

Magaly Solier como Fausta
Susi Sánchez como Aída
Marino Ballón como tío Lúcido
Efraín Solís como Noé
Bárbara Lazón como Perpetua
María del Pilar Guerrero como Máxima
Delci Heredia como Carmela
Karla Heredia como Severina
Fernando Caycho como Melvin
Edward Llungo como Marcos
Marco Antonio Ramírez como Soldadito 3
Doris María Ramírez como Soldadito 4

La teta asustada es una película peruana, dirigida por Claudia Llosa y estrenada en 2009. La película está protagonizada por Magaly Solier, y se centra en los temores de las mujeres que fueron violadas durante la violencia política que vivió Perú en las dos últimas décadas del siglo XX. Fue estrenada el 12 de febrero de 2009 en Berlín, el 13 de febrero de 2009 en España y el 12 de marzo de 2009 en Perú. Galardonada con el Oso de oro a mejor película en el festival de cine de Berlín. En 2010 fue nominada al premio Óscar (EE.UU.) en la categoría de mejor película en idioma extranjero.

La historia se centra en Fausta (Magaly Solier), una joven que (según sus creencias) sufre una enfermedad llamada "la teta asustada", una extraña enfermedad que transmite el miedo y el sufrimiento de madres a hijos a través de la leche materna, ya que su progenitora fue violada durante la época del terrorismo en el Perú entre 1980 y 1992. El film en sí, no especifica quién cometió el delito.

Fuente. http://es.wikipedia.org/wiki/La_teta_asustada

Ver película en línea

RESEÑA COMPLETA Y OTROS ENLACES PARA VER LA PELÍCULA EN LÍNEA:

http://cinedidactica.blogspot.com/2011/07/la-teta-asustada.html

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5. Malena

Para ver la reseña completa de esta película y las sugerencias didácticas, puedes acceder al siguiente link:

http://cinedidactica.blogspot.com/2007/03/malena.html

6. Media luna

Ficha técnica:

Guión: Bahman Ghobadi.
Países: Irán, Irak, Austria y Francia.
Año: 2006.
Duración: 107 min.
Género: Drama, comedia.
Elenco: Ismail Ghaffari (Mamo), Allah Morad Rashtiani (Kako), Hedieh Tehrani (Hesho), Golshifteh.
Producción: Bahman Ghobadi.
Música: Hossein Alizadeh.
Fotografía: Nigel Block y Chrighton Bone.
Montaje: Hayedeh Safiyari.

Crítica de la película Media Luna, del director kurdo Bahman Ghobadi

Por Eva Pereiro López, lunes, 03 de septiembre de 2007

uente: http://www.ojosdepapel.com/Index.aspx?article=2636

Mamo es un anciano y famoso músico kurdo que lleva esperando 35 años un permiso que le permita al fin volver a dar un concierto en el Kurdistán iraquí. Cuando llega el ansiado momento, encarga a Kako, su mejor amigo, que le lleve al destino así como a sus diez hijos músicos que viven en distintos pueblos iraníes. Parten en un autobús escolar y comienza un largo viaje no exento de peripecias y magia, desoyendo una premonición terrible que ha de cumplirse antes de la siguiente luna llena.

Mamo está convencido de que para su concierto es necesaria una voz celestial de mujer, una mujer llamada Hesho que se exilió a un pueblo de montaña iraní con otras 1333 mujeres más, a las que ya no se les permite cantar. En Irán, las mujeres tienen prohibido cantar delante de los hombres. Esa prohibición, sin embargo, no amedrenta a Mamo y el autobús parte, con su disparatada troupe, en busca de Hesho. Pero Hesho lleva ya demasiado tiempo sin practicar y ha perdido confianza en el poder de su voz. Además, deberá viajar a Irak escondida en un doble fondo debido a los controles policiales existentes a lo largo del camino.

En Media Luna la mezcla de tradición y música kurda, de misterio y magia, de buen humor y personajes entrañables (ninguno de los actores es profesional), así como de incisivas denuncias a regímenes opresores, corruptos o imperialistas hacen de éste un completísimo y bello film.

Premoniciones, magia y música se mezclan armoniosamente con la belleza del paisaje montañoso y desnudo en busca de una frontera artificial que separa al pueblo kurdo y que no llegarán a cruzar, entre otras cosas debido a los disparos estadounidenses de fondo - maravillosa la escena que transcurre en la frontera irano-iraquí - y a la corruptela policial iraní. Se acerca la luna llena y la aventura parece cada vez más lejos de su objetivo.

El director kurdo-iraní Bahman Ghobadi obtuvo con este film el premio a la mejor película (junto a Mon fils à moi de Martial Fougeron) en el Festival de San Sebastián 2006, su segunda Concha de Oro puesto que en 2004 ganó con Las tortugas nunca vuelan. En Media Luna la mezcla de tradición y música kurda, de misterio y magia, de buen humor y personajes entrañables (ninguno de los actores es profesional), así como de incisivas denuncias a regímenes opresores, corruptos o imperialistas hacen de éste un completísimo y bello film tan emotivo como sobrecogedores son los paisajes en los que transcurre el periplo.

7. Osama

Ficha técnica:

Título original: Osama

Año: 2003
Duración: 83 min.
Nacionalidad: Afganistán, Japón, Irlanda
Género: Drama

Sinopsis:

Osama, una adolescente afgana, se disfraza de hombre para escapar de las condiciones intolerables en las que viven las mujeres en el régimen Talibán. Pero su travesía apenas inicia, y los peligros y terrores que la perseguirán serán solo un atisbo a la terrible forma de vida de los seres humanos que habitan en Afganistan.

VER RESEÑA COMPLETA:
http://cinedidactica.blogspot.com/2007/02/osama.html

8. Te doy mis ojos

FICHA TÉCNICA

Dirección: Iciar Bollaín
Guión: Icíar Bollaín y Alicia Luna
Producción: Producciones La Iguana y Alta Producción
Duración: 106 min.
Países: España
Año de producción: 2003

Reparto: Laia Marull, Luis Tosar, Candela Peña, Rosa María Sardà, Kity Manver, Sergi Calleja, Dave Mooney, Nicolás Fernández Luna, Elisabet Gelabert, Chus Gutiérrez, Elena Irureta.

Sinopsis:

Pilar sale huyendo de su casa con cuatro cosas y su hijo. Tras nueve años de matrimonio, huye del maltrato al que la somete su marido, Antonio. Él no tarda en salir a buscarla, pues, según él, la quiere más que a nada en el mundo. La película ahonda en las relaciones de la pareja y su entorno familiar y laboral, marcadas por el drama de la violencia contra las mujeres.

VER SUGERENCIAS PEDAGÓGICAS Y GUÍA DIDÁCTICA:
http://cinedidactica.blogspot.com/2007/02/te-doy-mis-ojos.html

Trailer de la película

9. Yo, la peor de todas

RESEÑA*

*Fuente: El blog de Jorge Ruiz: http://ruizjorge.com/2009/04/sor-juana-y-las-trampas-de-la-fe.html

Yo, la peor de todas, es una película basada en la obra “Sor Juana o las trampas de la fe”, de Octavio Paz. La película nos muestra la vida en la época de la conquista, cuando México todavía era una colonia Española. Esta tiene lugar en el siglo XVII, cuando la Nueva España era gobernada por la corona Española en conjunción con la iglesia católica. Durante esta época la sociedad era controlada por la iglesia, que a su vez estaba formada por hombres fanáticos de la religión, egocéntricos, que creían que la religión era lo más importante y se debía acatar al pie de la letra, y que las mujeres eran menos y no podían hacer lo mismo que ellos. Ellas solo podían estar en la casa, y las que no se casaban en el convento.

VER RESEÑA COMPLETA Y TRAILER DE LA PELÍCULA:

http://cinedidactica.blogspot.com/2011/06/yo-la-peor-de-todas.html